Le recensioni di Robydick, Napoleone, Belushi, Keoma

Bir Zamanlar Anadolu'da - Once Upon a Time in Anatolia

2012-02-01T06:00:00.000+01:00

2011, Nuri Bilge Ceylan.

Se è vero che ai festival si va per vincere, per parafrasare Michael Haneke, è altrettanto vero che ogni edizione Cannes, da qualunque angolazione la si guardi o qualunque idea di cinema uno possa avere, annovera sempre nel suo immenso campo di battaglia così tante vittorie di Pirro da rivaleggiare con le più nobili sconfitte. É inesplicabile, ma è così.
È successo proprio quest'anno a Once Upon a Time in Anatolia, di Nuri Bilge Ceylan (regista de Le tre scimmie, ve lo ricordate?) che pur accaparrandosi ex-aequo con i fratelli Dardenne il Gran Premio della Giuria, non solo non ha trovato un distributore per il nostro paese, ma non ha nemmeno potuto beneficiare della dovuta attenzione critica. Tutta colpa (forse) dei vari filmetti e filmacci che hanno ingorgato il palmarès con titoli roboanti e con altrettanto roboanti esibizioni di tecnica autoptica, dal pippone morettiano Habemus Papam all'ultra-frigido Drive, di cui si sono intessute lodi e festeggiati luculliani cerimoniali senza alcuna ragione particolare. Oppure colpa dell'italiano festivaliero, snob e radical-chic per eccellenza, che se una volta pasteggiava con Bergman e si coricava con Antonioni, oggi ha abbandonato i film turchi per sbrodolarsi a cucchiaiate di Tarantino e Almodóvar. Comunque la si voglia mettere, a farne le spese è stato il povero Ceylan, che s'è dovuto “accontentare” di un qualche trafiletto pubblicato su riviste accademiche o siti specializzati, perché di certo nessuno ha avuto né la voglia né la possibilità di andare a recuperarselo per capire che diamine di oggetto fosse. E così eccoci qui a parlare di una pellicola che nella migliore delle ipotesi sarà confinata al contenitore notturno Fuori Orario.

Dunque, di cosa tratta Once Upon a Time in Anatolia? Bella domanda, perché più che un film è un grande affresco di storie complementari che, partendo da uno spaccato di quotidianità (la ricerca di un cadavere), trascende l'impianto noir per diventare una complessa e struggente riflessione sull'umanità e sulle sue molteplici colpe.

Immaginate una notte senza stelle, completamente nera, illuminata soltanto dai fari di poche autovetture. Immaginate una campagna sterminata, tutta fatta di paglia, colline infinite ricoperte di vegetazione sporadica e ingiallita, un paesaggio dell'anima che, senza inizio né fine, si ripresenta sempre uguale a se stesso. Giallo dappertutto. Un mare di ocra, un oceano di fieno che si perde all'orizzonte. Ovunque tu guardi, in qualunque direzione corrano i tuoi occhi, c'è soltanto questo giallo metallico e immenso, che ti circonda, ti soffoca, ti riempie fino al midollo con la sua reiterata monotonia. E in tale nulla, in questa assenza, le storie di uomini comuni, un medico legale (Muhammet Uzuner), un procuratore (Taner Birsel) e alcuni poliziotti che scortano un assassino reo confesso sul luogo del delitto. Da qualche parte accanto a un albero, nella terra argillosa, tra gli arbusti di stoppia morente, c'è il corpo senza vita di un disgraziato, seppellito alla buona e lasciato in pasto ai cani. Dove sia stato inumato, l'assassino non lo ricorda con esattezza: era buio, lui era ubriaco, e nell'oscurità i particolari si confondono, le prospettive si fanno alterate e incerte, e allora non si è più sicuri di niente.

Le vetture attraversano la campagna, si arrampicano per le ondulate colline, si fermano sul ciglio di una strada che potrebbe essere quella giusta, ma che in realtà, per quanto i dettagli corrispondano quasi alla perfezione alla descrizione fornita dall'uomo, non è mai la via che si sta cercando. Mentre le operazioni proseguono, nel buio, tra pause, litigi e ripensamenti, ecco che i disperati protagonisti di questo poliziesco mancato cominciano a confrontarsi sulle rispettive paure, a discorrere dei traumi della propria vita, dei casi irrisolti, di tutto ciò che li ha resi tali nel corso degli anni. In una notte nerissima e solo all'apparenza tranquilla, storie di passioni mai sopite, drammi famigliari, ripicche e cattiverie, ma anche attimi di toccante pietà umana, baluginano nella generale cecità (reale e metaforica), spingendo gli astanti a guardare dentro di sé piuttosto che negli occhi del prossimo. Da una parte il procuratore, che non sa ancora darsi spiegazione della morte di una donna, moglie di un caro amico, deceduta senza alcuna ragione apparente, dall'altra il medico legale, che invece suppone che di motivazioni, quella stessa insospettabile donna, ne avrebbe avute anche più di una per compiere l'insano gesto. La medicina e la legge si incontrano e scontrano, la ragione e il sentimento si confondono all'ombra della giustizia (degli uomini) e della morale (di Dio), sullo sfondo di una steppa brulla e desolata, dove persino il silenzio fa male, quel silenzio atroce che riempie lo spazio tra i pensieri, che scava nel cuore e colma la memoria di cicatrici inenarrabili. E quando infine la luce del sole, timidamente, illumina la campagna, brillando sugli innocenti e sui colpevoli, consumando nella stessa lugubre bellezza assassini e redentori, vittime e carnefici, le più inconfessabili verità vengono a galla, bruciando in fondo all'anima, rivelando quanto fino a quel momento era stato inconsapevolmente occultato.

Ceylan è un maestro della forma, e se nel titolo omaggia Sergio Leone, nella sostanza sembra quasi rendere ossequio al cinema di Bruno Dumont, alla sua cosmogonia fatta di delicatezza e bestialità, di orrore ma anche di inaspettata salvezza. Alla fine delle sue due ore e mezza di proiezione, epiche e a suo modo (anti)eroiche, Once Upon a Time in Anatolia ci ricorda che il delitto, come la colpa e la sua remissione, sono parti integranti dell'essere umano, e che umanità ed efferatezza sono soltanto le facce della stessa medaglia, speculari e indissociabili. Dove finisce l'una e inizia l'altra, sia lo spettatore a stabilirlo. Sempre che ne abbia il coraggio.

Marco Marchetti

Black Mama, White Mama - Donne in Catene

2012-01-31T06:00:00.001+01:00

1973, Eddie Romero.

Tranquillizzatevi tutti, non si tratta di un parente stretto o di un usurpatore del Maestro. Il vecchio Eddie Romero (classe 1929) è uno dei più famosi cineasti filippini, autore di pellicole con forte sottotesto politico che, inevitabilmente, flirtò con la American International Pictures di Arkoff e Nicholson, regalando così agli appassionati dell'exploitation settantesca opere pregiate come "The Twiligth People" (1971) e pure questo "Black Mama, White Mama" (1973), scritto su soggetto di Jonathan Demme.

"Chicks in Chains, where they come from this is...Fun!", strilla la tagline di questo ottimo Women In Prison, che dopotutto, Women In Prison lo è solo per i primi venti minuti, con l'arrivo delle carcerate Lee Daniels e Karen Brent, una nera l'altra bianca, ma che ve lo dico a fare, nella prigione gestita con guanto di pelle nera dalla suberba, biondocrinita Lynn Borden (si, si, proprio lei, già vista in "Zozza Mary, Pazzo Gary" e "Frogs", e , se non vi basta, pure di una marea di serial Tv, "Hazel", "Get Smart", "Ironside", tra le altre cose) che subito (o quasi) si esibisce in una magnifica scena di autoerotismo mentre spia le detenute che si fanno la doccia. Naturalmente, le due protagoniste riescono a trovare un motivo per litigare e farsi così punire finendo direttamente, nude of course, dentro il "forno", cioè una cabina/latrina piazzata in un campo sotto il sole cocente, per poi venire trasferite in un'altra prigione di massima sicurezza. Durante il tragitto in autobus, un gruppo di terroristi, il cui capo è amante di Karen, attacca il mezzo ma, come da copione, va tutto a puttane. Si compie una carneficina mentre le due donne approfittano della situazione per fuggire, rimanendo però incatenate l'una all'altra. Ci siamo dimenticati di dire che Lee, l'amazzone nera, è la donna di un super-pappone malavitoso al quale ha fregato 40.000 dollari e quindi vuole tagliare la corda via battello al più presto, mentre Karen è decisa a riunirsi al gruppo di anarchici. Ci siamo anche dimenticati di aggiungere che le due supergirls sono nientemeno che Pam Grier e Margaret Markov, bellissime, arrapantissime, magnifiche sia in giacchetta giallo canarino che con vestale sacra, capaci ancora oggi di far tremare i polsi dello spettatore.

Si, perchè la scorza dura di Pam Grier (mi dispiace, ma non ha assolutamente bisogno di presentazioni da queste parti, la stupenda"Sheba Baby","Coffy", "Foxy Brown", "Jackie Brown" e pure battona nel capolavoro "Fort Apache, The Bronx" [1981] diDaniel Petrie con Paul Newman, per tacere degli altri WIP and Blaxploitation, vedi "The Big Doll House" [1971] di Jack Hill) si sposa in maniera pressochè perfetta con la dolcezza e il sorriso obnubilante della Markov, capelli biondi lunghissimi, gambe da infarto, pura bellezza seventies, anche lei presente in diversi prodotti espolitativi come "Run, Angel, Run/Corri, Angelo, Corri" (1969) diJack Starret, "The Hot Box" (1972) di Joe Viola, sempre su script di Demme e, soprattutto, "La Rivolta delle Gladiatrici"The Arena" (1974) diretto da Aristide Massaccesi (ma accreditato anche a Steve Carver, regista cormaniano di fiducia) in cui si ricostituisce l'accoppiata Markov/Grier, con contorno di volti bis come Mimmo Palmara, Franco Garofalo e Daniele Vargas.

Detto ciò, è bene continuare avvertendo il pubblico che la pellicola da WIP si trasforma in film avventuroso con fuga delle protagoniste per poi virare sui maneggi criminal-politici tra il governo, i terroristi, il pappone e un weirdissimo cowboy interpretato dal mio idolo Sid Haig, iconograficamente lontanissimo da Captain Spaulding, ma con la sua inconfondibile, straordinaria voce e sigaro e cappellone (nel senso di copricapo) in bella vista, capace di rubare la scena a tutti quanti, sia vestito di tutto punto (celeberrima la scena in cui costringe il primo ministro e il capitano della polizia a mostrare chi ce l'ha più lungo) che in mutande (l'orgia con due giovini fanciulle, il cui padre ascolta preoccupato dietro la porta). Pura exploitation settantesca con fughe, Wolkswagen Country Buggies, cazzotti, tentati stupri, coltellate e fintissimo sangue rosso vernice che trova quadratura pure in un finale concitato con esplosioni e sparatorie, venato però da un'amarezza ed una malinconia che difficilmente si trova nei prodotti di questa filiera; la battaglia finale, con il corpo di Karen, finalmente riunitasi con il gruppo di rivoltosi, crivellato dai colpi e poi abbandonato insieme agli altri cadaveri sul molo, mentre Lee si allontana su una barca, è notevole e degno di essere ricordato. E Romero (Eddie) non perde occasione di esprimere la sua disincantata visione politica mettendo in bocca al capitano, che per tutto il film ha inseguito senza successo le due ragazze, di fronte al corpo insanguinato di Karen, una battuta in cui ammette che, entro l'ora di cena, sarà promosso dopo dodici anni di servile servizio. Bellissima colonna sonora del jazzista Harry Betts(utilizzata dal solito Tarantino in Kill Bill Vol.1, mi pare), che suonò con Ella Fitzgerald in "Get Happy", valore aggiunto ad una pellicola che merita una visione. Se non altro per Pam e Margaret. C'è chi lo considera la versione femminile, con tutte le attenuanti del caso, di "The Defiant Ones" (1958) cult di Stanley Kramer con Sidney Poitier e Tony Curtis nei panni dei due carcerati. DvdMGM del 2003, PAL , Anamorphic, 1.85:1, ma con extra veramente risicati, solo il trailer. E vabbè, accontentiamoci.

Consigliatissimo. Buona visione.

Belushi

Inganni

2012-01-30T06:00:00.000+01:00

1985, Luigi Monardo Faccini.

Il Grande Cinema d'Autore Italiano è proseguito nei sempre più bistrattati anni '80. "Inganni" ne è una prova e invito sin d'ora a vederlo, perlomeno chi ha voglia di affrontare un film che tratta a un tempo temi come la malattia mentale e la poesia narrando, con studio e competenza, la vita di Dino Campana.

Dino Campana è nella storia della nostra cultura grazie alla raccolta di componimenti, in prosa e in poesia, "Canti Orfici". E' stato un rivoluzionario del modo di scrivere ed è notissimo a tutto il mondo letterario ed intellettuale ancora oggi. Io che non appartengo a quel mondo non mi sento di parlarne da questo punto di vista, per cui consiglio di leggere la pagina wiki a lui dedicata.

Consiglio anche la pagina dedicata al film nel sito ufficiale di Marina Piperno e Luigi Faccini. Proprio da quella pagina vi riporto la trama, descritta dallo stesso Luigi:
Il film inizia con la crisi del suo amore tempestoso per la scrittrice Sibilla Aleramo. Siamo nel 1916. Due anni più tardi, povero, amareggiato, rifiutato dalla famiglia e dalla società letteraria del tempo, accetta il ricovero nel manicomio toscano di Castel Pulci. Durante la degenza - siamo già nel 1928 -, un giovane psichiatra, Carlo Pariani, attratto dalla poesia dei Canti orfici nel frattempo ripubblicati, cerca di decifrare il mistero della sua creatività. Vorrebbe indurlo a rientrare nella vita e nella società letteraria che, tardivamente, lo ha riconosciuto “grande”. Il rapporto tra lo psichiatra e Campana è ambiguo, rischioso per entrambi. Lo psichiatra “studia” e inquisisce il poeta. Dino Campana si trincera, finge, nega, mendica comprensione. Dai deliri nei quali si rifugia per difendersi dalle intrusioni dello psichiatra emerge Sibilla, severa, invitante. Ma anche la madre, con la quale ha sempre avuto un rapporto improntato all’aggressività. Lo psichiatra non convincerà Campana ad uscire dal manicomio, ma risveglierà in lui frammenti di coscienza e di lucidità, intuendo, ma senza afferrare il segreto della “grande musica” inseguita dal poeta...

Interpretato magnificamente e con evidente trasporto da Bruno Zanin, anch'io come Carlo Pariani a lungo ho pensato che la malattia mentale di Campana non fosse reale, bensì una sorta di espediente per sottrarsi a un mondo che non gli piaceva e dal quale si sentiva persino perseguitato. Il manicomio a suo modo era un luogo protetto, il solo guscio dove poter esprimere liberamente pensieri ed azioni non conformi. Emblematiche sue battute su potere e fascismo durante la lettura del giornale che spesso gli portava Pariani. Certo, c'erano gli incubi, sogni ad occhi aperti, momenti in cui la mente si dissociava completamente dalla realtà, ma chi ne è del tutto esente? Se poi parliamo di un artista, categoria dalla quale un po' di pazzia te l'aspetti e alla quale giustifichiamo bizzarrie d'ogni sorta... Ad ogni modo, persino Pariani dovette diagnosticare, quasi suo malgrado, l'Ebefrenia per il povero Campana.

Il film vanta nomi illustri tra i suoi "lavoratori", che hanno inciso nell'altissima qualità complessiva.
Girato in 35mm, la fotografia è curata da Marcello Gatti (basti citare "La battaglia di Algeri", "Le quattro giornate di Napoli", "Anonimo Veneziano" dal suo curriculum) a colori tenui. C'è uno sfondo sostanziale di grigio che rende nel sottolineare le ambientazioni, così come le abbacinanti - a luce ampia o nel buio con fasci che tagliano le scene - apparizioni dei genitori a volte, dell'amata Sibilla Aleramo (Olga Karlatos, per chi scrive attrice bravissima e molto bella) in altre, nelle visioni di Campana. Il tutto però avviene senza alcun eccesso stilistico, sono sfumature che vanno percepite. Ho persino notato un aumento del colore nei momenti di euforia o collera del Campana, magari ottenuto semplicemente con particolari d'abbigliamento come una cravatta rossa, ma forse è solo una mia suggestione.

Nessun eccesso, ancora dettagli che chi vuole imparare a usare la macchina da presa dovrebbe cogliere, nelle inquadrature. Qua mi riferisco soprattutto al regista. Non saprei definirne la tecnica, ma il passaggio reale-onirico avviene sempre senza far provare allo spettatore uno stacco troppo netto. Realizza, Faccini, un continuum visivo che porta così a vivere la mente del Campana, proprio come per uno schizofrenico per il quale non è percettibile la sua doppia natura come tale. E' un aspetto di questa malattia che sottolineai già in occasione del bellissimo "Diario di una schizofrenica" (1968, Nelo Risi). Faccini gira questo film a ridosso dell'avvento della "Legge Basaglia" e anche se l'istituzione del manicomio in sé non è l'argomento principale non risparmia qualche piccola "stoccata". In fondo il ricovero di Campana nasce come coatto anche se poi il poeta non dà segnali, dopo 10 anni, di voler più uscire da lì. Diverse scene, anche in esterni, sono presentate come riprese da un occhio ospite, che guarda da dietro una delle grate a chiusura delle finestre. C'è ancora il senso di prigionia unito a quello d'intricata situazione nel riprendere i rami d'autunno spogliati, nel giardino recintato. Di forza drammatica e suggestiva le soggettive di Campana, sia adulto che bambino in momenti diversi, che guarda con fare accusatorio i genitori, in particolare una madre da lui terrorizzata.

Come dicevo, dietro a questo film c'è passione e competenza. Se la passione è una dote, la competenza richiede lavoro e studio. Sotto potete leggere le parole dello stesso Luigi Faccini, che ho deciso di riportare qua, non potrei mai spiegare meglio di lui quello che ha fatto. Io vi saluto dicendovi che per me questo regista è una meravigliosa scoperta. Quest'anno avevo detto che volevo approfondire il Cinema Italiano e per intanto farò una rassegna completa dei suoi film, senza interruzioni con altro. Li considero una scuola, e ho voglia di studiare.

Valutazione del film? Olimpo per me.
Ho sognato Campana, con le fattezze di Zanin ovviamente, per 2 notti a fila. Se si hanno determinate sensibilità è una storia, grazie soprattutto a come viene raccontata, che ha una lunga persistenza nel ricordo dello spettatore. Emoziona senza alcuna retorica e per questo il suo realismo colpisce e scuote.

Riconoscimenti:
In concorso al Festival di Locarno (1985)
Menzione Speciale della Giuria
Menzione Speciale della Giuria di Cinema e Gioventù

In concorso al Festival del Cinema Neorealistico di Avellino (1985)
Laceni d'oro a Bruno Zanin, Mattia Sbragia, Luigi Faccini e Marina Piperno

Nastro d'Argento per la fotografia a Marcello Gatti (1986)
Nastro d'Argento Speciale a Luigi Faccini (1986)

Robydick

ecco le parole di Faccini dalla pagina del sito dedicata al film:

È il 1972 quando apprendo dell’esistenza di Dino Campana. Della sua poesia, naturalmente. Sono ad Arezzo, immerso nell’esperienza basagliana che in quegli anni, preparandosi alla chiusura dei manicomi, tentava di aprirli alla società esterna: da luoghi di reclusione a luoghi di visita e frequenza, da luoghi morti a luoghi vivi. Ero lì, un po’ casualmente, come regista che avrebbe dovuto prelevare frammenti di quel tentativo per un ciclo di trasmissioni televisive dedicate alla “riforma sanitaria”. Mi ci appassionai, a tal punto che ad Arezzo dedicai un’intera puntata del programma. E ci tornai, per due anni di seguito, in una funzione del tutto inventata, quale animatore di quel vuoto, di quella stasi, di quel silenzio rotto da grida improvvise che era il manicomio, che è ancora dove non sono totalmente chiusi. Agostino Pirella, braccio destro di Basaglia e direttore di quell’Ospedale, mi consentì di vivere in mezzo ai degenti; guai chiamarli matti: matta era la società che li discriminava, in quanto strani, diversi, disturbati, poco produttivi. E molto era vero: quanti contadini erano stati confinati in manicomio da famiglie spazientite, che altro avevano da pensare? L’Ospedale Psichiatrico di Arezzo riuscì, infatti, a dimettere, e ricollocare in case-famiglia, nel corpo della città o nei suoi dintorni, decine e decine di persone. Li filmavo con una telecamerina Akai 1/4 di pollice, consentendo a gente reclusa da trent’anni di afferrare un microfono e dire (il più delle volte tacendo, tragicamente) qualche parola sensata o suono mozzo. Trascrivevo le registrazioni e partecipavo al rito di “apertura” del manicomio, quando vi affluivano parenti e amici che si incontravano con infermieri, medici e degenti, ripristinando percorsi di vita, cominciando, quindi, a distruggerlo, come luogo di segregazione definitiva. Drammatiche erano, spesso, le riflessioni post-assembleari, quando le contraddizioni emerse venivano analizzate in ogni loro implicazione e dinamica. Fu per me un’esperienza squassante, formativa come nessun’altra. Avevo poco più di trent’anni. L’età in cui Dino Campana, ridotto allo stremo delle sue capacità di resistenza nel mondo che lo circonda, un po’ getta la spugna, un po’ viene espulso da madre, padre e comunità di Marradi. Ma tutto questo non lo sapevo ancora. Perché Dino Campana, fino a quei giorni, per me non era che un nome nell’antologia poetica del Novecento... Una mattina, prima di immergermi nell’impegno quotidiano di “ascoltatore”, pesco in una libreria di Arezzo una copia dei Canti orfici, in edizione Oscar. Sfoglio. Leggo suoni. Ascolto colori. “Andavamo andavamo, le vele molli di caldi soffi...”, leggo. Io sono ligure, di Lerici, discendente di marinai, spesso morti per acqua furibonda. Ho una madre genovese, nata da migranti lericini. È un mancamento istantaneo che mi prende. E poi: «Usted quiere mate?». Qualcuno, nella pampa, si rivolge a Dino Campana e gli offre la bevanda nazionale argentina. Sono con lui, immediatamente, di notte, sotto un cielo chissà se stellato o nero come pece. «E per i vicoli che in alto sale... che bianca e tremula salì...». Ed eccomi a Genova. A casa di mia madre. Sui moli dove mio padre attraccò nella sua brevissima giovinezza, senza sapere quanto breve sarebbe stata. Il viale che porta al fabbricato tozzo, ma signorile, della direzione dell’Ospedale Psichiatrico di Arezzo, è fiancheggiato dai tigli. La brezza spiuma i fiori dal profumo caramelloso. Io leggo e viaggio con Dino. Mi ha portato con sé sulla Verna, dove voleva salire “come il falco”. Un degente, contadinello insieme stolto e furbesco, sta a cavalcioni di una panchina in pietra. Piega il collo per curiosare. Mi avvicino. Gli mostro la copertina del libro. «Sono poesie...», dico. «Vuoi sentire qualcosa?». Annuisce. «O siciliana proterva opulenta matrona...». E trascino ‘il matto’ nei vichi marini, nella notte mediterranea, nella devastazione, occhiuta. Tremo, leggendo. Batto il piede, cercando la cadenza erotica di quei versi. Smetto e guardo quella faccia pallida, dagli occhi spalancati, che sorride, come se mi prendesse in giro. «Ma questa non è poesia, è musica!», dice. Devo a quel ‘matto’ e a Dino Campana, abbandonati da chi non era stato capace di amarli, la fulminazione che mi ha portato a covare Inganni, ispirato al mio Campana e a tutti i matti che vado ancora cercando nella vita. Durò dodici anni l’attesa e la sceneggiatura fu scritta e riscritta un’infinità di volte. Moravia disse trattarsi di «un film campaniano». Mai complimento fu più gradito...

Glamour Dolls 6

2012-01-29T06:00:00.001+01:00

2011, Andrea Nobili.

“Glamour Dolls #6” di Andrea Nobili, nume titolare ma nu poco frocesco, del porno industriale Made in Italy odierno con la Pinko's, ha realizzato questo capolavoro in oggetto appena pochi mesi fa e distribuito proprio adesso a gennaio, dovendo sfruttare l'onda breve di “notorietà” dell'essere il terzo titolo hard a cui avrebbe partecipato con sue performance personali la nostra Nadia Macrì from Berlusconia's pool, e in questo lavorando per la prima volta anche di culo, come da lei stessa precedentemente dichiarato in un'intervista e nei siti riportanti frasi di lancio della produzione, strada che sempre secondo quest'intervista non aveva lasciato percorrere prima a nessuno, neanche nella vita “reale”.
Pinko's che ha “lanciato” alcune delle più famose pornostar italiche degli ultimi anni, come Vittoria Risi, e alla quale si è rivolta la stessa Macrì, pare affatto entusiasta dal suo non esaltante debutto sotto le luci dell'hard, con il precedentemente recensito “Bunga Bunga 3D” ('11) di D'Salvo [Salvo Di Liberto].
Il “comunicato stampa” di Andrea Nobili -leggo su un sito dedicato all'hard tricolore- si chiude con tali parole che vorrebbero essere “una dichiarazione d'intenti” che però non è vera, ve lo garantisco, se vedrete il film- “Una prestazione ad altissimo livello -ha commentato Nobili. Adesso sappiamo perchè è stata scelta da Mister Berlusconi. In scena la Macrì si è dimostrata una pantera, scatenata, assatanata, nata per fare il porno, fuoco e fiamme con gli attori, durante il ciak e anche dopo vi consiglio di non perdere il backstage, quando vedrete il DVD!”
Quando invece, e lo posso scoprire solo grazie al sempre utile La Voce del Ciarlatano tutto il sesso dalla A alla XXX, pare che “alle sue orecchie siano giunte voci di scintille sul set tra Nadia e un attore, con tanto di urla e schiaffi.”
Proprio dal sito della Pinko's la pubblicistica invece sostiene: “In “Bunga Bunga privato e pubbliche virtù” (il secondo del terzetto) la scatenata Nadia se la vedrà con lo stallone nero Big Willy e con Ian Scott, mentre in “Glamour Dolls #6” concederà a Mike Angelo, per la prima volta sul set, ma lei sostiene anche nella vita reale (Kaboooommm!), il suo splendido lato b. I calibri utilizzati sono tutti pezzi da novanta, come ormai tradizione nella cifra stilistica di Nobili” (iil quale mi sa tanto, aggiungerei io, che testa prima lui stesso).

Di tutto questo, cosa rimane? Quel che vi posso dire io e l'avevo già precisato, è che la Nadia è certamente migliorata validamente nell'importante arte del bocchino, eseguito adesso con la giusta freschezza, assieme ad una evidente e accogliente piacevolezza del cazzo e delle sborrate, almeno ben mimata, soprattutto (ma è la sua unica precedente esibizione pubblica, le altre le conosce “privatamente” solo il veterano nano hardista di Arcore) rispetto alla sua “fredda” performance con l'ex- tronista della De Filippi, il normodotato Fernando Vitale, e della quale vi illustrai dettagliatamente nella mia precedente recensione di “Bunga Bunga 3D”, e così come mi hanno riferito ha potuto anche mostrare anche dal vivo, con alcuni volenterosi astanti convenuti, in una recentissima serata Live Hard Show, al mitico Excelsior di Fucecchio. Esibizione alla quale però non ho potuto partecipare, senza quindi potere confermarvi in prima persona.
Oltre, si è rifatta la tette, -pur restando dalle proporzioni piuttosto naturali, certamente rimane una bella ragazza- e setacciato che setacciato il suddetto “Glamour Dolls #6”, (dalla durata di montaggio delle continue chiavate, di ben due ore e mezza!), la nostra eroina Macrì mantiene il suo sicuramente bel culo, intonso. Come ha detto un valido e preciso commentatore di superzeta.it , “per evitare di farsi sfrizionare il didietro ha dovuto fare gli straordinari con la bocca! 25 min. di scena e non c'è un momento di pausa manco per respirare, se non fosse per tenerselo buono per il prossimo film ad un certo punto lo avrebbe concesso solo per stanchezza.”
Comunque meglio l'esordiente Violetta Scott, italianissima romagnola lei sì una piccoletta molto maiala ed evidente auto-esaltata, più che corrispondente alle dichiarazioni pubblicistiche di Nobili, e alla quale piace sicuramente molto di più che alla Macrì, la cara vecchia cippa e le chiavate molto robuste così tipiche del raffinato ed elegante stile del Nobili. Completano il cast Asia De Ville, Coco Charnelle (!), Anita Cocco (!!),
Intanto, non sapendo proprio come arrivare ad una cartella di battute atte a recensire un tale imperdibile capolavoro, vera punta di diamante della nostra industria nazionale hardistica, di seguito troverete una illuminante e finanche commovente e struggente intervista (tratta dall'imperdibile sito Ipercaforum il forum degli ipercafoni e delle ipercafone 10° anniversario, e pubblicata il 9/11/2010) ad uno sventurato e sprovveduto ex galeotto indultato, ed ex-fidanzato della nostra “escort” di regime preferita, non potendo forse eccitarsi come ricci nell'atto dell'accoppiamento, alla gaudente visione della Macrì nelle succitate descritte esibizioni hardistiche, ri- pensandola mentre magari si fa inculare dal noto e stagionato vegliardo ex-crooner di crociere, si sa è risaputo, quanto possa essere eccitante masturbarsi sulle sventure di una povera, fresca, bella piccola fiammiferaia della sega. Per tutti gli adoratori praticanti di ogni lavoro a mano, questa è per voi:

DA «A»/ «solo io so come tornava certe notti. C'era chi la trattava come un animale»
«Nadia Macrì? Io la conoscevo bene»
L'ex della escort che imbarazza il governo racconta 9 mesi di vita in comune, tra rabbia e clienti eccellenti

«Come ho conosciuto Nadia Macrì? Come in un film giallo. Ero in centro, a Milano, saranno state le quattro del mattino. Tornavo a casa da una serata al The Club. L’ho vista che scappava, con le scarpe in mano, inseguita da tre ragazzi di colore. Ho inchiodato e lei è salita al volo. Era il febbraio 2008. Una volta in macchina racconta una storia strana. Dice che è inseguita da quelli che gli avevano rubato la borsa. Non aveva più nulla: soldi, telefonino, documenti, chiavi di casa. Ma si sono mai visti dei ladri che inseguono il derubato? Quella è stata la prima bugia di Nadia. La prima di tante». Ha ragione Marco, quando parla sembra di sentire la sceneggiatura di un film di Quentin Tarantino: ci sono le menzogne, le nottate nei night, i ricordi dolorosi, la rabbia di una donna che vorrebbe entrare nel salotto buono, e invece si ritrova sempre in camera da letto. E la droga? «Le avevano tolto la patente e sequestrato la sua Mercedes perché le avevano trovato un po’ di coca, ma non aveva il vizio. Nadia era drogata di soldi. Ne guadagnava tanti, li metteva da parte. Aveva anche clienti in Svizzera, gente ricca».
Nadia Macrì:

Il film di cui Nadia e Marco sono protagonisti dura nove mesi. Lui le fa da infermiere, autista, accompagnatore, amante. “Da pappone no. Lo giuro. Non le ho mai preso un soldo. Certo non pagavo per portarmela a letto, ma questo è normale, o no?».
Ha riflettuto molto prima di parlare: «La mia storia la racconto, e questo è il mio nome» dice mostrando la carta d’identità «però vorrei restare nell’anonimato perché ho avuto qualche problema con la giustizia, sono fuori grazie all’indulto e da allora sono pulito. Questa estate ho lavorato a Baia Sardinia: sono stato quattro mesi a fare il barista in un chiosco sulla spiaggia. Il mio sogno però era andare al Grande fratello. Nadia a Mediaset conosceva le persone giuste. Uno dei suoi clienti ogni sera conduce un programma famosissimo. Solo che con i miei precedenti non c’era stato modo di farmi entrare. Anche lei avrebbe voluto partecipare, era quasi sicura di farcela».
Ma quando si è accorto che faceva la escort?
«Dopo tre mesi. È stata lei a dirmelo. Forse qualcosa avevo intuito; anche i miei amici ogni tanto facevano qualche battuta, mi dicevano “stai attento, è troppo bella per te”. Io però non davo importanza a queste frasi, forse proprio perché una ragazza così bella non l’avevo mai avuta».
Le ha mai raccontato chi erano i suoi clienti?
«Volevo sapere il meno possibile, e lei stava attenta a non aprirsi. Però ogni tanto qualche nome lo faceva. Mi ricordo in particolare un calciatore, il conduttore Mediaset che le dicevo prima, e altri che avrei voglia di dimenticare: mi fa paura sapere troppo».
Di incontri con i politici le ha mai detto nulla?
«La mia storia con lei è finita nel novembre 2008, e di Berlusconi o Brunetta non mi ha mai parlato».
Era difficile starle accanto?
«Nadia era strana. Di solito era dolce, allegra, divertente. Però ogni tanto le montava la rabbia e diventava una furia. Una volta mi ha fatto paura e sono scappato da casa sua. Credo fosse piena di rancore, e di problemi. Le avevano tolto il figlio per maltrattamenti, anche se poi è stata assolta. Ho letto che ora vogliono riaprire il caso».
Le ha mai confidato di voler cambiare vita?
«Sì, in estate mi ha anche raggiunto a Cattolica, dove lavoravo, per provare a ricominciare. Però smettere di fare marchette è difficile. I soldi facili fanno gola. Una sera a Riccione è rimasta con venti euro in tasca. È uscita ed è tornata dopo un paio d’ore. Nel portafoglio aveva i suoi venti euro più altri mille in banconote di piccolo taglio. Mi raccontò che aveva rimorchiato un vivaista che l’aveva pagata con gli incassi della giornata».
Ma non trovava insopportabile che la sua donna si vendesse?
«Be’, ci siamo lasciati per questo. A volte sembrava innamorata, altre diventava gelida e mi diceva che non poteva permettersi una storia d’amore. Poi però tornava a cercarmi. Spesso mi ripeteva: “Voglio solo raggiungere certi obiettivi. Poi smetto. Tu mi aspetti?”. Il suo progetto era mettere da parte una cifra che le consentisse di campare di rendita».
Nadia era nauseata dal suo lavoro?
«Solo io so come tornava a casa certe notti: c’era chi la trattava come un animale. Ovvio che a volte avesse la nausea. Mi è capitato di sentirle dire: “Io li sputtano tutti. Fanno i moralisti ma si dovrebbero vergognare”. Però non accusava mai nessuno di preciso. Fino a quando non l’ho vista al telegiornale pensavo fossero solo sfoghi momentanei. Da quel momento mi hanno cominciato a cercare tutti quelli che ci avevano visto insieme. Non faccio che nascondermi».
Lei ha conosciuto la famiglia di Nadia?
«Sì. Il papà e la mamma sono separati. Ha anche una sorella, che è sposata e ha due bambini. È completamente diversa da lei: mora, tondetta. Mi disse che il padre era pregiudicato. Mi raccontò anche di essere stata sposata, ma non ho mai saputo il nome del marito: so solo che il figlio lo avevano affidato alla famiglia di lui».
Per tutta l’intervista, che abbiamo fatto a Bologna, Marco è stato combattuto. Da una parte avrebbe voluto vuotare il sacco. Per una volta non è in terza fila, ma ha il ruolo del co-protagonista nella notizia del mese. Però ha anche paura di danneggiare Nadia, una che fa venire in mente la definizione che Flaiano coniò per le squillo: “Brave ragazze di cattiva famiglia per cattivi ragazzi di buona famiglia”. Il suo racconto è frammentato. Non sa cosa può dire ma soprattutto è sicuro che molto è meglio tacerlo: c’è qualcosa in particolare che lo preoccupa. Gli sfuggono un paio di nomi, ma noi non li mettiamo nero su bianco, perché nulla cambierebbe in questa storia. Forse Marco vorrebbe sfruttare l’occasione per fare un po’ di soldi, ma non ne ha il coraggio, e in fondo nemmeno la voglia. Così, incapace di distinguere tra tra reality e realtà, alla fine ci chiede: «Secondo lei, ora che ha parlato, Nadia andrà in tv e farà un mucchio di soldi oppure si è cacciata in un mare di guai?»
Fonte: Corriere della Sera, Andrea Greco,
9 novembre 2010

La Macrì: - «Ad Arcore e in Sardegna ho incontrato tante ragazze giovani, penso minorenni». Parole di Nadia Macrì, ex escort di 28 anni che ha partecipato ad alcune feste del Premier ad Arcore e Villa Certosa, intervistata da Maria Latella su SKY Tg24. «Dopo la vicenda di Noemi ho pensato: allora ci sono ragazze minorenni», spiega. Ma aggiunge di non aver mai socializzato con le ragazze incontrate a Milano e in Sardegna: «Non si poteva parlare tra noi, dovevamo stare zitte».

«MI DISSE: "SONO IL SOGNO DEGLI ITALIANI"» - «Sono andata ad Arcore per 5mila euro - ha raccontato ancora -, ma con il Presidente mi sono confidata, speravo in un aiuto da parte sua. Forse ho sbagliato a presentarmi come una escort, avrei dovuto chiedere di fare la velina».
Nadia Macrì ha anche ripercorso l'approccio che l'ha portata a conoscere Berlusconi: «Ero a un semaforo e un giovane mi ha fermato chiedendomi se volevo seguirlo. Mi ha poi portato nello studio di Lele Mora dove c'erano altre ragazze, tutte straniere, russe e brasiliane. Da lì siamo state portate nello studio di Emilio Fede che, finito il tg, ci ha parlato una per una e ha fatto una selezione. Due sono state mandate via».
Quindi alcuni particolari sui festini: «Ad Arcore la prima volta era tutto bello, si mangiava bene, c'erano solo le ragazze, Fede e la segretaria del Presidente che ci ha chiesto i numeri di telefono. Era una ragazza giovane, bionda, alta, che lavora per la tv: sembrava lei ad organizzare tutto». «La selezione per me andò bene perchè mi chiamarono una seconda volta, mi contattò direttamente Berlusconi sul mio cellulare. Mi disse: "sono il sogno degli italiani, sono il presidente". Poi sono andata anche a Villa Certosa e lì, oltre alle ragazze, c'erano tanti imprenditori, avvocati, notai».

Napoleone Wilson

Seven (aka: Se7en)

2012-01-28T06:00:00.000+01:00

1995, David Fincher.

David Fincher dopo l’esordio con Alien3 meglio noto come Alien al cubo, dirige il suo film più inquietante, siamo dalle parti del Thriller, e fa subito centro, Seven che si allontana drasticamente dallo straordinario Il silenzio degli innocenti di Demme, prende per spunto un serial killer che uccide le sue vittime in base al vizio capitale che commette.

Protagonisti sono Brad Pitt, qui nella sua prima prova importante e Morgan Freeman, che grazie a questo film, diventa un icona per gli amanti del genere, e in seguito interpreterà altri poliziotti a caccia di Serial Killer, siamo dalle parti del film d’alta qualità, l’ambientazione piovosa ne accentua di più la drammaticità e l’inquietudine, come se i protagonisti si muovono in territori sconosciuti, che rasentano il pericolo, è un mondo perverso, che è strettamente legato con la trama, e soprattutto con la psicologia dell’assassino interpretato da uno straordinario Kevin Spacey, che a proposito quell’anno vincerà anche l’oscar per un altro ruolo Kaiser Soze nel capolavoro di Bryan Singer I soliti sospetti.

Le indagini sono da subito complesse, e cadavere dopo cadavere, i nostri detective devono ricostruire attraverso la struttura il profilo dell’assassino, che non è facile, perché non ha un solo modus operandi, lui opera attraverso il peccato che commettono le persone che uccide, come se fosse un predicatore, che vuole eliminare i vizi capitali, hanno di fronte un estremista che vuole ripulire il mondo da tutto questo marcio, e l’unico modo che conosce è eliminare coloro che commettono questi peccati, è logico che la sua mente è completamente delirante, Mills (Brad Pitt) e Somerset (Freeman), non hanno molto tempo per sbrogliare l’intricata matassa, che li vede testimoni di un brutale sterminio, in cui dovranno fare i conti anche attraverso la loro vita privata, c’è Mills, che vive con la sua giovane moglie, una ragazza che si sente come un estranea, in cerca di una guida, e c’è Somerset, il solitario, che ha dedicato la sua vita al lavoro, dimenticando da tempo il lato solare della vita, cercando sempre di trovare un qualcosa che cambi la sua vita in meglio, non si è mai incattivito, questo no, ma ha smesso di credere e forse anche di lottare, cercando sempre con criterio e razionalità di risolvere i casi, Mills, al contrario suo, è più istintivo, e vuole risolvere questo caso che gli si è presentato, nel migliore dei modi, è impulsivo, e agisce più col cuore che con il cervello data la giovane età.

Le cose si complicano quando la giovane moglie di Mills rimane incinta e parla con Somerset, lui le dice di scegliere la soluzione migliore, le racconta che una volta stava per diventare padre, e ha detto alla sua compagna, di interrompere la gravidanza, non aveva il coraggio di crescere suo figlio con tutto quello che vedeva in giro, ma dentro di se, è rimasto il rimpianto di non essere riuscito a diventare padre, le consiglia quindi di scegliere la decisione migliore, per se e per il bambino che porta in grembo, attenzione perché questo fatto sarà importantissimo nel finale.
Come risolveranno il caso? Dopo un ennesimo omicidio sarà proprio John Doe (Spacey) il killer, a presentarsi dai detective, disarmato, e pieno di sangue, mentre loro sono in un luogo pubblico, si fa semplicemente arrestare richiedendo esplicitamente i detective Mills e Somerset, che hanno seguito il suo caso per raccontare loro tutto quanto, sia gli omicidi, sia le vittime, tutto quanto, verso il cammino che lo porterà in una prigione, lui continua a parlare con Mills soprattutto che non smette mai di parlare e domandare, lo provoca pure, chiedendogli anche domande provocanti.
Ma il culmine è la scena finale, in cui sarà una lotta tra Mills e Doe, in un crescendo di tensione che tocca i massimi livelli storici lottando, tra l’ira, del detective, e la sua rabbia, e le parole di Doe riguardo alla sua ultima vittima che non vi dico altrimenti sarebbe spoilerare, attenzione al pacco che arriva da un furgoncino, beh non dico altro.

Un film straordinario, che forma insieme al capolavoro di Demme un altro tassello al thriller, senza dubbio è uno dei film più importanti degli anni novanta, tratto da una brillante sceneggiatura di Andrew Kevin Walker, ah fate attenzione ai titoli di testa e di coda mi raccomando, che descrive con precisione da manuale la mente deviata e malata di John Doe, che è rinchiusa dentro a dei quaderni che vengono ritrovati nel suo appartamento, la regia di Fincher dimostra di saper impastare il racconto e saper dirigere gli attori, e non è comune per un giovane regista ancora alle prime armi, Brad Pitt, diventerà in futuro l’attore feticcio di Fincher, menzione speciale va senza dubbio a due attori, a Morgan Freeman, che si dimostra un grande attore a cominciare da questo film, e Kevin Spacey, che diventerà l’attore più importante degli anni novanta, che con questo film diventa un icona.
Un film che può considerarsi un capolavoro del genere, dalla sceneggiatura originale, e dalla regia particolarmente attenta e brillante, e questo non è poco considerando che allora Fincher aveva nel suo curriculum spot, videoclip musicali, e la terza parte di Alien.

Arwen Lynch

Not Of This Earth

2012-01-27T06:00:00.000+01:00

1988, Jim Wynorsky.

Cosa c'è di meglio di un film nato per scommessa? Cioè Jim Wynorski scommette con Roger Corman che riuscirà a girare un film in dodici giorni, come fece ai tempi il maestro con il prototipo del 1957 con Beverly Garland ("Il Vampiro del Pianeta Rosso/Not of This Earth"). Morale della favola, Wynorski il film se lo gira in undici giorni e mezzo con un budget di 210.000 dollari. In più ci mette a starreggiare la divina ex-reginetta del porno Traci Lords, proprio lei, quella che per poco non fece implodere l'universo dell'Hard statunitense, perchè minorenne ai tempi del grande successo hardistico.

Wynorski è il mio preferito tra i registi "marginali" degli ultimi 20/30 anni. Uno che non si è mai nascosto dietro il paravento dell'autorialità a tutti i costi, un gran cazzaro con una passione spropositata per Russ Meyer e per Sam Peckinpah, uno che ha cominciato con e per Corman curando l'edizione americana de "L'Isola degli Uomini Pesce" (1979) di Sergio Martino, ribattezzato "Screamers" per l'occasione, con intro farlocco e trailer girato dallo stesso Wynorski , per poi passare direttamente alla realizzazione di lungometraggi in cui mostrare tette, sangue, combattimenti, omicidi e quant'altro richiesto dalla serie B di pura marca cormaniana. Insomma, uno che di cazzate se ne intende. Non fa eccezione questo"magnifico" parto interstellare con alieno/vampiro succhia sangue (il mitico, immarcescibilie Arthur Roberts, carriera sterminata tra "Agenzia Rockford", "Starsky&Hutch" financo "General Hospital" e i film di Wynorski, ancora attivo) che deve fare scorta di emoglobina per salvare il pianeta natale in estinzione(?); troverà sul suo cammino la arrapantissima infermierina Nadine Story, alias Nora Louise Kuzman alias Traci Elizabeth Lords alias Traci Lords, di bellezza incommensurabile, che ha ancora negli occhi quello sguardo duro, gelido, quasi incazzoso, che si vedeva pure nei porno, dove sembrava tutto fuorchè la pecorella smarrita e ingenua.

Girato tra due stanze e qualche location rubacchiata, con effetti speciali very cheap, voci fuori campo e quella sana cialtroneria che un film del genere automaticamente si porta dietro, "Not of This Earth" è puro junk-food cinematografico che gli appassionati e gli addetti ai lavori sapranno come prendere e, in qualche caso, anche amare, come il sottoscritto, che apprezza molto il lavoro di Wynorski, autore pure di "The Lost Empire" (1986) con Angela Aames, del mitico "Supermarket Horror/Chopping Mall" (1986) con Barbara Crampton e cameo di Dick Miller, e di altri, spericolati e assolutamente non richiesti seguiti che rispondono ai titolo di "Deathstalker 2", "Sorority House Massacre 2", financo un incredibile "Big Bad Mama 2" e quel "976 Evil 2", sequel del film di Robert Englund, che contiene una grande scena in cui "La Vita è Meravigliosa" di Capra si trasforma in "La Notte dei Morti Viventi" di Romero, unico, piacevole guizzo in una rottura di c...... senza pari, che riassume in pochi minuti l'essenza esploitativa di un regista che lavora solo per i soldi, legato ad una rappresentazione cartoonesca dell'horror e della violenza che colpisce (solo chi scrive, chiaro) più e meglio dei suoi colleghi Fred Olen Ray o Dave DeCoteau. Però, gran cazzaro e cialtrone rimane, tanto che il film, sopratutto all'inizio, è pieno di sequenze rubate dalla library della New World, da "Piranha" di Joe Dante fino ai cultuali "Il pianeta del Terrore/Galaxy of Terror" e "Monster-Humanoids From the Deep" e il celeberrimo "Hollywood Boulevard" (1976) di Dante e Allan Arkush.

Per il resto, bè, c'è Traci Lords, magnifica in divisa da infermiera, nell'ultimo ruolo in cui compare nuda o seminuda. Ancora bellissima, anzi di più, nel "Zach and Miri Make a Porno" (2008) di Kevin Smith. Per chi volesse approfondire, consiglio l'ottimo documentario "X-Rated Ambition: The Traci Lords Story" (2003) di Simon Kerslake. Nel ruolo della battona bionda a capo del trio che Roberts si porta a casa, c'è la Roxanne Kernohan di "Critters 2" mentre Rebecca Perle è doppiata nientedimeno che da Angel Tompkins, l'angelo biondo di "The Teacher" e "Little Cigars/La Gang dei Bassotti". Nel novembre del 2010 la Shout!Factory ha finalmente rilasciato un'ottima edizione in Dvd, Region 1, NTSC, New Anamorphic Widescreen Transfer 1.85:1, con commento audio del regista e pure la versione editata per il passaggio televisivo, collana Roger Corman's Cult Classic. Consigliatissimo, pure l'originale cormaniano, che dura poco più di un'ora. Vabbè, in dodici giorni che cazzo volevate?

Buona visione.

Belushi

Jodaeiye Nader az Simin - Una Separazione

2012-01-26T06:00:00.000+01:00

2009, Asghar Farhadi.

Robydick:
Oggi saluto l'avvento tra i nostri collaboratori dell'amico Marco Marchetti. Un grande acquisto, conosciuto già di persona. Ne sono molto contento. Scrive già su altri giornali/siti però di genere. Qua da noi "generalisti" avrà invece la massima libertà possibile. Gli lascio la parola.

Marco:
Una separazione, di Ashgar Farhadi, è una di quelle pellicole che, nonostante l'Orso d'oro berlinese, ti procurano parecchi grattacapi, e che quindi, da un punto di vista prettamente utilitaristico, sarebbe meglio non vedere o vedere di nascosto. Ti infili al cinema tutto intabarrato, occhiali da sole calati sul naso a dispetto del cattivo tempo, il giornale spalancato davanti alla faccia, e te ne stai lì impagliato come un fagiano fino a quando non si spengono le luci. Allora tiri un sospiro di sollievo, perché se nessuno ha fatto il tuo nome vuol dire che nessuno ti ha riconosciuto, e se anche qualcuno l'avesse fatto, poco importa: ciò significherebbe che c'è almeno un'altra persona vittima delle tue stesse inconfessabili pulsioni.

Una separazione è un film segreto, anzi, segretissimo, quasi di cui vergognarsi. Una pellicola clandestina, uscita in sordina a ottobre nei cinema più periferici, quelli d'essai (scusate il francesismo, è che gli insulti in francese paiono sempre più delicati), insomma in quei buchi dove si rifugiano soltanto i nerd e i misantropi con grossi problemi relazionali. Come il sottoscritto. Ma ti immagini uscire con una ragazza e confessarle che la stai portando a vedere un film iraniano? O peggio ancora, non dirle niente e fare come Travis Bickle (per me maestro di vita come Sai Baba per gli indù): scarrozzarla direttamente in sala assicurandole che quello è un film per famiglie come ce ne sono tanti?

Eppure Una separazione parla di famiglia, anzi di due famiglie, e pur non essendo un film per tutti tratta di situazioni quotidiane in cui tutti si possono trovare. C'è la famiglia di Nader e Simin, due coniugi della media borghesia che si stanno per separare, e che oltre ad accudire la figlia undicenne devono pensare al padre di lui, profondamente malato di Alzheimer. Poi c'è la famiglia di Razieh e Houjat, pure loro con una figlia, però molto più piccola, e anche per loro le cose non vanno bene: il marito beve, è irascibile, ha perso il lavoro ed è disoccupato da mesi. In più Razieh è incinta, e dal momento che le servono soldi va a fare la badante per il padre di Nader. Sì, perché da quando Simin se n'è andata di casa, Nader è fuori tutto il giorno e non c'è nessuno che si occupi dell'anziano. Il problema è che la donna è totalmente impreparata a svolgere quel tipo di attività, così abbandona il posto di lavoro per un impegno e lascia il vecchio legato al letto. Il quale, come da copione, casca a terra e, cadendogli la maschera d'ossigeno che gli impedisce di soffocare nel sonno, rischia di morire per asfissia. Nader interviene per tempo e, rendendosi conto dell'accaduto, attende che Razieh torni a casa. Tra i due scoppia un litigio furibondo, lui l'accusa di aver rubato del denaro e di aver attentato alla vita del padre, lei non vuole uscire di casa, si oppone alle accuse, la rabbia diventa incazzatura e alla fine lui la spinge fuori dall'abitazione fino a quando la donna non scivola per le scale e perde il bambino. Morale della storia, Nader è accusato di omicidio e rischia da uno a tre anni di carcere (il feto era al quarto mese e al quarto mese, per le leggi iraniane, procurare un aborto, anche colposo, è comunque considerato omicidio). Le due famiglie finiscono in tribunale, una accusata di violenza personale e omicidio, l'altra di furto, abbandono del posto di lavoro e maltrattamento di anziani. Entrambe rischiano grosso, entrambe hanno paura di perdere tutto. Entrambe sono disposte a lottare con unghie e denti pur di uscirne incolumi.

Il film di Asghar Farhadi, regista e sceneggiatore, è innanzitutto una riflessione sulla parola, sul Logos, per dirla coi greci, sul modo in cui ogni singola affermazione, se (de)contestualizzata, levigata o finanche leggermente (o involontariamente) alterata può provocare un imprevedibile effetto domino, in cui il primo tassello, sbattendo sul secondo e colpendo il terzo, finisce per rendere dubbia anche l'accusa più solida. Già, perché Una separazione non è soltanto un capolavoro di scrittura, che nelle sue due ore racchiude, sintetizza e per certi versi, seppure in modo dissimile, assorbe e annienta il soggetto polanskiano (quello del coevo Carnage, s'intende) ad opera di Yasmine Reza, francese ma, ironia della sorte, di padre iraniano; è piuttosto una sinfonia registica, che partendo da uno spaccato sociale di vita quotidiana dimentica presto qualsiasi pretesa di denuncia terzomondista per esplodere in uno psicodramma a tinte fosche. Sembra quasi di assistere a un grande noir, costruito attorno a un fatto di violenza domestica più che di cronaca nera, e dove ogni indizio, proprio come nella più raffinata tradizione di genere, racchiude in sé interpretazioni contrastanti e contraddittorie. Con l'unica e non trascurabile differenza che se nella struttura classica del giallo l'indagine giudiziaria tenta di appurare una verità in qualche modo apodittica, ove i colpevoli siano distinti con la maggior chiarezza possibile dagli innocenti, qui invece essa non sembra esistere, in quanto frutto di chi quella stessa verità la vede e la pondera, pirandellianamente, in modi diversi. Nader non sa (o dice di non sapere) che Razieh fosse incinta. Se l'avesse saputo non avrebbe alzato le mani, d'altronde, ma la figlia comincia a sospettare delle esitazioni del genitore, delle sue reticenze, mentre i testimoni, ritrattando e fornendo versioni discordi a seconda della situazione, vuoi per ragioni di amicizia o di buon vicinato, complicano il puzzle anziché semplificarne le circostanze. Le prospettive si fanno sempre più ambigue, le certezze si tingono di una sfumatura equivoca, tanto per i personaggi, che a dispetto della rispettiva convenienza e connivenza, non sono più sicuri di quanto accaduto, sia per lo spettatore, che se in principio parteggia per il ragionevole borghese Nader, in un secondo momento intuisce che forse l'arrogante Houjat, a dispetto dei modi irascibili e violenti, tutti i torti non ce li ha. Forse, appunto.

Alla fine di questo drammatico kammerspiel senza né vincitori né vinti (proprio come nell'onnipresente e imprescindibile Carnage), l'unica chiave di lettura valida si rivela essere la gravosa presenza del padre malato che, ammutolitosi dopo l'incidente, relegato a personaggio marginale eppure moralmente allegorico, ci ricorda costantemente del male che tutti noi, con inesorabile irreparabilità, siamo costretti per civiltà e natura a portarci dentro.

Marco Marchetti

Robydick:
Questo film, uscito recentemente anche se prodotto nel 2009, è ancora reperibile nelle sale. Come Marco, lo consiglio vivamente. Elenco anche i premi che ha ricevuto al Festival di Berlino 2011:

Orso d'Oro: Miglior Film
Orso d’Argento: Migliore Interpretazione Femminile
Orso d’Argento: Migliore Interpretazione Maschile, Ecumenical Jury Prize, Peace Award College

Mi pare sia candidato anche agli oscar come Miglior film straniero.

Goodbye & Amen (aka: L'Uomo della CIA)

2012-01-25T06:30:00.000+01:00

1977, Damiano Damiani.

“Goodbye & Amen – L'Uomo della CIA” è per alcuni addirittura il migliore film che Damiano Damiani abbia mai realizzato, certamente, e ve lo posso confermare grazie al dvd pubblicato da quei ragazzacci della CineKult/Nocturno a dicembre, che rivedendolo non ho potuto che confermare nei confronti di questa pellicola d'assedio e di spionaggio, tutte le impressioni favorevoli che mi aveva sempre suscitato, fino alla mia ultima visione di circa 18 anni fa, nella vecchia videocassetta pubblicata dalla Domovideo.

Appena questa nuova edizione in digitale è finalmente uscita, come si suol dire oggi da voi giovani appassionati, ho inviato la mia fedele segretaria alla Ricordi in Via del Corso a prendermi questo dvd. Purtroppo, l'edizione è derivata dalla medesima precedente edizione in vhs, non è certamente la videocassetta riversata, ma la qualità è ugualmente molto bassa. I colori sono spenti e quasi completamente svaniti, l'immagine è nebulosa e granulosa, senza dettagli oltre che contrasto, ma come ho poi letto dal simpatico Pulici sulla rivista di quei giovani divertenti ragazzacci, tra un'immagine di attrici nude e l'altra che il mio capo di gabinetto sempre mi fa sparire, era l'unica edizione possibile del film, l'unica in dvd del mondo quindi si è deciso comunque per la pubblicazione, dato anche l'alto valore intrinseco dell'opera, essendo il master originale andato perso molti anni fa in un allagamento.

Tornando al film, è veramente uno dei film italiani con impianto da thriller politico e di denuncia all'”americana”, sulle magagne della CIA di quegli anni, del tipo de “I Tre giorni del Condor” (Tree Days of the Condor) ('75) di Sidney Pollack, tanto per intenderci, tra i migliori se non il migliore, mai realizzato in Italia. E questo è vero. Assolutamente riuscita è anche l'ambientazione concentrazionaria e da “assedio” in una stanza dell'allora super-moderno Hotel Cavalieri Hilton di Roma. La stanza nella quale si barrica con una coppia di ostaggi dopo avere già sparato e ucciso a caso (una delle vittime è il bravo attore di teatro Francesco Carnelutti, il quale ritornerà poi in altri film di Damiani) con un fucile telescopico, un inizialmente e apparentemente squilibrato e sociopatico cecchino, interpretato da John Steiner a detta di tutti in una delle migliori interpretazioni della sua lunga e bella carriera in tutti i generi e filoni del cinema italiano degli anni '70. La sconveniente coppia è composta da Claudia Cardinale, moglie fedifraga di un ricco industriale, e il di lei giovane amante, un aitante biondo attore impegnato l'indomani nella lavorazione di un film, impersonato da Gianrico Tondinelli.

Tony Musante interpreta con molto convincimento e intensità il locale capo sezione della CIA a Roma. John Dannay, dopo l'inizio nel quale in una società di copertura si cela un distaccamento della CIA, i cui agenti si stanno riunendo sotto la direzione e l'organizzazione di Musante, per pianificare con alcuni ministri e alti ufficiali africani, un golpe nel loro stato, vicenda che poi andrà a convergere intelligentemente e inestricabilmente con quella precedente, grazie ad una sceneggiatura veramente intelligente e fortemente convincente, firmata da Damiani con il fidato e sempre incisivo Nicola Badalucco.
Bellissimo e giustamente meritevole di essere ricordato l'imprevedibile e sapiente, ma anche spettacolare, trascinante finale con i caschi integrali e gli impermeabili di plastica neri, sottolineato come tutto il film dalla splendida colonna sonora di Guido e Maurizio De Angelis, una delle loro partiture più celebri, e celebrate, soprattutto dagli appassionati negli Stati Uniti.

Sceneggiatura del film così ben congegnata che fa sì che esso sia anche superiore al libro da cui venne tratto, ovvero “Sulla pelle di lui” di Francis Clifford, pubblicato nella collana Segretissimo, della quale da alcune miei interviste qualcuno saprà, sono sempre stato un fedele e accanito lettore.
Molto buono, ben scelto e assortito, il cast: Renzo Palmer come vice di Musante, sempre piacevole e bravo, e addirittura il grande e dalla lunghissima carriera nel cinema classico americano John Forsythe, ahimè in seguito conosciuto soprattutto per il suo ruolo da protagonista in “Dinasty”, qui nel suo unico film italiano, nel ruolo per lui perfetto di un onesto e integerrimo ambasciatore americano. Forsythe avrebbe offerto un'altra grande interpretazione quattro anni dopo in “...E giustizia per tutti!” (...And justice for all) ('81) di Alan J. Pakula, con Al Pacino nel ruolo di cattivo del perverso e laido stupratore Giudice Fleming.

Steiner è sempre stato giudicato il migliore in assoluto della compagnia ed è vero, mentre oltre che della ottima sceneggiatura di cui ho già detto, non si può non elogiare anche la validissima, incisiva, tecnicamente eccellente regia di Damiani, che riesce a costruire con competenza e alla perfezione un meccanismo di tensione e di suspance per l'intero film, e in particolare per l'elaboratissimo, raffinatissimo, geniale piano di fuga notturno dal grandissimo hotel assediato dalla polizia, di John Steiner/Donald Grayson.
Molto validi e non da poco sono anche tutti i dialoghi, in particolare quello finale tra un disgustato e disilluso ambasciatore e Musante/Dannay macerato dalla coscienza, pur se in tutta la sua azione nel film contrassegnato da un cinismo e una perfidia di necessità, e soprattutto nei confronti del suo amico Harry Lambert, interpretato dall'allora sempre interessante Wolfango Soldati (nipote di Mario Soldati e importante attore del cinema di genere italiano, soprattutto con Enzo G. Castellari, e del quale nel dvd è contenuta una lunga e odierna intervista sul film) e anche sempre nel finale con il commissario/Ispettore Moreno interpretato da Fabrizio Jovine nel ruolo forse più importante e convincente della sua carriera, al di fuori dei film da lui interpretati con Lucio Fulci.

Il film vorrebbe essere anche un duro e tesissimo atto d'accusa sulle operazioni illegali compiute dalla CIA nei paesi esteri, che siano in un paese africano come qui in Italia, in questo pienamente in sintonia con il clima di quegli anni pochi mesi prima, alla sua uscita cinematografica, dal compimento con l' ”Operazione Fritz” di Via Fani, di una delle più grandi operazioni di questo genere effettuate in Italia, ai danni del povero nostro amato e amico Presidente Aldo Moro.

In una scena Anna Zinnemann guarda in tv lo splendido “L'Istruttoria è chiusa: dimentichi” ('73) dello stesso Damiani.

Nel film vi è anche in un piccolo ruolo di agente pedinatore per conto di Musante, e non accreditato, un giovane Alessandro Haber.

L'Andreottiano

The Punisher - Il Vendicatore

2012-01-25T06:00:00.000+01:00

1989, Mark Goldblatt.

Nancy Everhard/Sam Leary :- “Quanto tempo pensi che qualcuno possa vivere dopo avergli strappato il cuore?”
Dolph Lundgren/Frank Castle :- “Un lungo ... tempo.”

Dolph Lundgren/The Punisher :- “Ho da punire i colpevoli!”
Barry Otto/Shake[speare]:- “E come risultato devono soffrire gli innocenti?”

The Punisher :- “Ho ancora da parlare con Dio qualche volta, gli chiedo se quello che sto facendo è giusto o sbagliato, sto ancora aspettando una sua risposta, e fino a che non ne otterrò una, sarò in attesa, ben guardando, che IL COLPEVOLE DEBBA ESSERE PUNITO!”

Louis Gossett Jr./Jake Berkowitz :- “Come cazzo si possono definire 125 omicidi in 5 anni?”
The Punisher :- “Lavori in corso.”

Jeroen Krabbé/Gianni Franco :- “C'è un limite alla vendetta, lo sai.”
The Punisher :- “Credo solo di non avere ancora raggiunto il mio.”

Frank Castle :- “Se sei colpevole, sei morto.”

[Il Punitore viene torturato]
Kim Miyori/Lady Tanaka :- “Chi ti ha mandato?”
The Punisher :- “Batman.”

[Il Punitore è in procinto di essere torturati]
Lady Tanaka :- “Sai quanto dolore possono comprare 10'000 $?”
The Punisher :- “A questa domanda si può scegliere vero, falso,o a risposta multipla?”

Shake[speare]:- “Mio Dio l'uomo non può vedere? Questo è il risultato della tua quinquennale follia omicida! Hai indebolito i boss a tal punto che non possono più proteggere le proprie famiglie!”

Gianni Franco :- “Dì qualcosa.”
The Punisher:- “Vaffanculo.”

The Punisher:- “Andiamo Dio, rispondimi. Da anni mi sto chiedendo perché, perché sono morti così tanti innocenti mentre i colpevoli sono ancora vivi? Dove è la giustizia? Dov'è la punizione? Oppure mi hai già risposto, hai già detto al mondo che la giustizia è qui, ecco la punizione, qui, in me.”

Lady Tanaka :- “Voi americani avete una grande delle grandi capacità per violenza, ma è selvaggia, è sfocata. Imparerete.”

Lady Tanaka .- [rispondendo alla domanda: "Chi cazzo ti credi di essere?"] “Siamo Yakuza. Quando i vostri antenati erano ancora pastori che portavano le pecore a pascolare sulla costa mediterranea, i nostri erano i signori del crimine dell'Asia.”

Lady Tanaka :-” Era una domanda molto costoso quella che vi ho posto qui l'altra sera. Molti dei nostri più fidati erano persone che lavoravano per voi, ma ci è costato quasi $ 2 milioni per farli uscire di prigione .”

Sam Leary :- [come lei e Berkowitz si aggirano per le fogne per tana del Punisher] “... Allora come mai non hai mai rinunciato a Frank Castle, come hanno fatto tutti gli altri?”
Jake Berkowitz :- “Perché so cosa vuol dire essere abbandonato.”

The Punisher :- “Tu sei un bravo ragazzo, Tommy. Crescerai fino ad essere un uomo buono. Perché se non sara così...Mi incontrerai di nuovo.”

Gianni Franco :- “Quanto grave?”
Todd Boyce/Terrone (!) :- “Quanto è grave?”

Lady Tanaka :- “Ho un appuntamento e vi lascio nelle mani di Tomino. Egli non mancherà di tenervi in vita più a lungo di quanto possiate resistere. Arrivederci.”
[Lady Tanaka si gira e inizia ad allontanarsi]
The Punisher :- “Ehi!”
[Torna indietro]
The Punisher :- “Io vi farò fuori tutti.”

91 persone vengono uccise singolarmente sullo schermo in questo film, non compresi quelli che muoiono in massa nelle esplosioni, ecc

Era originariamente vietato in Sud Africa e poi fatto uscire direttamente in video, due anni dopo la sua uscita.

Dolph Lundgren ha fatto egli stesso la maggior parte delle sue proprie prodezze.

Questa prima, sfortunata trasposizione cinematografica del grande The Punisher/Frank Castle presenta un interessante punto di incontro tra il "super eroe" e "un uomo solo contro il mondo", cioè quel tipo di film che è venuto alla ribalta nei primi anni '70. Diversamente dalla maggior parte degli eroi di fumetti, il personaggio era originariamente presentato come un “cattivo”, il quale a differenza di Spider-Man combatteva i cattivi con la caratteristica di essere enormemente brutale e feroce egli stesso, oltre che strafottersene di tutta la leggerezza di questo mondo. Questo primo film del Punisher, addirittura in molti paesi intitolato come in Italia, “il Vendicatore”, è virato verso la maniera di fare violenti film d'azione e di vendetta degli anni '80, tra il voler essere un “film a fumetti" nel senso più goffo del termine, e un regolare "film d'azione", nel senso più trucido della parola. Questo primo film del Punisher venne realizzato dal grande montatore Mark Goldblatt nel lontano 1989, uscendo nelle sale senza fortuna (in Italia non arrivò, solo successivamente fu programmato da Raidue per “Sabato in giallo” o come cazzo si chiamava, e in prima serata[!]) forse perchè troppo presto o troppo tardi (appena un mese prima dell'uscita del celeberrimo “Batman” burtoniano) rappresentando un po' l'ultimo battito di coda di una certa concezione del cinema d'azione “alto” del decennio precedente che sta molto a cuore credo a tanti di noi. Mentre al contempo, si è trovato troppo in anticipo rispetto ai film tratti dai fumetti della Marvel che oggi fanno incassi comunque e sempre importanti, Questa trasposizione con Dolph Lundgren si mantenne di più nel versante puramente “action”. Un film d'azione puramente e piacevolissimamente B-Movie come e più dei contemporanei “Furia cieca” ('89) di Philip Noyce, o “Die Hard -Trappola di cristallo” ('89) di John McTiernan, in realtà un vero “Guilty pleasure” del divertimento. Inoltre, Dolph Lundgren è abbastanza credibile pur con i capelli tinti di nero per esigenze di impersonificazione di Frank Castle, nei panni di un uomo in grado di battersi da solo come un'intero esercito.

La nostra storia inizia con una esposizione sotto forma di notiziari nei quali si sente che Frank Castle è tornato, come fosse direttamente il “Ritorno del Cavaliere oscuro” Benvenuti a tutti. Ci viene detto che Frank Castle è stato creduto morto negli ultimi cinque anni, poi la seconda storia è per ricordare ai cittadini che... da qualche parte (il personaggio e la trama sono ambientati a New York, ma questo è stato girato in Australia e nulla sembra ancora solo vagamente come New York. Intanto, ben 150 mafiosi sono stati uccisi negli ultimi cinque anni . Mentre questo è un modo piuttosto spiccio per proiettare velocemente gli spettatori al centro della storia soprattutto dato che il testo lentamente ma era stato perfezionato, è anche abbastanza ben fatto per lanciarci direttamente negli avvenimenti successivi. Zoppa come sono il 99,9% delle origini delle storie super-eroi, in quella del Punitore è particolarmente evidente fin dall'inizio come la sua famiglia che venne uccisa, è stata soprattutto uno stratagemma per i narratori affinchè lui uccidesse centinaia di mafiosi, per cui complimenti a questo film per non essersi neppure preoccupato di darci 30 minuti di un Dolph Lundgren rattristito e dai capelli tinti. In ogni caso, questo porta subito dopo all'intervista di un mafioso,Dino Moretti interpretato da Bryan Marshall, il quale mette in dubbio l'esistenza del Punitore. Ancora una volta, a questo punto ha già ucciso più di 150 mafiosi..

Questo brutale film di vendetta presenta un alquanto singolare stratagemma del Punisher per attirare e far uscire allo scoperto, l'informatore ubriacone a suo amico Shake[speare], interpretato da Barry Otto. Un modellino di camion radiocomandato che trasporta una bottiglia di whisky. Sì, davvero.

Siamo arrivati quasi immediatamente ad ottenere un bel pezzo di azione quando il mafioso va a casa sua e gli scagnozzi della villona vengono uccisi uno dopo l'altro, senza mai mostrare in faccia il Punitore, dobbiamo solo vedere il suo braccio appendere un sicario per il collo e un suo calcio che ne scaraventa un altro giù da un balcone, mentre la villa viene fatta a pezzi dagli scambi di colpi di mitragliatrice. Uccide il capo mafioso, e questo già sembrerebbe come la conclusione di un film molto duro, ma non siamo neanche a dieci minuti! La vera storia, si scopre, segue una donna boss della Yakuza, interpretata efficacemente da Kim Miyori, che si muove per prendere il controllo del crimine organizzto della____ città, sfruttando il vuoto di potere creato dalle azioni del Punisher il quale uccidendo oltre un centinaio di mafiosi ha decimato le “famiglie” dell'Organizzazione. In un primo momento, il Punisher sembra lasciare freddamente l'iniziativa alla Yakuza che sta uccidendo più mafiosi per lui, dimostrando che non ha davvero pensato questa cosa come un “punizione” attraverso la sua opera. Tuttavia, quando il Punitore scopre che la spietatissima, disumana boss della Yakuza ha rapito gli innocenti bambini figli dei mafiosi, decide di fare spazio nella sua fitta agenda di vendicatore, alla liberazione di tutti i ragazzini incolumi.

Belle sequenze ben girate da Mark Goldblatt, del Punisher che guida la moto nei cunicoli sotterranei che portano alle fogne della città.

Alla fine della visione, “The Punisher” è un bel B-movie divertente di vendetta della fine degli anni '80/primi anni '90, quando la paura del tutto irrazionale che il Giappone prendesse tutti i migliori posti di lavoro e le imprese degli Stati Uniti, anche grazie all'apporto della mafia, era molto presente in alcuni film del periodo. Nessuno avrebbe immaginato che sarebbero poi invece stati i russi (tra l'altro nei tempi odierni veramente un popolodi m. , non di certo come i giapponesi) a prendersi tutti quei posti di lavoro dopo la caduta del muro di Berlino. Si tratta di una motivazione senza cervello tipica dei film d'azione e di vendetta di quegli anni, mentre le reali ragioni per le quali il Punisher si lascia far coinvolgere iniziano ad essere abbastanza fragili, almeno fino a quando la sua ex-partner viene anch'essa coinvolta, e si hanno un paio di sotto-trame che, letteralmente, vanno da ben poche parti, probabilmente a seguito di nuovi sviluppi nel mondo finanziario e geo-strategico del periodo, e dell'immagine che ne avevano gli americani al tempo...No, scherzo. “Il Vendicatore”, secondo il ridicolo titolo italiano, ha anche la lunghezza del perfettp B-movie finisce bruscamente alla boa degli 89 minuti (la versione theatrical). Ma per tutta la sua durata, è innegabilmente molto piacevole e distraente. C'è qualche buona battuta e dialogo (anche scritte dallo stesso Lundgren, che vi rimise completamente mano), le scene d'azione sono ben messe insieme e ben realizzate, il montaggio è ovviamente ottimo tratattandosi di uno dei più grandi montatori in assoluto del cinema americano, soprattutto d'azione e anche mainstream, e la trama dietro tutto ciò è solida e dinamica. Vorrei che i cattivi fossero stati caratterizzati in maniera migliore, ma anche si Lady Yakuza è abbastanza generica, il personaggio che ne ottiene Kim Miyori però si ricorda, oltre che un paio di mafiosi direttamente interpretati da Bryan Marshall (Dino Moretti), ma soprattutto da Jeroen Krabbé (Gianni Franco), il quale con la sua sola presenza nei film americani di quel periodo, valeva ampiamente la visione. Dolph fa un buon lavoro nei panni non semplici di Frank Castle, è spaventoso e come sempre i suoi personaggi, non parla molto, che è già davvero tutto il necessario per il traumatizzato e sociopatico personaggio di giustiziere del Punisher . Louis Gossett Jr. interpreta il poliziotto che era il vecchio partner di Castle, e come sempre trattandosi di lui, offre un'interpretazione solida anche di una parte davvero debole.

Il Punisher cerca anche di essere rassicurante e pedagogo.

Il film è stato conosciuto per essere particolarmente terribile nella comunità dei fumettari, probabilmente perché non è veramente un film fumettistico. Punisher in questo film non usa molto in termini di armi, facendo affidamento sulle arti marziali e il combattimento corpo a corpo più brutale, per le più sequenze estese, e più in particolare, non ha una maglietta nera con il teschio bianco dentato che è per il Punisher come la S sul petto per Superman. Lui non ha nemmeno una maglietta con il famoso teschio. Noi non vediamo mostrato un singolo segno di quelli che sono caratteristici del personaggio del Punisher... così come Garth Ennis avrebbe rivitalizzato e ricreato nel 2001. Non include neppure quei riferimenti anche inutili che solo i nerd dei fumetti avrebbero voluto ottenere dal film.

Si tratta di una diversificazione quindi abbastanza divertente e ottenuta con una sceneggiatura sorprendentemente decente e superiore alla media di quelle poi realizzate, così come il regista Goldblatt ha continuato a essere un montatore di grande successo e lo sceneggiatore Boaz Yakin ha scritto e diretto grandi progetti per la Disney, tra cui”Il Sapore della vittoria” e “Prince of Persia”. Onestamente questa prima versione cinematografica mi piace (come del resto e molto, anche le due successive, quella del bravo Jonathan Hensleigh del 2004, e soprattutto, la più bella e riuscita, quella di Lexi Alexander del 2008, “Punisher: War Zone”) probabilmente solo perché sono completamente stanco delle storie cinematografiche che traggono origine a iosa dai fumetti, di oggi.

Citazioni memorabili:

Jeroen Krabbé/Gianni Franco:- “C'è un limite alla vendetta, lo sai.”
Dolph Lundgren/The Punisher:- “Credo solo che non ho ancora raggiunto il mio.”

Kim Miyori/Lady Tanaka :- “Voi americani avete una grande capacità per la violenza, ma è selvaggia, è sfocata. Imparerete.”

The Punisher:- “Tu sei un bravo ragazzo, Tommy. Crescerai fino ad essere un uomo buono. Perché se non sara così ... Mi incontrerai di nuovo.”

Valutazione body count: 150 omicidi su un massimo di 300.

La VHS tedesca omette alcuni dei sanguinosi impatt dei proiettili. L'uccisione dell'esercito di Samurai nella torre Yakuza è stato completamente rimosso. Li vediamo solo stesi a terra.

C'è una “Workprint” completamente “Uncut” del film che comprende oltre 15 minuti di filmato in cui si sviluppa una ulteriore trama del personaggio di Frank Castle. Queste scene sono state tagliate nel montaggio finale, e le sequenze di questo filmato sono state in seguito incluse nel montaggio della morte della famiglia di Frank Castle nel film. Questa workprint è stato pubblicata come bonus nella Special Edition 2 Disc pubblicara nel 2006 dalla XT-Video (Austria).

La versione R2 pubblicata in Germania (dalla Starlight Film - Ungeschnitten) è tagliata di un secondo. Manca un primo piano della testa della baby-sitter (la faccia) e il suo successivo scivolamento verso il basso, dopo essere stato colpita (1 sec). E' stato anche rilasciato un rating inferiore rispetto al divieto ai minori di 16 anni dalla FSK (l'ente di censura tedesco) grazie a un taglio di circa 5 minuti di violenza.

Le versioni cinema UK cinematografiche e video sono stati ridotte di 1 min e 21 sec. con le modifiche alle scene di violenza, tra cui dei colpi e delle ferite da coltello insanguinato, accoltellamenti alla gola, lo strappo di un orecchio, una rottura del collo, una mano tagliata, e un colpo di pistola in bocca a un uomo.

La versione video finlandese è tagliata di 11 minuti.

Il DVD uscito R1 in Usa (Artisan), R0 in Corea (New World International) contiene la "R-Rated Theatrical Cut”, i cui tagli sono:

La mano di un marinaio tagliata sullo yacht (1 sec.).
Il primo colpo in testa della baby-sitter (in faccia) e il suo corpo che scivola, dopo essere stato colpito (2 secondi).
La guardia del corpo del gangster che viene colpita seduta in un ristorante, un sacco di sangue (4 secondi).
Mr. Franco che spara ad una guardia a palazzo Tanaka, piano ravvicinato del colpo in testa (1 sec).
Il Punitore che prende a calci una guardia nella stanza rossa,(1 sec).

Tutte le sequenze di combattimento sono state improvvisate dagli attori per dare ai combattimenti un senso di realismo.

The Punisher non usa mai la stessa arma due volte. Egli inoltre se le lascia alle spalle una volta scariche, senza alcun motivo.

Dolph Lundgren ha scritto i monologhi del Punitore, all'inizio e alla fine.

Le auto della polizia sono Valiants australiane convertite alla guida a sinistra. Ci sono 2 modelli che si vedono nel film, le VK CL del 1976 e 1977.

Nella sequenza d'apertura, sopra l'entrata di un cinema, è visibile il poster del film "Make Them Die Slowly", meglio conosciuto come “Cannibal Ferox” ('81) di Umberto Lenzi.

Il film è uscito nelle sale di tutto il mondo, tranne che negli Stati Uniti a causa del fallimento della New World Pictures, e in Svezia a causa della censura (ma sarebbe arrivato più tardi in video). E ha avuto una proiezione in 35 millimetri negli Stati Uniti l'8 luglio 1990 alla LA Comic Book e Science Fiction (in un triple feature con il pilot della serie di "The Flash" della CBS-TV e "The Guyver") e poi il 18 Ottobre 2008 presso il Festival del Cinema di Evasione , a Durham (NC), dove il regista Mark Goldblatt ha portato la sua propria copia a 35mm (così come Dolph Lundgren al Devo Break Fest il 18 Aprile 2009 presso il nuovo Beverly di Los Angeles).

Durante un flashback che Frank Castle ha sulla sua famiglia, le sue figlie indossano entrambe un pigiama di Spider-Man. Il regista Mark Goldblatt ha fatto questo per rendere omaggio a Spider-Man. La prima apparizione di The Punisher fu nel N° 129 di Amazing Spider-Man # 129, del febbraio 1974.

C'era una scena girata, ma tagliata dal film, che mostra Frank Castle, quando era ancora un poliziotto, arrestare il boss Dino Moretti (il mafioso che lui uccide all'inizio). Tuttavia, ci sono nel film ancora allusioni a questo avvenimento. Quando Sam Leary si presenta a Berkowitz, lei accenna al fatto che avevano lavorato insieme alla cattura di Moretti ("Sono stata l'infiltrata."). E sia il DVD che la versione in VHS del film hanno ancora una foto sulla copertina caratteristica di quella sequenza con Castle in camicia blu jeans e con due pistole, Berkowitz, e Leary (nel suo travestimento da prostituta).

La band Metal Thrash di New York dei Biohazard ha campionato di uno dei dialoghi di “The Punisher” inserendoli nell acanzone "Punisher" la parte campionata tratta dal film è il monologo di Dolph Lundgren : “Andiamo Dio, rispondimi. Da anni mi sto chiedendo perché, perché sono morti così tanti innocenti mentre i colpevoli sono ancora vivi? Dove è la giustizia? Dov'è la punizione? Oppure mi hai già risposto, hai già detto al mondo che la giustizia è qui, ecco la punizione, qui, in me.”

Visto che non aveva assolutamente alcun coinvolgimento con la creazione del personaggio del Punisher originale, questo è uno dei pochi film basati su un fumetto della Marvel nel quale Stan Lee non appaia in un cameo.

Questo film è considerato un "Ozploitation" (un film di genere australiano).

Il Produttore Robert Mark Kamen ha rivisto e riscritto la sceneggiatura originale di Boaz yakin per compiere alcune modifiche tra cui l'aggiunta di un prologo -alla “Letal Weapon”(Arma letale) ('87) di Richard Donner, il quale è stato anche girato, ma alla fine omesso in sala di montaggio, lasciando solo dei flashback, come nello script iniziale di Yakin.”

Napoleone Wilson

Dawn of the dead - Zombi

2012-01-24T06:00:00.000+01:00

1978, George Andrew Romero.

Cos'è un'opera definitiva? Quella che, appunto, definisce, pone le regole per un genere intero. Regole con cui sarà obbligato a confrontarsi chiunque voglia approcciare una determinata tipologia di film. E non solo le semplice regole di base, ma anche i topos, tutti quegli elementi destinati, in futuro, a tramutarsi in stereotipi.

In questo senso, non esiste pellicola più definitiva di Zombi (Dawn of The Dead). In misura anche maggiore rispetto al suo predecessore, quel La Notte dei Morti Viventi che cambiò per sempre la rappresentazione del ritornante al cinema, Zombi è a fondamento, a pilastro e a modello per tutto ciò che è arrivato dopo. Se qualche novità c'è stata, l'ha introdotta Romero stesso, insieme forse a O'Bannon, che comunque paga a Romero tutti i dovuti debiti. E no, lo zombi velocista non è una novità di rilievo, non a livello contenutistico, non a livello estetico, ché il far correre il morto vivente non è altro che un pietoso escamotage per veicolare lo spavento facile, attraverso il riflesso condizionato del balzo sulla sedia.

Questo per dire che dove è arrivato Romero, con questo film, il genere dell'apocalisse zombi si è fermato e non ha potuto fare altro se non copiare, o ispirarsi a. Nulla di male in questo. Ottimi film di zombi sono arrivati dopo Dawn of The Dead, ma tutti definiti dall'opera del 1978. L'originalità non è un valore in sé, non è un difetto essere derivativi, ma va comunque premiata, o almeno, ricordata. Ed è giusto ricordare che ogni cosa che siamo abituati a vedere quando assistiamo a un film di zombi, sta lì perché Romero l'ha pensata, scritta e girata nel 1978.

Se ne La Notte dei Morti Viventi l'apocalisse poteva ancora sembrare un evento circoscritto, e la minaccia sconfitta dopo la terribile nottata del titolo, in Zombi, ci viene raccontata la fine della civiltà come noi la intendiamo. A partire dal crollo dei mezzi di comunicazione (il film comincia in uno studio televisivo), fino ad arrivare all'abbandono e alla devastazione delle grandi città. Lo stadio dello sfascio del mondo è ancora quello iniziale, in cui predominano l'incredulità e il continuare, in maniera ottusa, a far finta che le cose non siano cambiate. Eppure, il processo è già irreversibile. E la sequenza che ci informa di come non sia più possibile tornare indietro è quella dell'irruzione nel palazzo dove si nasconde il gruppo di portoricani. La visione di quei cadaveri che si agitano come lombrichi, avvolti nei loro sudari, basta e avanza per farci capire che la società è morta e con lei qualsiasi forma di umana pietà, nonostante quello che si ostinano a raccontarci i partecipanti ai dibattiti televisivi e nonostante la battuta del prete, entrata di prepotenza nella storia del cinema: "quando i morti camminano, bisogna smettere di uccidere, signori, altrimenti si perde la guerra". E la guerra è persa in partenza, dato che di smettere di uccidere non se ne parla.

Se per molti registi di cinema dell'orrore il mezzo principale per atterrire lo spettatore è lo spavento (non la paura, che è cosa più sottile), Romero utilizza invece l'angoscia. Angoscia che corrode le speranze dei vivi e fuoriesce dai lamenti e dalle movenze meccaniche dei morti, che investe le luci colorate e la musichetta di sottofondo del centro commerciale, evidente anche nei tentativi di simulare una vita normale del manipolo sparuto di sopravvissuti, che proprio nel centro commerciale trova un momentaneo e illusorio rifugio. E ricordiamo che non saranno gli zombi la vera minaccia, destinata a infrangere le pareti di quel paradiso artificiale, ma un gruppo di vivi. Elemento che nel remake del 2004 non si è avuto il coraggio di riproporre, affidandosi al caos action della fuga a bordo dei furgoni, e ai simpatici cagnolini che stanno lì a rassicurare su come la fine del mondo non sia poi questa brutta cosa, basta avere buona compagnia. Invece Romero vuole lasciare lo spettatore da solo di fronte alla desolazione di un mondo che non è più, affidandosi ai volti e agli sguardi dei suoi quattro protagonisti, e molto poco ai dialoghi e alle spiegazioni.

Romero non è mai stato un virtuoso della macchina da presa. E' un narratore. Più che utilizzare inquadrature sofisticate o movimenti di macchina da slogamento di mascella, preferisce raccontare una storia e rimanere stretto sui personaggi, sulle loro motivazioni e sulle loro paure. Ma resta pur sempre un narratore per immagini e ognuna di queste immagini ha una sua precisa funzione, è messa lì a servizio della storia ed esiste solo per permettere al regista di farci comprendere ciò che sta accadendo e perché stia accadendo. La staticità di Zombi è solo apparente, come del resto la presunta mancanza di azione. Se Romero non perdesse tempo a costruire con metodo e amore il rapporto di amicizia che si instaura tra Peter e Roger, non sarebbe così straziante la scena in cui uno è costretto a uccidere l'altro, anche perché il tutto avviene senza strepiti o melodramma da operetta e, soprattutto, senza ripensamenti o dubbi morali un tanto al chilo. La pratica se sia giusto o sbagliato eliminare i nostri amici una volta trasformati in zombi è già stata archiviata nei minuti iniziali del film e il personaggio interpretato da un immenso Ken Foree è così disilluso, così sfiancato da quell'angoscia che resta attaccata a ogni fotogramma come una seconda pelle, che non ci serve vederlo disperarsi o piangere la morte dell'amico. Ci basta un colpo di pistola. Fuori campo, per giunta.

Anche l'ambientazione, il famoso centro commerciale su cui sono stati versati fiumi di inchiostro a dimostrazione della sua valenza metaforica, non necessita di spiegazioni o di trattati messi in bocca ai personaggi. Tornano qui perché questo posto era importante per loro. Punto. Le interpretazioni, i sottotesti (che pure ci sono, non va negato), i significati sociopolitici attribuiti, sono arrivati dopo. Ma Romero mette in scena, non giustifica. Romero fa cinema: un'operazione che può sembrare anche semplice e schematica, ma che nasconde un lavoro di asciuttezza e rigore impossibile da trovare in pellicole contemporanee. Ed è forse questa la maledizione che si porta dietro un'opera definitiva come Zombi, il destino di essere continuamente plagiata, copiata e riproposta senza essere compresa, ché quasi nessun film di zombi uscito dopo il 1978 è stato in grado di farci percepire la struggente nostalgia di un passato perduto per sempre, e l'ansia profonda per un futuro che non esisterà mai più, utilizzando solo quattro personaggi cristallizzati in un eterno e squallido presente.

Lucia

The Help

2012-01-23T06:30:00.000+01:00

2011, Tate Taylor.

Mi scuso per il poco tempo a disposizione, è che ci tengo in tempi brevi a segnalarlo. Quindi poca "recensione", questa è soprattutto una segnalazione e un consiglio ad andare al cinema a vederlo

Ricavato dal libro omonimo scritto da Kathryn Stockett, bestseller negli Stati Uniti uscito pure da noi come "L'aiuto", è la storia di come una cameriera di colore degli anni '60 è arrivata a scrivere un libro, che narra di come una donna bianca ha scritto un libro sulla condizione delle donne negre (questa la parola che si usava) a servizio nelle case dei bianchi ricchi. Dov'è ambientato? In quello che, tra tutti i buchi di culo più neri del razzismo era il più nero di tutti, parliamo della città di Jackson ovviamente. Si citano nella storia quello che avveniva nel resto d'America, era il periodo di J.F.Kennedy e di Martin Luther King...

Non so dire ora se il libro e quindi il film è perlomeno ispirato a una vicenda vera, comunque sia è bellissima a vedersi.
Skeeter, una splendida ragazza bianca (Emma Stone, troppo carina) fatica a trovare marito per i suoi modi liberi. Ha due lauree, lavora come giornalista, ha ambizioni di scrittrice, mal tollera e non comprende il razzismo... un outsider in quei luoghi dove il conformismo è sovrano, il razzismo pure al punto che lo stato del Mississipi promulga ancora leggi pazzesche in barba alla costituzione stessa degli Stati Uniti. Avrà una grande idea: pubblicare un libro sulla condizione delle donne di colore, intervistandole, donne che lavorano al servizio dei bianchi come cameriere, gli crescono i figli, donne maltrattate al lavoro e pure dai mariti a casa. Skeeter faticherà a trovare chi collabori con lei, anche perché rischiano tutti la galera secondo la legge che vieta persino questo! Alla fine troverà Aibileen (Viola Davis, bravissima), poi Minny (Octavia Spencer, vulcanica) che racconteranno le loro storie di malversazioni subite ma anche di piccole vendette. La stessa Skeeter troverà in casa sua una storia da raccontare. In seguito a un evento importante, tutta la comunità nera, clandestinamente per necessità, troverà il modo di contribuire. Ovvio che, con la pubblicazione del libro, si alzerà un gran polverone.

Mi spiace non poter dire altro, poi sul razzismo ce n'è da dire, su quello che era ancora solo 50anni fa. Poco male, ve lo lascio godere per intero.
Il film non ha propositi tragici. Un omicidio del Ku Klux Klan sfiorerà la vicenda, ma lo vedremo come "orrore fuori campo". Si sottolinea quella che può essere la forza di una minoranza maltrattata e di come riesce con coraggio e forza a risorgere. Niente di che dal punto di vista puramente "cinefilo", struttura della trama e sua esposizione molto classica che punta alla "sicura presa" e ci riesce. Va detto che la ricostruzione ambientale e dei costumi del tempo è di una cura ed eleganza encomiabili e priva di forzature. Si bada ai contenuti, a proporre un messaggio che può a mio parere essere ancora utile a tutti e non solo a quelli che erano ancora schiavi ai tempi. Tiene desta la memoria su argomenti che non vanno mai dimenticati, perché la mamma del razzista è sempre incinta, mai abbassare la guardia.

Bello. Ci sono anche momenti di commedia divertenti. Vale il prezzo del biglietto e fa uscire dal cine con un sorriso, un ricordo e un pensiero. Decisione dell'ultimo minuto quella di vederlo, sono arrivato al cine del mio paese e c'era una coda mostruosa! stupore che presto m'è passato: era la coda per "benvenuti al nord", ma vaff... però alla fine s'è riempita anche la sala (quella piccola, certo) per questo gioiellino, e questo è incoraggiante.

Robydick

Tre metri sopra il cielo

2012-01-23T06:00:00.000+01:00

2004, Luca Lucini.

Non importa se la storia di Baby e Step non mi coinvolge, se sembra uscita dal peggiore Harmony, lui con giacca alla Marlon Brando ribelle violento ma dal cuore d'oro e lei, ragazzina tutto pepe, ma ancora vergine con il sogno del principe azzurro.

Come diceva Marco Masini, tanto per citare sottocultura bassa: “T'innamorerai di un bastardo che ti dirà bugie”. Beh a dire il vero Step bugie non le dice, ma ha, dietro quel sorriso sornione da cattivo ragazzo, un segreto che si porta nel cuore e che ha a vedere con la mamma. Eh sì i figli so piezz'e core, siamo in Italia d'altronde, e la mamma insieme alla lasagna è la cosa che non si può toccare, lo diceva Claudio Villa, Edoardo Bennato, le pistolettate di Mario Merola contro la faccia di gran cagnaccio di Gigi D'Alessio.

Baby e Step come Mirco e Licia si scontrano e s'incontrano per innamorarsi sotto la visione piagnucolante di uno stuolo di ragazzine che questa storia l'hanno letta o ascoltata e ora vogliono riviverla al cinema sospirando dietro gli occhi di ghiaccio di uno Scamarcio pre impegno sociale, pre Prima linea, pre Banda della Magliana, pre Turco frocio, pre tutto. E' tutto finto e precotto, le peggiori banalità dietro l'angolo, l'idea da piccolo borghese di un universo dove i ricchi sono buoni e i coattoni bestie, simpatiche ma sempre bestie. Alla fine anche Step è come quei ragazzi finto alternativi che incontravi all'università vestiti di stracci e poi ti dicevano “Io per questi pantaloni sporchi di vomito ho speso 500 cento mila lire”. E tu in tasca davvero non avevi neppure i soldi per il caffè.

Ma vogliamo parlare della regia? Il film di Luca Lucini è girato con le chiappe e mi immagino che nell'impartire ordini agli attori scoreggiasse al posto di parlare. Montaggio che sì, salva un po' capre e cavoli, ma dannazione i pestaggi, gli inseguimenti, le scene d'azione sono da mettersi le mani nei capelli. Sì perché come ogni buon spettacolo popolare che si rispetti non basta lo zingaro a petto nudo, ma ci vogliono duelli a bagnare le mutandine di donne affamate di avventure, e quindi via di scene con moto che dovrebbero ricordare Gioventù bruciata e sembrano invece una parodia di Ezio Greggio. In più uno si dice, ma prendi un'attrice americana e perché la fai doppiare da una scimmia senza dizione?

Di questo film esiste un remake spagnolo che, udite udite udite, fa sempre schifo, ma è girato benissimo. A sto punto se siete in vena di masochismi cinematografici puntate su quello. E aggiungo la protagonista Maria Valverde vale più di questa borghesotta romana. Sarà il sangue caliente spagnolo, sarà che è la Melissa P del brutto film, ma madonna vorresti metterla a pecorina fottendotene di Step, di Harmony e di tutte ste stronzate mocciane che avranno la loro miserabile catarsi in Amore 14, manifesto di una pedofilia accettata da tutti.

Potrei finire dicendo che Scamarcio/Step ritorna in Ho voglia di te, ma stavolta non mi fregano. Ho chiuso con 3msc e tutto sto stronzo linguaggio da sms con tvb, k al posto di c e una fastidiosa di radio a commentare le vicende patetiche di personaggi insapori.

Keoma

Tinker Tailor Soldier Spy - La Talpa

2012-01-22T06:00:00.000+01:00

2011, Tomas Alfredson.

“Tinker Tailor Soldier Spy” (La Talpa), come da sempre è il titolo italiano del romanzo, è un film che per qualche ragione, mi sembra riuscire ad affondare un sacco dei film di spionaggio contemporanei improntati soprattutto ad una adrenalinica e ultra-cinetica azione: molti film del genere nella loro fretta di entrare nello spionaggio vero e proprio, fondamentalmente non riescono a creare personaggi e scenari come invece è riuscito questo film del regista svedese Tomas Alfredson del precedente horror vampirico di successo “Lasciami entrare”(Let Me In)('09).
Basato sul celeberrimo romanzo di John le Carré, il film preme alcuni tasti, nella sua particolare forma di narrazione con l'adottare una originale forma drammatica. Se avete letto il libro di Le Carré (che non ho più letto da decenni), non sarà forse così problematico capire chi è ogniuno dei personaggi e che cosa stia succedendo. Se invece lo si vede “al buio”, la trama puà risultare quanto mai confusa e frustrante.

Gary Oldman interpreta egregiamente George Smiley, un agente in pensione dell'intelligence britannica il quale viene riportato all'ovile per stanare un agente doppiogiochista che lavora per i sovietici. Si ritiene che il colpevole si annidi tra i quattro alti dirigenti che lavorano all'interno de"il Circus", interpretati da uno splendido cast di attori britannici e irlandesi notissimi e noti: il direttore delle operazioni Percy Alleline (Toby Jones), e gli alti funzionari Bill Haydon (Colin Firth), Roy Bland (Ciaran Hinds), e Toby Esterhase (David Dencik). Il titolo del film si riferisce al soprannomi dati agli uomini da "Controllo" (John Hurt), il capo del Circus. Con l'aiuto del braccio destro Peter Guillam (Benedict Cumberbatch), Smiley osserva e raccoglie informazioni, seguendo un sentiero che sembra essere sempre costante a intorcigliarsi su se stesso. Ma quando un agente in missione chiamato Ricki Tarr (il bravissimo e sempre più lanciato Tom Hardy) si fa avanti a fornire alcuni dettagli determinanti. il caso sembra pronto per essere vicino ad una possibile conclusione. Questa è una mia descrizione della trama notevolmente semplificata, per non dire altro.

“Tinker Tailor Soldier Spy” ha alcune qualità molto ammirevoli. Le interpretazioni sono forti su tutta la linea, con Gary Oldman, in particolare, che offre una prestazione veramente efficace. Mi piace il laconico, stanco modo in cui ci restituisce Smiley. C'è anche un bel lavoro d'immedesimzione mimetica, sia per quanto riguarda l'aspetto fisico che il tono generale della personalità di Smiley, veramente vibrante. Il regista Tomas Alfredson (“Lasciami entrare”, cit.) ha certamente fatto un film che si sente in tutta la sua classe.

Le mie riserve non derivano da nulla di ciò che è visibile sullo schermo, ma derivano dal modo in cui vengono presentate certe cose. Come tutti i membri del Circus e dei suoi agenti si incastrano e si intersecano, le reali motivazioni di ognuno vengono dissimulate. Il film inizia con una maldestra azione a Budapest (magistrale “sequenza madre” e d'azione del film di cui sarà protagonista il personaggio di Mark Strong, altro attore britannico bravissimo e sempre più lanciato), la quale finisce per lasciare molti cadaveri nella sua scia. Non sembrano chiari i motivi per cui l'azione è stata messa in scena, né a loro volta saranno chiare le ripercussioni che avranno origine da questo fallimento. Poi il racconto si trasferisce all'interno del Circus, dove Alleline e gli altri parlano e fanno strategie. Smiley invece si mette a scavare. Parla delle cose che sta cercando, utilizzando una terminologia spionistica, se mai lo fosse stata, definita. Ricki Tarr ci illustra dal nulla la sua storia con una donna russa che sostiene di avere informazioni importanti. Il film va spesso in flashback, che creano solo più confusione su ciò che sta succedendo e perché. Arrivati alla mezz'ora finale, seguire le sottotrame e i diversi interfogliati finali incomincia ad appesantire il film, rendendone un poco ardua la visione, soprattutto per l'impenetrabilità di certi dialoghi e situazioni. “Tinker Tailor Soldier Spy” non è certamente un brutto film (lo spiazzante, ironico, ma anche adattissimo e illuminante finale, su quelle che sono tutte le realtà e le dinamiche all'interno del “Circus”, colto utilizzando unicamente e per tutta la sua interezza una splendida versione di “La Mer” di Charles Trenet interpretata da Julio Iglesias -la colonna sonora è dell'”almodovariano” Alberto Iglesias- questo finale dicevo, è bellissimo e originale) ma è certamente assolutamente impenetrabile e di ben poca accessibilità.

In un'epoca in cui così tanti film hanno trame, intrighi e complotti da “rim-bambini”, si potrebbe pensare che non dovrei criticare un film come questo, sicuramente troppo intelligente e ambizioso nella sua narrazione. Questo è vero. Ma non posso esimermi dal segnalare che non vengono fornite informazioni sufficienti per poter seguire abbastanza la storia, a meno che non si abbia letto abbastanza a ridosso il famoso libro. Un film decisamente riuscito delle ultissime stagioni era estremamente complicato (“Inception” ['10] di Christopher Nolan), ma non ho avuto difficoltà a seguirlo perché era stato compiuto un buon lavoro nel fornire le informazioni di cui si aveva bisogno per essere coinvolti dagli avvenimenti e dalla storia. “TTSS” è davvero un film intelligente. E questo oggi è assolutamente ammirevole. Vi è, tuttavia, troppa fiducia negli autori che l'intricatissima trama del romanzo sarebbe riuscita più approcciabile con questo loro fedelissimo adattamento del libro. Parte di questa fiducia si disperde proprio nella scarsa chiarezza del film. Confidiamo nel fatto che se la storia sta per addentrarsi in territori veramente complessi, ci verranno dati dettagli sufficienti per fare tutti i collegamenti necessari. Un film non deve condurci per mano, ha bisogno semplicemente di fornire una mappa leggibile e percorribile, per così dire, “Spy Solider Tinker Tailor” non introduce completamente tutti i sospetti che sono presenti nel libro su ogni personaggio, né fornisce specifiche e sufficienti informazioni sul funzionamento del “Circus”. Il risultato - per me, almeno - è stata l'incapacità per lunghi tratti di seguire la storia e, di conseguenza, la mancanza dell'urgenza così ben espressa da un grandioso Gary Oldman, diSmiley nella sua ricerca per trovare l'agente doppiogiochista.

Sul recentemente uscito Blu-ray R1 Director's Cut del suo sottovalutato thriller-horror del 1998, “Mimic”, il famoso Guillermo Del Toro dice che la suspense è costruita quando il pubblico sa cosa sta per accadere prima che i personaggi compiano alcune azioni, o vengano a conoscenza degli elementi di cui lo spettatore è già a conoscenza. In altre parole, si coglie la posta in gioco e i pericoli connessi, mentre i personaggi stanno ancora cercando di capire cosa gli accadrà. Certamente l'idea di un agente doppiogiochista nell'agenzia nazionale di intelligence britannica, l'MI6, è una situazione pericolosa. In effetti, vediamo che diversi personaggi moriranno nel tentativo di ottenere che la verità venga fuori. Il problema è appunto che i pericoli non sono sempre visibili in anticipo. Eventi nel mentre che avevano luogo, mi coglievano a pensare: "Caspita, mi sa che è stato importante." Se avessi capito prima le dinamiche per cui alcune vite del film erano in gioco e perché, credo che avrei distolto molto meno l'attenzione da altre cose più importanti. Anche in questo caso, si è trattato semplicemente del fatto che il film non ha voluto prendersi il tempo necessario a stabilire e fornire delle spiegazioni pertinenti. Il romanzo di LeCarre è certamente lungo, (precedentemente ne era stata difatti tratta la bella serie tv degli anni '80 con Alec Guinness), e cercare di spremerlo tutto in due ore ha evidentemente creato una sorte di impasse.

Guardando indietro, mi rendo conto che quello che ho scritto probabilmente suona più come una sessione di critiche che una recensione positiva del film. Ma non è così. Questa è solo stata la mia esperienza con “Tinker Tailor Soldier Spy”. Posso anche essere onesto. Ho il sospetto che molti altri spettatori avranno avuto una simile esperienza. Un critico cinematografico collega mi ha detto che, alla sua proiezione a Venezia, vennero distribuite dalla produzione anche delle cartoline su “chi è chi”, per spiegare il background dei personaggi, così come alcuni dei termini utilizzati nel film. Avrei goduto “TTSS” di più se avessi avuto anch'io prima quelle brochure o quelle cartoline? Difficile da dire. Ma se dovete letteralmente dare al pubblico un foglietto atto a poter capire cosa stia succedendo, direi a qualche fondamentale livello, il film ha fallito.

Nota: Ho brevemente considerato di rileggere dopo tanti anni il bellissimo libro di Le Carrè e rivedere il film una seconda volta per vedere se mi piacesse di più, perchè comunque mi è già piaciuto abbastanza. Ma alla fine ho deciso di no, almeno non prima di scrivere questi miei pensieri, altrimenti sarebbe passato troppo tempo prima di poter scrivervi questa recensione. Perché? In parte perché sono enormemente preso dalla visione di troppi film e siamo ad inizio stagione , quando tanti film devono appunto essere visti per poi scriverci sopra, e in parte perché sospetto che allo spettatore medio anche avendo l'opportunità di leggersi il libro, non gliene freghi nulla e che non lo farebbe. Se mai deciderò di dare a “TTSS” una seconda visione dopo la rilettura del romanzo - e se cambio idea – potete essere sicuri che ne scriverò qui a riguardo.

Trivia (in parte tradotti da IMDB)

Michael fassbender era stato originariamente lanciato per la parte di Ricki Tarr, ma dovette farsi indietro perché era occupato nelle riprese"X.Men : L'Inizio” e venne sostituito da Tom Hardy

Si tratta del primo film in inglese di Tomas Alfredson.

Peter Morgan ha scritto una bozza per la sceneggiatura e stava per scrivere la bozza finale, ma ha perso l'assegnazione della sceneggiatura a causa della morte di un familiare. Egli rimane produttore esecutivo di questo film.

Jared Harris era stato originariamente lanciato come Percy Allenine, ma dovette anche lui farsi indietro a causa di conflitti di lavorazione con“Sherlock Holmes: Gioco di ombre” ed è stato sostituito da Toby Jones.

Il produttore Tim Bevan ha raccomandatoTom Hardy per il ruolo di Ricki Tarr, affermando che somigliava ad un giovane Robert Redford.

Per prepararsi al ruolo di George Smiley, Gary Oldman ha mangiato un sacco di melasse e crema al fine di "mettere su un po di pancia da mezza età". Oldman ha anche visto la famosa interpretazione di Sir Alec Guinness de “La Talpa”, e si è pagato il viaggio per una visita al creatore di Smiley John Le Carrè: "Il modo in cui si toccava la camicia, ha parlato e così via, ho preso tutto questo e l'ho utilizzato. Spero che egli non mentisse, ma Smiley è nel suo DNA ".

Gary Oldman ha basato la sua interpretazione di George Smiley su un dialogo del romanzo "Tinker, Tailor, Soldier, Spy" "Giorgio è come un rettile, disse una volta Anne ad Haydon in confidenza, George Abbassa la temperatura finché non è la stessa della sala. intorno a lui. Poi non perde calore regolandosi con l'ambiente circostante ".. Tomas Alfredson ha ulterioriormente precisato che Smiley è simile a una tartaruga ", perché la tartaruga ha così gran parte del suo corpo nascosto all'interno di una conchiglia, è fissa e non ha molte espressioni diverse."

John Hurt fu la prima scelta per interpretare George Smiley in pre-produzione, ma gli fu in seguito dato il ruolo di “Controllo”.

Gary Oldman ha descritto Tomas Alfredson come pretendente un approccio quasi voyeuristico, girando a lungo con le lenti a focale cortissima: "E 'stato come se stesse compiendo delle intercettazioni, come un guardone, che è quello che bisognava fare per il film, e per restituire il lavoro spesso miserevole che si deve compiere nel mondo dello spionaggio".

Gary Oldman è andato in un antico negozio di ottica, a Pasadena, per cercare gli occhiali giusti per adattarsi a George Smiley: "Le lenti a fondo di bicchiere sono così iconiche per Smiley, fanno parte del suo personaggio. E'come l'Aston Martin o il vodka Martini per James Bond..." Oldman ha cercato per centinaia di montature di occhiali prima di trovare gli occhiali appropriati.

Benedict Cumberbatch descrive il suo ruolo di Peter Guillam come uno dei fondamentali esercizi di recitazione: "Ho sempre voluto interpretare una spia - non sono mai quel che sembrano."

I realizzatori hanno cercato per 18 mesi l'attore giusto per interpretare George Smiley. Erano sul punto di cancellare il film prima che il produttore Tim Bevan pensasse a Gary Oldman come Smiley.

John Le Carrè, autore del romanzo "Tinker, Tailor, Soldier, Spy", fa la sua apparizione come ospite un po' ubriaco alla festa di Natale.

Tomas Alfredson ha basato l'ambientazione sulla sua prima impressione di Londra, quando ha visitato la città nel 1970: una gamma di colori dal marrone al grigio, ombrosa e illuminata soprattutto da lampadine, e le strade sporche. "Se vedi Londra ora e in quel momento, si tratta di due città diverse Oggi è una città bianca e luminosa;. Allora era nera e oscura,;. Era così sporca, e si sentiva ancora la guerra in tutto"

L'espressione sentrirsi "una mano sotto il culo" sarebbe stata in origine suggerita a John Le Carrè da WH Auden .

I realizzatori considerano la versione di questo film di George Smiley come ancora la più emozionante "Si vede una personalità selvaggia dentro agli occhi di Gary, lui probabilmente può essere crudele, forse anche più malinconico E ' un uomo che si presenta in un modo, ma internamente c'è un grande. tristezza ..."

Tim Bevan ha citato il thriller “La Conersazione” e “Il Conformista” come influenze visive del film.

Per prepararsi per il ruolo di Peter Guillam, Benedict Cumberbatch è andato alla città marocchina di Essaouira, dove Guillam era stato di stanza nella storia: "Ha una qualità leggermente da incubo: ero in giro per la strade di notte, pensando a come deve essere piacere sapere che ogni volta potrebbe essere l'ultima. "

Tomas Alfredson ha fatto scrivere a John Le Carrè una parte del dialogo per la conferenza al Circus: "Quando l'abbiamo provato, sembrava come se Bill Haydon dovesse dire qualcosa, ma cosa direbbe al meglio, e allora perché non chiamare John le Carré e vedere se era disponibile? Sentirlo? E lo abbiamo chiamato, descrivendoli la situazione. Pensò per 15 secondi e ci disse, afferrando una penna, è qui! Fu un momento fantastico". Colin Firth ha scherzosamente suggerito un cuscino di velluto per la carta su cui è stato scritto questo dialogo.

Il word processor visto nell'ufficio del Circus è un modello Wang 1200, il primo del suo genere (prima dell'avvento dei personal computer e delle workstation dell'era digitale).

Le riprese hanno avuto luogo presso una caserma militare in disuso nel nord di Londra, in una posizione molto più economica e che offriva ampio spazio per gli scenografi nel ricreare gli interni di immobili per le riprese londinesi. I corridoi della caserma e le alcove sono state utilizzate per le riprese in ambienti interni, e il lato di un edificio era “camuffato” come il bar Wimpy.

Venne offerto a Gary Oldman di indossare una parrucca canuta per il suo ruolo, ma egli ha rifiutato a favore di una decolorazione dei capelli e di una pettinatura più naturale per una persona di mezza età, come Smiley.

Il film è dedicato alla sceneggiatrice Bridget O'Connor , che ha completato il lavoro sul suo film prima di morire di cancro.

La canzone svedese ascoltato nella prima scena di “Controllo” è "Terra, du välsignade" (Beata Paese) cantata da Jussi Bjorling. Il registaTomas Alfredson è svedese, ma la canzone serve anche come un'indicazione del patriottismo di “Controllo”.

Il personaggio di John Hurt è indicato semplicemente come "Controllo". In “Agente Speciale Get Smart” Maxwell Smart (interpretato daDon Adams ), serve una organizzazione segreta chiamata CONTROLLO.

Nel romanzo "Tinker, Tailor, Soldier, Spy", Peter Guillam era in un rapporti con una musicista di nome Camilla. Nel film lui è un omosessuale in relazione con un uomo, secondo Benedict Cumberbatch una decisione creativa che funziona bene nel film: "La sessualità è uno strumento molto potente poi Guillam poiché mantenendo segreta la sua omosessualità è così esposto al ricatto;. si richiede una certa quantità di segretezza, che va di pari passo con lo spionaggio".

Nel romanzo "Tinker, Tailor, Soldier, Spy", la missione di Jim Prideaux ha avuto luogo in Cecoslovacchia, nel film la missione si svolge in Ungheria. Il cambiamento di ambientzione è stato perché l'Ungheria offre una riduzione fiscale del 20% per le produzioni cinematografiche.

Il film ha richiesto sei mesi di modifiche, dopo la sua lavorazione

David Thewlis e Ralph Fiennes furono considerati per dei ruoli.

In una delle scene di flashback di “Controllo”, egli sta parlando al telefono, sulla scrivania dietro di lui ci sono due bulldogs drappeggiati nella Union Jack. Queste figure sono stati create da Royal Doulton durante la seconda guerra mondiale per rappresentare il patriottismo.

Spoiler
Le voci di trivia/curiosità seguenti possono rivelare importanti aspetti della trama

Per prepararsi per il ruolo di Bill Haydon, Colin Firth ha rigurdato i filmati di Kim Philby alla conferenza stampa del 1955. In questa conferenza, tenutasi dopo la defezione degli inglesi traditori Donald MacLean e Guy Burgess, Philby negò con veemenza di essere un traditore ... sette anni dopo fuggì a Mosca. "Si può vedere la tremenda tensione nel suo linguaggio del corpo e nella sua espressione del viso, ma non può nascondere il senso del male".

La canzone francese sentita nelle scene finali del film è "La Mer" di Charles Trenèt, ma cantata da Julio Iglesias. Questa canzone è stata scelta dai registi perché hanno pensato che fosse una canzone che George Smiley avrebbe ascoltato quando era solo, Tomas Alfredson ha invece descritto la canzone e il suo testo, come contenente “tutto ciò che il mondo del MI6 non è".

Premi
American Society of Cinematographers, USA Anno 2012 Nominato agli ASC Award Outstanding Achievement in Cinematography per la distribuzioni cinematografica a
Hoyte Van Hoytema

Britannic Independent Film Awards Anno 2011 Ha vinto il Britannic Independent Film Award per la Miglior realizzazione tecnica
Maria Djurkovic
Per la progettazione della produzione. Nominato ai Britannic Independent Film Award come Miglior Attore
Gary Oldman
Miglior Film Britannico Indipendente
Miglior Regista
Tomas Alfredson
Miglior attore non protagonista
Tom Hardy
Miglior attore non protagonista
Benedict Cumberbatch
Miglior attrice non protagonista
Kathy Burke

Chicago Film Critics Association Awards Anno 2011 Nominato ACCP Award come Miglior Attore
Gary Oldman
Migliore sceneggiatura, adattata
Peter Straughan
Bridget O'Connor

London Critics Circle Film Awards Anno 2012 Nominato ALFS Award come Attore dell'Anno
Gary Oldman
Attore britannico of the Year
Gary Oldman
Film Britannico dell'anno
Film dell'anno
Sceneggiatura dell'anno
Pere Straughan
Bridget O'Connor
Contributo Tecnico dell'Anno
Maria Djurkovic

Per la progettazione di produzione Los Angeles Film Critics Association Awards Anno 2012 2 ° posto LAFCA Award per la Migliore Production design
Maria Djurkovic

National Society of Film Critics Awards, USA Anno 2012 2 ° posto Premio NSFC Miglior Attore
Gary Oldman

On line Film Critics Society Awards Anno 2012 Ha vinto il CFO Award Miglior sceneggiatura
Bridget O'Connor
Peter Straughan

Nominato al CFO Award per il Miglior Montaggio
Dino Jonsater
Statuetta come miglior attore
Gary Oldman

San Francisco Film Critics Circle Anno 2011 Ha vinto il Premio SFFCC per Miglior Attore
Gary Oldman
Miglior sceneggiatura
Peter Straughan
Bridget O'Connor

Satellite Awards Anno 2011 Nominato al Satellite Award come Miglior Attore in un Film
Gary Oldman
Miglior Regista
Tomas Alfredson
Miglior film

Festival di Venezia Anno 2011 Nominato al Leone d'oro Tomas Alfredson

Washington DC Area Film Critics Association Awards Anno 2011 Nominato WAFCA Award per la Miglior sceneggiatura
Bridget O'Connor
Peter Straughan

Napoleone Wilson

PROMO: “Subito dopo il tramonto, un attimo prima dell’alba”, il primo web social film italiano

2012-01-21T14:01:00.000+01:00

Robydick:
Riporto con piacere il comunicato stampa inviatomi da Marta Tamiazzo di una iniziativa sicuramente interessante.

Sei storie racchiuse nella cornice di un lungometraggio che racconta il mondo contemporaneo: ecco il primo web social film italiano costruito passo a passo con il popolo della rete dall’Associazione Culturale Lato2

Milano, 18 gennaio 2012 - Lato2, associazione culturale milanese specializzata nella realizzazione di progetti creativi digitali, presenta “Subito dopo il tramonto, un attimo prima dell’alba” lungometraggio studiato, costruito e distribuito insieme al popolo della rete.

Sei storie in tre cortometraggi ambientate in uno scenario apocalittico accomunate da un solo filo conduttore: reagire con forza alla sfiducia che serpeggia costantemente nella società per intraprendere un viaggio verso la (ri)scoperta dei valori e della bellezza della vita.

Un film in grado di offrire cosi un riflesso attendibile della contemporaneità, sempre più caratterizzata dalla PRECARIETÀ nella VITA, nell’AMORE, nel SENSO DEL LIMITE, nella GIUSTIZIA e nella CORRUZIONE. Gli ideatori del progetto hanno raccolto per circa un anno spunti, suggestioni e consigli sul tema direttamente dagli utenti della rete attraverso i principali social network (youtube, facebook, flickr e scribd).

Successivamente è stato aperto un blog partecipativo dedicato http://subitodopoiltramonto.tumblr.com/ grazie al quale poter seguire lo stato di avanzamento di ogni fase del lavoro. Al suo interno è, infatti, possibile commentare la nuova scena inserita nello storyboard, dare il proprio parere sull’ultima canzone della colonna sonora, partecipare a tutti gli eventi di presentazione, porre domande agli autori, ecc.

“Subito dopo il tramonto, un attimo prima dell’alba” è, per questo, un progetto innovativo realizzato sfruttando a pieno le potenzialità offerte dalla rete. Il risultato è un perfetto esempio di crossmedialità, in cui le varie forme espressive dialogano in perfetta sintonia tra loro arricchendosi reciprocamente.

Per lasciarsi catturare dalle prime suggestioni del film, basta vedere il video esemplificativo del soggeto realizzato con immagini Creative Commons disponibile su http://vimeo.com/subitodopoiltramonto/preview

Se il finanziamento andrà a buon fine, le riprese cominceranno a metà del 2012: per contribuire alla realizzazione di questo importante progetto basta visitare www.eppela.com, prima piattaforma italiana di crowdfounding, aprire la scheda dedicata alla campagna “Subito dopo il tramonto, un attimo prima dell’alba” e scegliere il proprio contribuito tra quelli proposti. Il contributo servirà a realizzare l’episodio I del film.

Al termine della raccolta (quattro mesi) i soldi versati saranno prelevati esclusivamente se è stato raggiunto l’obiettivo prefissato, in caso contrario nulla sarà tolto. Tutti coloro che contribuiranno riceveranno un piccolo omaggio, segno dell’impegno messo nella realizzazione del film.

Divertiti a scoprire tutti i retroscena di “Subito dopo il tramonto, un attimo prima dell’alba” ed entra a far parte del primo web social film italiano!

Lato 2
Associazione culturale nata per favorire la ricerca e lo sviluppo di contenuti innovativi per i mezzi di comunicazione digitale. Un vero e proprio laboratorio d’arte che lavora sui contenuti digitali narrativi, al fine di dare concretezza alle idee più innovative proposte del mercato. Subito dopo il tramonto vede la luce all’interno del laboratorio nel novembre del 2010, da un’idea di Eugenio Marrari, in collaborazione con professionisti provenienti da diverse discipline della comunicazione.

Contatti:
Lato2 – www.lato2.net
Marta Tamiazzo
Sybil Shiddell - 3389101388
press@lato2.net

Altri link utili:
FACEBOOK:
http://www.facebook.com/pages/Subito-dopo-il-tramonto-un-attimo-prima dellalba/115529901838783
YOUTUBE
http://www.youtube.com/user/subitodopoiltramonto?blend=1&ob=video-mustangbase
FLICKR:
http://www.flickr.com/photos/subitodopoiltramonto/
SCRIBD:
http://www.scribd.com/subitodopoiltramonto

Robydick:
Riporto anche il testo delle mail che ci siamo scambiati io e Marta per un chiarimento che ho richiesto prima di fare questo promo, è utile a tutti credo, come posso avere dei pregiudizi io penso possano averli anche altri.

Roby: ciao Marta!
allora, ti parlo con molta sincerità: coi film di angeli ecc... non ci vado moltissimo d'accordo, in generale
per la mia non-religiosità forse, non so bene ma non ha importanza. è che quando ho letto "angelo" mi è suonato il campanello d'allarme.
il tema mi piace, l'idea espositiva pure, e passi anche l'angelo
dipende molto il tema come viene trattato. ho recensito film religiosi e che parlano della religione con molto piacere, potrei citarne diversi, alcuni proprio delle edizioni paoline, questo solo per dirti che non sono prevenuto.
in breve: non sopporto film di propaganda o proselitismo religioso, ho bisogno di avere le idee più chiare a riguardo
quindi ti faccio semplicemente una domanda: il film pone poi la religione cristiana come vero argomento e/o soluzione dei mali del mondo?
dimmi solo questo sinceramente, ok? :)
tra l'altro la risposta, se poi farò l'articolo, la userò anche per presentarlo, perché come il dubbio è venuto a me sicuramente verrà anche ai miei abituali lettori/commentatori che ormai conosco molto bene...
ciao e grazie
Roberto

Marta: Ciao Roberto,
come prima cosa ti ringrazio le tue parole di apprezzamento verso il nostro lavoro ed anche per la sincerità con cui hai esposto il tuo punto di vista.
Nel film la figura dell'angelo viene usata come pretesto per trattare il tema del destino generale dell'uomo. Non si tratta di un film religioso, dunque, ma è un'opera che vuole far riflettere sulle infinite risorse che l'umanità ha e che riesce a tirare fuori anche in questo periodo difficile.
L'angelo del film non sopporta l'uomo e non riesce a capire i motivi per cui ci sia tanto rumore intorno a lui.
Nel corso della storia imparerà, però, che il genere umano ha delle qualità bellissime da cui solo che ne fa parte riesce a trovare la forza per superare ogni difficoltà.
Sono disponibile ad ogni ulteriore chiarimento. Se preferisci puoi contattare Eugenio Marrari, in copia in questa email, principale sceneggiatore del film per porre altre domande o toglierti ogni altro dubbio.
Grazie mille ancora per l'attenzione,
A presto
Marta

La risposta mi ha molto soddisfatto ovviamente.

Nella prima mail sempre Marta scrive:
Ti ringraziamo già da ora per il contributo che vorrai dare. Ti anticipo che stiamo creando anche una rete di distributori volontari del film i quali, attraverso un semplice widget da noi fornito a fine produzione, potranno offrire il download gratuito direttamente dal loro portale.

Annuncio sin d'ora che darò il mio contributo alla cosa.

Robydick

Blue Velvet - Velluto Blu

2012-01-21T06:00:00.000+01:00

1986, David Lynch.

Robydick:
Oggi compare la prima recensione di una nostra nuova collaboratrice, già autrice di un suo blog di recensioni, Arwen Lynch. La scelta del film d'esordio, che amo tantissimo anch'io, mi pare più che appropriata.

Arwen:
Film che anticipa di 4 anni le tematiche che porteranno alla serie cult Twin Peaks, che farà di Lynch la celebrità che tutti conosciamo, per Velluto blu, che ha come protagonisti il compianto Dennis Hopper, qui in una delle sue migliori interpretazioni e l'allora compagna di Lynch, Isabella Rossellini, nel ruolo della sua amante succube Doroty Vallens.

Ma andiamo al film, che racconta di un giovane Jeffrey Beaumont, interpretato dall'attore feticcio di Lynch Kyle McLachlan che passeggiando per i boschi trova un orecchio, lo porta subito alla polizia, dove il coroner gli confida che l'orecchio proviene da una persona ancora viva, la sera parlando con il detective Williams non trova riscontro su cosa sia successo realmente, l'investigatore invita il giovane al più assoluto riserbo e a non continuare le indagini anche per proteggerlo perchè potrebbe rischiare la vita.
Ma Sandy, (una giovanissima Laura Dern) gli racconta molto di più, c'è stato un rapimento e la polizia ha fatto irruzione nell'appartamento della cantante Doroty Vallens, ma non ha trovato nulla, Jeffrey le chiede come sa tutte queste cose, la ragazza gli confida che ogni tanto origlia dalla sua stanza quando suo padre parla al telefono e di questo caso non sa molto perchè non è un caso che appartiene a suo padre, il giorno dopo il ragazzo fa una proposta a Sandy, le dice di investigare, e di scoprire qualcosa in più, e così faranno, dopo la scuola Jeffrey si finge uomo delle disinfestazioni per entrare nell'appartamento di Doroty, il caso vuole che arrivi un uomo vestito di giallo che distrae la donna, il giovane vede un paio di chiavi e le prende, appena terminato esce come niente fosse, Sandy non è potuta entrare perchè è arrivato il poliziotto e se l'avesse fatto avrebbe destato sospetti, quindi con le chiavi di casa i due ragazzi sperano di entrare e di osservare cosa succede, la sera stessa vanno nel locale dove si esibisce Doroty, dopo prendono la decisione di tentare di entrare nell'appartamento, Sandy dovrà suonare 5 volte il clacson della sua automobile in modo da fare uscire Jeffrey, ma essendo in bagno non ha sentito gli squilli e così si nasconde dentro l'armadio, qui inizia una vera e propria discesa agli inferi che porterà il ragazzo della porta accanto Jeffrey nella più oscura perversione che abbia mai visto e conosciuto, osserverà Doroty, verrà scoperto e assisterà al suo stupro da parte di Frank Booth (Hopper) uomo sadico e violento che le ha rapito il marito e il figlio e farà di tutto per aiutarla, instaurando con lei uno strano rapporto, lui sta perdendo la verginità e grazie a questa esperienza diventerà adulto e prenderà una strada in apparenza senza uscita e farà di tutto per risolvere questo enigma, lei è una donna masochista, che ha bisogno un rapporto violento, Sandy accompagnerà Jeffrey in questo viaggio completando un triangolo amoroso in cui il giovane grazie alla ragazza Sandy, ritornerà alla sua vita allontanandosi da tutte quelle perversioni, Sandy sarà per lui uno squarcio di luce e di speranza che gli darà la forza di continuare e aiutare Doroty, d'altronde grazie all'amore si può ritrovare la luce, le cose peggiorano quando Jeffrey viene pescato da Frank Booth a casa di Doroty, mentre esce abbracciato alla donna, qui viene pestato a sangue da Booth e dalla sua banda, ma il giovane non molla la presa, anzi, si decide che deve andare avanti comunque nelle sue indagini e segue Booth e fotografa il suo travestimento e l'uccisione di uno spacciatore con la sua donna, il giovane con tutte queste informazioni va dal detective Williams (il padre di Sandy) e gli racconta tutto, negando che la figlia lo stia aiutando, ma il detective inizia a intuire qualcosa, la sera dopo è il delirio i due ragazzi dopo la festa in cui capiscono di essere innamorati l'uno dell'altra si scontrano con il fidanzato di Sandy Mike ma vedendo che c'è Doroty completamente nuda e in stato di choc si allontanano spaventati, Jeffrey e Sandy, ma dentro l'auto la ragazza capisce che tra loro c'è stato qualcosa, arrivati a casa chiamano l'ambulanza e la trasportano all'ospedale, il finale è un autentico colpo di coda, io ho sempre pensato che Jeffrey abbia coraggio ad affrontare Booth un ultima volta.

Siamo ancora lontani dal surrealismo assoluto di pellicole come Strade perdute, Mulholland Drive e il massimo assoluto INLAND EMPIRE qui siamo nella provincia americana, dove tutto in apparenza è innocente e puro e la perversione e il male si nascondono nella profondità come nella bellissima scena iniziale degli scarafaggi che camminano nel profondo del terreno, in tutto questo male come dice Jeffrey a sandy nella scena della chiesa esiste la luce dell'amore come racconta Sandy che con l'arrivo dei pettirossi nascerà un amore, e quell'amore sembrava essere la cosa più imporante del mondo, una luce, una speranza.
Film dalla trama lineare memorabile, che sarà un trampolino di lancio per Laura Dern qui ancora diciannovenne e in futuro sarà una delle muse di David Lynch, Isabella Rossellini regala alla sua Doroty dolore, è facile provare compassione per lei, d'altronde ha molte cose in comune con Laura Palmer, altro personaggio Lynchano memorabile che sarà protagonista di Twin Peaks, bellissima la colonna sonora di Badalamenti, che sarà il partner di Lynch da questo film in poi.

Un film memorabile, sotto ogni punto di vista, per me è da Olimpo, ai tempi dell'uscita un critico bigotto si è scandalizzato per il nudo di Isabella Rossellini non permettendo a questo capolavoro di partecipare al Festival di Venezia, la menzione speciale va a Dennis Hopper, il suo Frank Booth è un personaggio da cult entrato nella memoria di tutti i cinefili e amanti del cinema di David Lynch, che con questo film si consacra principe della perversione, in realtà Lynch è un autore di culto e questo film gli regala un piccolo scampo di notorietà che raggiungerà con Twin Peaks.

Arwen Lynch

Immacolata e Concetta, l'altra gelosia

2012-01-20T06:00:00.000+01:00

1979, Salvatore Piscicelli.

Omaggio subito questa meraviglia coi riconoscimenti ricevuti e ringrazio l'attore Bruno Zanin, che recentemente m'ha fatto visita nel blog, per avermelo de facto consigliato. Cinema d'autore bellissimo anni '70 con l'ambientazione a inizio decennio. Siamo nella Napoli di periferia di quell'epoca. Opera prima di Salvatore Piscicelli giocata in casa (è nato a Pomigliano d'Arco), mostrata a Cannes nella "Settimana Internazionale della Critica" e vincitrice del Pardo d'Argento a Locarno.

Senza entrare in troppi dettagli, è la storia di due donne che si conosceranno in carcere e lì s'innamoreranno. Immacolata ha una figlia e un marito, anche un amante, e scoprirà l'amore lesbo grazie a Concetta. Concetta invece è solo lesbica, non ha la minima attrazione per gli uomini e in carcere c'è finita proprio per difendere la sua relazione precedente. Resterà in carcere più a lungo, e quando uscirà troverà Immacolata ad attenderla, innamorata più che mai. Un rapporto intimo inteso, che porterà Immacolata addirittura a invitare Concetta in casa sua a vivere come coppia stabile, in barba persino al marito. Non costituirà quest'ultimo, uomo tutto sommato rassegnato, il grande ostacolo alla loro felice unione, ma la relazione che Immacolata ha con Ciro, amante e infine anche datore di lavoro. Concetta accetterà tutto, dipende molto da Immacolata, anche economicamente, ma soprattutto l'ama alla follia, follia che si tramuterà in disperazione e pazzia quando Immacolata resterà incinta... il finale veramente non posso raccontarlo, dico solo che è tragicamente meraviglioso.

Dimenticate la "napoletanità sguaiata" spesso rappresentata. Qua siamo al cospetto di personaggi popolari dalla fiera dignità che nemmeno di fronte a dure umiliazioni, sconfitte o tragedie si scompongono. C'è un intenso, mai frenetico, susseguirsi di eventi, vissuti come inevitabili pure senza fatalismo, che mi ha tenuto incollato alla visione, in ammirazione anche del modo discreto con cui tutto viene rappresentato, nelle riprese in primo piano come in macro su dettagli, genitali compresi. Persino le (poche ma importanti) scene di sesso - sempre presente Immacolata, alternativamente con Concetta o con Ciro -, al limite dell'esplicito, si guardano con trasporto emotivo e non morboso. Da Olimpo l'incontro in una pensione tra le 2 quando Concetta esce dal carcere, amore e passione sofferti: dall'incontro all'amplesso è un intero brivido. Film per buona parte privo di accompagnamento musicale, gode di inserti di fisarmonica splendidi composti da Rudy Beytelman a ritmo di "tango-milonga" che moltissimo ricordano il vate del genere: Astor Piazzolla.

Se ancora oggi le coppie omosessuali hanno i loro bei problemi da noi immaginiamoci allora. Le scelte che farà Immacolata sono incredibili anche se non dovrebbero esserlo, con la "aggravante" che vengono fatte da una donna sposata anche se il marito è ormai poco poco più che un soprammobile. Può sembrare strana la ridotta reazione dei vicini, e parliamo di luoghi dove la vita casalinga è più sociale che privata, eppure a me è sembrato tutto più che plausibile, non ci sono forzature. Le protagoniste emergeranno in un contesto sociale più abituato alla lotta per sopravvivere che alla ricerca di una felicità, parola nemmeno contemplabile. Concetta non potrà accettare di condividere quella felicità con altri e questo porterà al finale.

Non si risparmiano le 2 protagoniste, prove attoriali da encomio per entrambe. Marcella Michelangeli nei panni di Concetta ha un più ampio spettro in termini gestuali, il suo ruolo spazia maggiormente tra le emozioni con picchi nella gioia o nel dolore. Ida Di Benedetto ci mostra Immacolata come un essere che fa meno trasparire esternamente ma con grande carica interiore, il suo viso si tira quando serve, la sua è una gestualità quindi a spettro ridotto quanto d'infinita ampiezza espressiva. Determinata e indipendente, ritiene la felicità un suo diritto e ci vorrà molto per farla piangere. Impossibile alla fine non provare ammirazione per lei.

Senza iperboli, ripeto che questo film è una Meraviglia. Fin troppo chiaro perché non ha conosciuto passaggi televisivi e anche perché merita d'essere visto. Troppo distante da ogni stereotipo, troppo sincero nel mostrare che l'amore prevede anche il sesso, privo di ogni giudizio, con donne "popolari" che battono la stecca a tutti in termini di apertura mentale, coscienza di sé e soprattutto ricche del sale della vita: la passione.

Salvatore Piscicelli in quest'opera si dimostra essere un regista serio e discreto del quale guarderò sicuramente altro. E' di quelli che non esibiscono tecnica, semplicemente la usano quanto occorre, in giusto equilibrio con quello che vuole rappresentare. L'occhio allenato saprà apprezzare la varietà dei punti di ripresa, in particolare a me sono piaciute la fotografia decolorata e l'accorta scelta delle distanze dai soggetti in dipendenza dei momenti della trama. Come un "occhio", certamente indiscreto come deve esserlo ogni macchina da presa, ma mai cafone o spocchioso rischiando così di violentare la vicenda in favore di estetismi inutili.

Robydick

p.s.: Ieri per "L'ultimo bacio" c'è stato un dibattito anche acceso. Oggi è per puro caso che esce la rece di questo film, in contrasto totale con lo stile - a parere mio mellifluo - di Muccino. Volevo dirlo perché poteva sembrare quasi una provocazione. Oddio, forse lo è anche!

p.p.s.: Se vi capita di girare per Roma e vedere una donna clochard fate attenzione, potrebbe essere Marcella Michelangeli (ex moglie di Lou Castel). Questo a quanto mi han detto persone molto fidate. Non è un pettegolezzo, figuriamoci, che me ne viene... è che magari riconoscendola potreste fargli i complimenti almeno per questa interpretazione, dandole una meritata soddisfazione.

L'ultimo bacio

2012-01-19T06:00:00.000+01:00

2001, Gabriele Muccino.

Eccoti qui decidi che la fase dell'eterna adolescenza è finita e che è ora di crescere e crescerai. E allora tutto cambia e questa volta cambierà. Avrai una casa più grande, la piscina, il garage col posto auto, il prato sempre curato, il portico fiorito e le porte smaltate, il cane che chiamerai Marx e la barca che chiamerai Giulia, avrai la salute assicurata, la vita assicurata, il frigorifero sempre pieno per nn sentirti povero, un tappeto etnico per continuare a sentirti giovane e finestre da cui entra sempre il sole... e allora avrai la tua famiglia felice i tuoi bambini in salute e lei... avrai lei... che ti ricorda tutte le cose belle che avete avuto... non è questo che avevi sempre sognato?
(Carlo/Stefano Accorsi)

Storie di amori che crescono, si dilatano, rifiutano di evolversi per poi mutare o morire definitivamente. L'ultimo bacio è un film mortuario, cupo, depresso, con un'idea della vita così vicina a quella di apocalisse, l'essere sul bilico di un baratro verso l'ignoto domani. E' un film sulla paura del dopo, sui rapporti che ti opprimono, sul sesso usa e getta, sull'amicizia vera, sull'idea on the road che esiste un mondo dove tutto possa essere più facile.
Ma non esiste.

L'ultimo bacio nel 2001 era un film come tanti da prendere sotto gamba, figlio di un cinema italiano che si mordeva autoreferenzialmente la coda, nè più nè meno da detestare di una commedia di Vanzina o Neri Parenti, noi i guerrieri della notte, i critici bambino che vivevano ancora con i genitori, ci riempivamo la bocca di panettoni fatti di cinema passato, i Fulci, gli Argento, cazzo giriamo un corto, spacchiamo il mondo.
Erano gli anni dove Moretti ancora non giocava con le tette della Morante in pieno lutto, ma urlava, tra una scarpa e l'altra, “Ve lo meritate Alberto Sordi”.
Ecco allora che Muccino doveva farci schifo solo a parlarne: superficiale, qualunquista, patetico registucolo per masse. D'altronde come amare un cinema che faceva urlare i suoi personaggi, che sfoggiava con vanto i suoi piani sequenza troppo americani, che ti intontiva con musica sparata ad alto volume anche nel kitch del pop più banale?
Per questo L'ultimo bacio era un film da detestare perchè lontano da tutto quel cinema che volevamo e amavamo con l'aggravante del successo, delle ragazzine febbricitanti davanti a sua maestà stoccafisso del Maxibon.

Ma eccolo L'ultimo bacio adesso, nel 2012, con la superficialità che è diventata anche il tuo vissuto, con gli stessi sbagli dei protagonisti che diventano i tuoi, e cazzo urli più forte di questi stronzi di attori come urleresti con te. Difficile allora non amare Giovanna Mezzogiorno e il suo dolore quando pensi che pure tu quel dolore l'hai causato, che qualcuno ti ha distrutto una e cento volte nella stessa identica maniera, e non ridi più ora che i capelli ti sono caduti, ora che sei un padre ad ore, ora che la vita ti ha messo in ginocchio.

Cinema come fotografia, fatta di storie crudeli, di personaggi così neri nella loro gretta umanità, ma anche cinema come coltelli che confondono gli American beauty futuri, i Sette anime con suicidi di meduse, la voglia bastarda di fare un cinema americano malgrado tutto quel modo di concepire a regioni il cinema allora e ora in una perduta terra di morti viventi.

Ecco che L'ultimo bacio diventa non solo un cult, ma un grande film, dove i difetti di allora sono pregi, dove i pregi diventano oro da portarti dietro in quel viaggio che volevi fare e non hai fatto.
Perdente tu e perdente loro.
Era questa la vita che sognavi?

Keoma

Shame

2012-01-18T06:00:00.000+01:00

2011, Steve McQueen.

Sissy Sullivan/Carey Mulligan: “Noi non siamo delle brutte persone. Siamo solo venuti da un brutto posto.”

Sissy Sullivan :- “Sto cercando di aiutarti.”
Brandon Sullivan/ Michael Fassbender :- “Mi stai aiutando? Aiutando, eh? Come mi stai aiutando? Come mi stai aiutando? Eh? Guardami. Tu vieni qui e sei un peso per me. Mi hai capito? Sei un peso. Sei solo un peso che mi trascina verso il basso. Come mi stai aiutando? Non sei nemmeno in grado di badare a te stessa. E smettila finalmente di fare la vittima.”
Sissy Sullivan :- “Non sto facendo la vittima. Se vado via, non ti farai più sentire. Non credi che tutto ciò sia triste? Non credi che sia triste? Tu sei mio fratello.”

Quando pochi giorni fa, mi sono seduto in sala per vedere “Shame”, il secondo, nuovo film di Steve McQueen (dopo lo splendido “Hunger” ['09]) mi apettavo, di vedere sì un bel film, ma soprattutto, grazie anche alla corriva pubblicistica dei magazine d' informazione,un film estremamente caricato nella sua componente sessuale, incentrato dunque su di un personaggio e un argomento un po' fatui e vacui. Niente di più falso. Semplicemente, mi è bastata la strepitosa sequenza d'apertura in metropolitana, quando lo splendido protagonista Michael Fassbender flirta unicamente in un intenso e complice gioco di sguardi con una bellissima ragazza dai capelli rossi, e sentire la prima volta il superlativo tema del film composto da Harry Escott per rispondermi da solo e semplicemente, alla domanda che già mi stavo ponendo. Il film era molto probabilmente, bellissimo. Sembra sì una risposta abbastanza semplice, ma non è facile quantificare e argomentare l'esperienza che rimane così come congelata, dalla visione di questo film solo all'apparenza algido, e stilisticamente freddo e distante. Ma già da questa sequenza d'apertura ogni esitazione di fronte a cotanta padronanza di stile e del suo significato/nte, è vinta. Alla fine infatti il film mi sarebbe piaciuto moltissimo.

La mia risposta semplicistica, o la mancanza di una argomentazione migliore, mi può dare fastidio. Ma è così. Ci sono troppi elementi, troppe qualità in “Shame”, che mozzano assolutamente il fiato. Già accennato alla colonna sonora, magnifica, Michael Fassbender ne è un altro. Egli dà una così sottile,-e spesso è completamente spogliato-, e al contempo così brutalmente vera prestazione attoriale e interpretativamente mimetica, di un uomo profondamente esaurito e angosciato, che è anch'egli assolutamente magnifico. Brandon, il suo personaggio, è un uomo che cerca disperatamente di annegare le sue nevrosi con un'apparentemente costante bisogno di sesso, non vorrebbe neanche, ma ne ha bisogno, lui deve averlo, come soggiogato da una costrizione. Per una lunga parte del film non dice quasi nulla, ma non si può comunque staccargli lo sguardo di dosso. Fassbender sfuma da una calma apparente ad un evidente e totale autocontrollo, a scoppi di rabbia terrificante che sono tanto più scioccanti in contrasto al suo apparente guscio esterno.

“Shame”, è un ritratto teso, un'istantanea di un uomo tormentato, denso di lunghe sequenze nelle quali McQueen lascia che i suoi attori ti catturino e ti coinvolgano completamente, fino a quando ti rendi conto che non c'è stata alcuna modifica rispetto a ciò che si sente nella vita di tutti i giorni, per ore, almeno comunemente a molti individui . Il film come detto utilizza il suono e la musica ottenendo grandi risultati. All'inizio, come trascinandosi, vediamo Brandon girare nudo per il suo appartamento, dal letto al bagno e dal bagno al letto, e ovviamente non svelato pienamente vediamo solo che è completamente nudo, mentre ascoltiamo insieme a lui un messaggio vocale il quale costruisce come un inquietante ticchettio. Si tratta di un timer, un conto alla rovescia per una catastrofe personale. Non sai ancora cos'è, ma ti senti i muscoli alla base del collo che si flettono fino a sentirti come costretto, ti restituisce uno dei sintomi principali dell'angoscia, del panico. La voce registrata nella segreteria telefonica è di Sissy (Carey Mulligan, che abbiamo già visto in “Wall Street 2:The Money Never Sleeps”, e “Drive” di Refn), la sorella di Brandon, e si può vedere l'impatto immediato di lei ha sul fratello, la tensione che crea in lui solamente il suono della sua voce.

Sissy arriva a Manhattan e diviene il catalizzatore di “Shame”. Prima del suo arrivo a casa sua, la vita di Brandon si svolge in una serie attentamente misurata di rapidi incontri sessuali con donne sconosciute, prostitute, come donne incontrate casualmente in metropolitana, e alcune sessioni di masturbazione quotidiana durante alcune pause in bagno, nel suo appartamento come al lavoro. Ci sono così tante crepe nel rivestimento della sua vita, come quando il computer del suo ufficio viene mandato a riparare perchè ha contratto un virus forse a causa della massiccia quantità di file porno che ha ossessivamente scaricato, seguendo come il flusso, il ritmo, il modello di una vita così fatta e impostata. Queste fessure sono speculari al cronometrato ticchettio del conto alla rovescia per il suo imminente, ineluttabile, destino. Non ha nemmeno bisogno di dire una parola per avere una donna a caso a letto, anche se non riesce a connettersi in modo significativo, sessualmente o in altro modo, con chi per lui ha dei reali sentimenti. E se ciò succede, come con la sua collega di lavoro di colore, gli capita una defaillance.
Sissy è l'esatto opposto di suo fratello, visivamente così come per la personalità, più saggia ed empatica. Brandon, che ha una professione d'ufficio ma non si capisce bene di cosa, indossa un'abbigliamento di basso profilo, cappotti blu e grigi, mentre Sissy, una cantante di nightclub in difficoltà, indossa un cappello rosso e vintage, e un cappotto leopardato. Tutto in lui è progettato per integrarsi, tutto di/in lei è stato impostato per esplodere, disintegrarsi. Mentre Brandon si sente niente, Sissy si sente tutto. Lei cade repentinamente e spesso perdutamente, fragilmente innamorata, mossa da passioni forti ma momentanee, e il caos della sua vita cozza in modi assolutamente pazzeschi con quella unitariamente precisa e ordinata della vita di Brandon. “Shame” allude forse solamente alla loro storia passata in comune, ma indipendentemente dalla loro provenienza, quello che abbiano sopportato insieme, provengono da un luogo buio, così come lei stessa gli lascia detto rivelatoriamente, in uno dei messaggi alla segretaria telefonica. Sissy è coperta da una elaborata, evidente, ragnatela di cicatrici, ed è piena di tendenze autodistruttive, e anche così facendo, le sue sono solo molto più palesi di quelle di Brandon.

“Shame” offre ben poco in termini di risposte o di direzioni finali in cui portare lo spettatore. Ma il fatto che, insieme con un sacco di sesso insistito e molto stilizzato, sia stato etichettato con una classificazione solo con un divieto ai minori di 14, e qui in Italia, dovrebbe spegnere da subito il pubblico ancora e costantemente alla ricerca del richiamo facile, ordinario, pre-confezionato, dello “scandalo”. Il film è ben di più, uno studio nei meandri di un uomo, Brandon, che sta deragliando dai suoi binari, affondando sempre di più, di quanto non sia poi completamente alla fine concretizzato nella storia. Non cerca nemmeno di essere uno di quei frivoli, futili film che hanno da offrire niente o poco più della loro supposta “aura” di “scandalo” I personaggi sono brillantemente descritti e interpretati, e questo sarebbe già abbastanza per tener su il film.
Tra "Drive" e ora “Shame”, la Mulligan ha decisamente conquistato molti. Quando con solo un asciugamano addosso Brandon schiaccia a cavalcioni Sissy giù su un divano, è come se ciò che è appena accaduto prima (lei divertita, lo ha sorpreso senza volere in una delle sue frequenti sessioni masturbatorie in bagno, scatenandogli una feroce reazione d'ira) si trasformi come al semplice girare di un'interruttore da ridicolo e ridacciano, a frenetico e terrorizzante. La sua parte rispetto a quella di Brandon è piccola, ma le sue scene sono mozzafiato e molto forti. Bellissima, la sequenza e l'esecuzione da lei stessa offerta, di una triste, lenta, splendida versione blues di “New York, New York”, cantata in un locale.

“Shame” è anche un film dal bellissimo stile e dalle immagini molto estetizzanti e ricercate, non diversamente di quanto ci si potrebbe aspettare data la materia complessiva, il tono e l'argomento. Il capo ufficio di Brandon, David (interpretato da James Badge Dale), è ben reso nella sua sottile e sotterranean autorità,un boss lascivo e dalla parlantina veloce, costantemente superficiale e sempliciotto. David si crede uno a cui vada liscia con ogni donna, anche se invece colleziona figuracce e toppate con ognuna a parte che proprio con Sissy, mentre Brandon può semplicemente catturare gli occhi di una bella donna in un bar affollato e attirarla a sé. C'è anche una scena estesa con un petulante e ossessionante cameriere di New York che, mentre la sequenza va avanti, forse anche un po' troppo a lungo, offre alcuni momenti di leggerezza che fanno sì che il film non si impantani troppo sotto il peso della sua gravità, e cupezza.
Quanto più penso a “Shame”, più cresce la mia considerazione in termini generali del film. La mia prima reazione quando mi viene chiesto del film può solo derivare da alcuni problemi che ho con il finale. Finale che non ha nulla da togliere e che probabilmente non avrebbe potuto portare a una conclusione diversa, o migliore, ma che avevo previsto dove avrebbe portato a concludere il film, abbastanza presto. Così presto, infatti, che ho trascorso la maggior parte del film stesso cercando di capire come McQueen e compagni stavano per far svolgere le cose non come poi hanno fatto. Ho pensato che fosse abbastanza evidente che non poteva proprio andare giù in quel modo. Ma nel grande schema delle cose, che è un problema relativamente minore, e non è questo il punto, alla fine l'enigmatico finale pur senza poter trasmettere chissà quali rivelazioni e cambiamenti, funziona in maniera eccellente. Come ho già ripetuto, “Shame” è un'intenso ritratto di un uomo negli slanci e nei meandri di una dipendenza che egli non può controllare, avvinto in una spirale di odio di sé e di auto- abiezione e umiliazione. Osservare il preciso, efficiente personaggio di Brandon disvelare, sempre più davanti ai nostri occhi il proprio convincente logoramento, è il vero piacere di “Shame”, che, nonostante alcuni difetti, è assolutamente un film da vedere, e che rimarrà nel tempo.

Nonostante il film sia costato 6,5 milioni dollari di bilancio, la Fox Searchlight Pictures ha pagato soltanto circa 400.000 $ per acquistare i diritti di distribuzione per gli Stati Uniti.

Girato in 25 giorni.

Nell'ultima scena del film, in cui Brandon guarda la donna sul treno della metropolitana, il cartellone della metropolitana di una chiesa chiamata The NYC River è prominente dietro di lui. Questa è in realtà la chiesa che Carey Mulligan frequenta ogni volta che si trova a New York.

Anche se il film è interamente ambientato a New York, e tutti i personaggi sono americani, il cast sia maschile che femminile, il regista / sceneggiatore e il suo co-sceneggiatore provengono dall' Irlanda o dalla Gran Bretagna.

Spoiler
Le curiosità/trivia seguenti possono svelare importanti aspetti della trama.

La scena di sesso con Michael Fassbender e Amy Hargreaves premuta contro il vetro di una finestra in una camera da letto con vista totalmente panoramica sopra Manhattan è dell''hotel Standard, ed è stata girata in realtà sopra la strada affollata, durante il giorno. I passanti hanno assistito come spettatori mentre i due attori, nudi, gli hanno sorriso e salutati dalla camera dell'albergo, tra un ciak e l'altro.

Black Reel Film Awards Anno 2012 Nominato ai Black Reel come Miglior Regista
Steve McQueen
Miglior Film
Iain Canning
Bergen Swanson
Emile Sherman
Miglior Colonna Sonora Originale
Harry Escott
La miglior sceneggiatura, originale o adattato
Abi Morgan, Steve McQueen
Boston society of Film Critics Awards Anno 2012 2 ° posto Premio BSFC Miglior Attore
Michael Fassbender
Britannic Independent Film awards Anno 2011 Ha vinto il Britannic Independent Film Award Miglior Attore
Michael Fassbender
Nominato al Britannic Independent Film Award per il Miglior Film Britannico Indipendente
Miglior Regista
Steve McQueen
La migliore sceneggiatura
Abi Morgan, Steve McQueen
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Miglior realizzazione tecnica
Sean Bobbitt
Per la cinematografia. Miglior realizzazione tecnica
Joe Walker
Per la modifica.
Broadcast Film Critics Association Awards / anno 2012 Nominato ai Critics Choice Award Miglior Attore
Michael Fassbender
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Chicago Film Critics Association Awards Anno 2011 Nominato ACCP Award come Miglior Attore
Michael Fassbender
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Dallas -Fort Worth Film Critics Association Awards Anno 2011 3 ° posto DFWFCA Award Miglior Attore
Michael Fassbender
Nominato DFWFCA Award Miglior Film
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Golden Globes, USA Anno 2012 Nominato ai Golden Globe per il Miglior attore in un film - Drammatico
Michael Fassbender
Hollywood Film Festival Anno 2011Ha vinto l'Hollywood Film Award come Attrice non protagonista dell'anno
Carey Mulligan
Anche per “Unity” (2011).
Independent Spirit awards Anno 2012 Nominato agli Independent Spirit Award come Miglior film internazionale
Steve McQueen
Gran Bretagna London Film Critics Circle Awards Anno 2012 Nominato ALFS Award come Attore dell'Anno
Michael Fassbender
Attore britannico dell'anno
Michael Fassbender
Anche per "A Dangerous Method” (2011).
Attrice britannica dell'anno
Carey Mulligan
Anche per “Unity” (2011).
British Film of the Year
London Film Festival Anno 2011 Nominato per il Miglior Film Steve McQueen
Los Angeles Film Critics Association Awards Anno 2011 Ha vinto LAFCA Award Miglior Attore
Michael Fassbender
Anche per “X-Men : L'Inizio”(2011), “Jane Eyre”(2011) e “A Dangerous Method”(2011).
National Bord of Review, Usa Ha vinto NBR Award Top Ten Independent Films
Spotlight Award Michael Fassbender
Anche per “A Dangerous Method”(2011), "Jane Eyre” (2011) e “X-Men :L'Inizio”(2011).
New York Film Critics Circle Awards 2 ° posto Premio NYFCC Miglior Attore
Michael Fassbender
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
On line Film Critics Society Awards Anno 2012 Ha vinto CFO Award come miglior attore
Michael Fassbender
Nominato CFO Award per la Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
San Diego Film Critics Society Awards Anno 2011 Nominato al SDFCS Award per la Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Satellite Awards Anno 2011 Nominato al Satellite Award come Miglior Attore in un Film
Michael Fassbender
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan
Miglior Regista
Steve McQueen
Miglior film
Miglior Sceneggiatura Originale
Abi Morgan
Steve McQueen
Toronto Film Critics Associationa Awards Anno 2011 Nominato TFCA Award Miglior Attore
Michael Fassbender
Festival di Venezia Anno 2011 Ha vinto ''CinemAvvenire'' Award Miglior Film
Steve mcQueen
Premio FIPRESCI Miglior Film
Steve mcQueen
Coppa Volpi Miglior Attore
Michael Fassbender
Nominato al Leone d'oro Steve McQueen
Washington DC Area Film Critics Association Awards Anno 2011 Nominato WAFCA Award per Miglior Attore
Michael Fassbender
Miglior attrice non protagonista
Carey Mulligan

Napoleone Wilson

Ring of Death

2012-01-17T06:00:00.003+01:00

2008, Bradford May.

Questo film fa rimpiangere le serate di tanti anni fa quando Italia uno ci deliziava di pellicole truci, feroci e un po' fanciullesche dove omoni muscolosi se la davano di santa ragione.

Si era tutti un po' più giovani, i capelli erano attaccati alla testa e non al pettine, ci piaceva tanto una spaccata di Van Damme quanto le tettone di Pamela Anderson senza bisogno di ma, di perché o sedute dallo psicologo.
Questo Ring of death, prodotto americano per la tv, approdato chissà come e chissà perchè anche nel nostro Belpaese diretto in dvd, è assolutamente trascurabile, girato non con la mano, ma col piede sinistro, interpretato da cani che ringhiano al posto di recitare, eppure assolutamente delizioso.

Bradford May, uno che nella vita un film davvero bello non l'ha mai fatto, non ha idea di che differenza passi tra una scena confusa e una ben coreografata, usa flash e fuoco/fuorifuoco manco fossimo in un thriller alla David Fincher, non ci regala mai un solo momento che tu non possa pensare “Dov'è l'oki per il mal di testa?”. Siamo in quella dimensione sublime dove il buon cinema dev'essere lasciato da parte, dove possiamo goderci "Gigi er bullo" senza problemi dell'occhio della madre, la carrozzina o il montaggio geniale. Si risponde fieri come spartani con un bel rutto seguito da scoregge e risate da commilitoni. E' cinema tagliato con l'accetta che potrebbe essere fatto meglio, ma ci va bene così: se Van Damme è un ristorante, questa è una trattoria ma non è detto non si mangi bene e alla fine non ci si alzi sazi, paciosi e contenti.

In questo mondo di crisi, di lavoro mal pagato o altro che non c'è, di donne matarazziane, di figli perduti, di un bel vaffanculo che nasce spontaneo, una serata svacco è sacrosanta: banditi perciò i buoni sentimenti che non siano pacche sulle spalle fraterne o un rapporto padre e figlio alla Over the top, c'è spazio solo per il sangue. E su questo Ring of death non lesina, i combattimenti sono feroci con la variante di pestaggi con armi pesanti e filo spinato, lo sfondo della prigione è suggestivo quanto basta per pregare Dio con un brivido di non capitarci mai, il tasso di violenza va a pari passo con una sceneggiatura che non si vergogna di proporci clichè su clichè con una cretineria di scelte narrative imperdonabili anche per un B-movie.

E' la sagra dell'inverosomiglianza, dell'idea che se lo sto raccontando devi crederci con l'accumulo ridondante di snuff-movie e belle donne per farci perdere di vista la consapevolezza della cazzata. Gli attori si distinguono tra cani e cagne, senza possibilità di appello, e dispiace un po' sia stato buttato in mezzo al gruppo, forse per i suoi trascorsi in Prison break, uno Stacy Keach (grande interprete altrove) in versione tremendamente gigionesca e fuori parte.

Ring of death lo si vede con piacere e lo si dimentica altrettanto con piacere, non fa parte di quelle pellicole che ci porteremo con noi in un ipotetico viaggio su Marte, ma non di solo Kubrick l'uomo deve nutrirsi. Perfetto nella sua imperfezione: e ci va bene così!

Keoma

Three the Hard Way - Dinamite, Agguato, Pistola

2012-01-16T06:00:00.000+01:00

1974, Gordon Parks Jr.

Arriviamo adesso ad uno dei titoli culmine dell'era blaxploitation, “Three the Hard Way”, “Dinamite, Agguato, Pistola”, secondo il titolo abbastanza assurdo della sua uscita cinematografica italiana, mai uscito in home video fino al 2010 in R1, è uno piu “lucidi” esempi, riusciti di film di quel particolare filone.

Con tre delle più grandi stelle dell'epoca, Jim Brown, Fred Williamson e il famoso marzialista nero Jim Kelly, Williams di “Enter the Dragon” (I Tre dell'Operazione Drago) ('73) di Robert Clouse. L'assurdo spunto iniziale è già di per sé impagabile, narrando di come un gruppo di fanatici della supremazia bianca stia pianificando di attuare un genocidio su scala nazionale degli afroamericani, versando dell'acqua nella rete idrica degli acquedotti di tre grandi città con una tossina in grado di colpire solo le minoranze. Simile a un'epidemia di colera, la morte sopraggiunge dopo soli tre giorni di tempo. Da ora in poi nel film sarà tutto un continuo riferimento al numero tre.

Il film è stato diretto da Gordon Parks Jr., che già aveva diretto “SuperFly” ('72), uno dei film cardine e di più grande successo del filone, figlio di Gordon Parks regista di “Shaft” il film che portò il cinema blaxploitation al pubblico mainstream. Parks aveva continuamente espresso risentimento verso la monetizzazione del genere fino alla sua morte in un tragico incidente aereo anni più tardi. Il suo più grande successo in questo film è la fede che ha avuto nel carisma che il trio di attori avrebbe apportato. I bianchi cattivi (un nemico costante nel genere) sono così comicamente malvagi, che sono ancora più bassamente destrorsi e fascisti nemmeno fossero personaggi dei cartoni animati. Ciò potrebbe anche essere usato per accrescere il livello di violenza, per essere sicuri che ci siano molte scene d'azione (la maggior parte sono splendidamente girate e fotografate, oltre che coreografate, basti su tutte la splendida sequenza dell'inseguimento a piedi di Williamson e Brown per le strade di Chicago, e sulla celebre sopraelevata della metropolitana, o la magnifica, essenziale sequenza di Kelly che stende a colpi di karate un nugolo di poliziotti, in una strada di Manhattan battuta da un fortissimo vento; girata con uno stile fatto di estetizzanti rallenti e soprattutto, otturatore accellerato, che lascia basiti ancora oggi, è forse la prima volta che venne girata una sequenza con questo stile, ben ventiquattro anni prima che Spielberg realizzasse così il celebre inizio dello sbarco su Omaha e Utah Beach, in “Save the Private Ryan” (Salvate il Soldato Ryan) ['98], facendo scuola) e persone che vengono spazzate via dalle belle esplosioni presenti nel film, ma non vi è quasi sangue e poco gore, e niente di eccessivo.

La scellerata sceneggiatura è talmente esilarante nella sua gravità che il film diventa quasi "troppo", quando i protagonisti sono invitati a mostrare altro che la loro cooliness e rabbia. Una delle grandi gioie di un film come “Three the Hard Way” è nel suo continuo testimoniare l'assurdità dell'assunto. Prendere ad esempio la scena in cui gli eroi vogliono ottenere delle informazioni da uno dei razzisti catturato. Cosa fanno? Bene, chiamano tre splendide dominatrici ognuna di una diversa etnia, motocicliste Kawasaki in tuta e casco integrale, ognuna di un colore diverso, e tutte e tre lo tortureranno rigorosamente in topless e belle sudate. E' una trovata così esageratamente pulp che è sorprendente Tarantino non l'abbia ancora rubata.

Anche se la trama è sottile come la carta l'azione come detto è molto ispirata, i tre protagonisti maschili sono molto bravi e simpatici. Questo film d'azione blax realizzato comunque a low-budget, aveva d'altronde come il precedente "SuperFly", major come la Warner per la sua distribuzione. Fred "The Hammer" Williamson, Jim Brown, Jim Kelly ... tutti sullo schermo e allo stesso tempo. Si può pretendere niente di meglio, per ogni amante della Blaxploitation? Probabilmente no, non si può ottenere niente di meglio, ed è anche uno dei motivi principali per cui non si può, se si è veri appassionati del filone e del cinema d'azione americano anni '70, non adorare un titolo come questo. Il merito del film, che è riuscito a mettere insieme queste tre travolgenti personalità è del regista Gordon Parks Jr. e "Three the Hard Way" è proprio il tipo di film per cui è stata inventata la parola "classico".

La maggior parte delle versioni a causa di dispute sui diritti rimuove almeno una delle canzoni di Curtis Mayfield. Il DVD Warner Home Video R1 del 2010 pubblicato per la prima volta e contenente anche "Black Samson", le ha ancora rimosse.

Napoleone Wilson

La moglie più bella

2012-01-15T06:00:00.000+01:00

1970, Damiano Damiani.

Senza scendere troppo in dettagli, il film è la storia - secondo alcune fonti ispirata a vicenda vera ma non ne sono certo - di Francesca Cimarosa e della fiera opposizione al suo matrimonio col giovane boss Vito Juvara. Siamo ovviamente in Sicilia.

Dopo una serie di "offese" insopportabili per un uomo d'onore, Vito organizzerà un rapimento per ottenere, dopo sverginamento forzoso, l'agognato matrimonio. Una fuiuta priva però del consenso, niente di strano da quelle parti. Non ci sarà niente da fare invece e non solo, Francesca con un coraggio leonino lo denuncerà per violenza carnale.

E' un genere di vicenda che oggi conosciamo bene. Non era altrettanto nota nel 1970, anni in cui in Italia era ancora in vigore nel codice penale il "delitto d'onore" e il "matrimonio riparatore", non so se mi spiego. La storia di Francesca poi è veramente eroica. Abbiamo un gran parlare, noi che viviamo lontano nel tempo e nello spazio da certe realtà, ma in certi luoghi ancora oggi entrare nella caserma dei carabinieri, il solo metterci piede, è fonte di grossi problemi nella normale convivenza civile. Non si tratta solo di affrontare Vito, ma un'intera comunità dove un comportamento simile è inconcepibile persino dai preti. La stessa sua famiglia darà addosso alla povera ragazza minorenne, la quale alla fine si dimostrerà capace di... sarà un finale amaro. Come dice il prete alla ragazza "Felicità??? ma di che parli!", ecco, è una parola che nemmeno va contemplata.

Bello, fatto bene, con anche qualche buona scena d'azione. D'altronde parliamo di Damiano Damiani che il film se l'è anche scritto. La protagonista totale è però Francesca, la Donna forte di un desiderio di emancipazione "normale". Qua non parliamo di femminismo, dovremmo parlare di affrancamento dalla schiavitù perché quello era il destino delle donne siciliane. Tempo fa in un libro lessi che gli schiavi africani deportati nelle americhe consideravano una tragedia figliare femmine e se erano belle era ancora più grave. Il "peccato" di Francesca, ragazza di umilissime origini, è di essere bella e povera. La sua famiglia è una "baraccata" del Terremoto del Belice (1968), terremoto che fa da sfondo a molte scene (film girato a Cinisi, provincia di Palermo) creando particolari atmosfere di degrado e rassegnazione. Una disgrazia che rese le famiglie povere ancora più alla mercé dei mafiosi, e d'altronde ancora oggi sappiamo bene che ad ogni catastrofe naturale c'è qualche cricca che brinda e festeggia per l'occasione di potere e soldi che comporta.

Decisamente meritevole di visione e altre riflessioni se ne potrebbero trarre. E' un film interessante anche perché è quello d'esordio di una delle nostre attrici più importanti e belle di quegli anni, Ornella Muti che all'epoca aveva solo 14 anni, nei panni non certo semplici di Francesca. Ho visto da lei interpretazioni migliori ma in epoca più matura. Considerata l'età è da elogiare. Bravo anche Alessio Orano nei panni di Vito. Alessio diventerà poi il marito di Ornella nel 1975.

Robydick

Squadra antiscippo (aka: The Cop in Blue Jeans)

2012-01-14T06:00:00.000+01:00

1976, Bruno Corbucci.

Primo capitolo delle "Squadre" di Corbucci-Amendola (Mario), per chi scrive il migliore con "Squadra Antitruffa" (1977). Inutile dilungarsi per puntualizzare cose che sanno anche i sassi, qui abbiamo a che fare con il maresciallo Nico Giraldi detto Er Pirata e non con Marazzi Sergio detto Er Monnezza, anzi il film in questione uscì prima del cult lenziano, dati alla mano, "Squadra Antiscippo" Visto Censura n.68028 del 10/03/1976 e "Il Trucido e lo Sbirro" Visto Censura n.69002 del 27/08/1976. Ciò non toglie che questa prima incarnazione del personaggio protagonista di una filiera di undici film dal 1976 al 1985, ricordi, con le dovute differenze, sia chiaro, il Rambo de "Il Giustiziere Sfida La Città" (1975) di Umberto Lenzi.

Certo il Nico Giraldi di "Squadra Antiscippo" già presenta in nuce i germi del personaggio che poi si vedrà nel resto delle "squadre", in "Assassinio Sul Tevere" e nei "delitti", tuttavia l'impalcatura poliziesca sembra occupare più spazio rispetto alla commedia; non c'è Bombolo/Venticello mentre i collaboratori storici di Giraldi cominciano a fare capolino sullo schermo, Massimo Vanni/Gargiulo a parte (qui interpretato da Raf Luca).

Ottimo cinema popolare, nel senso migliore del termine, che non spreca pellicola, anzi, gli ottantotto minuti del metraggio vanno via lisci come una pinta di Carling Gold, con scippi, inseguimenti, pestaggi e il faccione sornione di Jack Palance a dare quadratura al tutto (sempre grande, il vecchio Jack, magnifico quando soffia anelli di fumo mentre fa giustiziare un infame). Macro citazione dal "Serpico" di Sidney Lumet, presente sia in locandina che"fisicamente" come nome di battesimo der sorcio de Giraldi e tanti volti dell'amato bis nazionale, da Franco Garofalo a Marcello Martana,Vincenzo Crocitti, Benito Stefanelli, John P. Dulaney, pure Jack La Cayenne che non rinuncia ad esibirsi in sala da ballo, fino a Toni Ucci, nel ruolo di Grottaferrata, il ladro che insulta via telefono il maresciallo Giraldi, parterre attoriale che funge da collante tra le battute sarcastiche e gli inseguimenti spettacolari condotti dalla O.A.C (Organizzazione Acrobatica Cinematografica).

Ancora godibile, non c'è che dire, con un Milian più misurato ma sempre sugli scudi, cosa che non gli preclude la possibilità di uscirsene con scene cultuali come tutta la sequenza in discoteca, con la povera Maria Rosaria Omaggio inconsapevole complice della piazzata di Giraldi che per darsi un tono si finge pappone con mignotta a seguito, cominciando a insultarla e a maltrattarla di fronte a tutti, con tanto di scarpata finale a mò di commiato e la Omaggio che sembra davvero soggiogata dall'attore cubano; cultissimo, irresistibile, puro distillato del Milian touch settantesco, che, non contento, sfodera pure una memorabile battuta al Chiappetta (Angelo Pellegrino, altro volto bis avvistato in millanta produzioni, ancora attivo se non sbaglio) vistosa checca da disco-dance, che si becca un "A Chiappè, su 'sta fava nun se scureggia" da olimpo immediato.

Consigliatissimo questo "Squadra Antiscippo", anche se i detrattori potranno ribadire che "visto uno, visti tutti"; può essere, certo. Al solito i gusti sono gusti, tuttavia la filiera dei film di Corbucci Bruno è fulgida testimonianza di un cinema probabilmente oramai morto e sepolto per sempre, prova ne è l'orrendo remake vanziniano di qualche anno fa, televisivo ed inutile, segno dell'irriproducibilità del prototipo, tanto semplice quanto riuscitissimo nella sua dimensione "popolare". Mi pare ci sia pure il "nostro" Hal Yamanouchi nel gruppo di giapponesi a cui vengono scippate le valigie mentre guardano il culo del grassone, e pure Giovanni Cianfriglia e Quinto Gambi, in altre sequenze, non accreditati. Montaggio di Daniele Alabiso, fotografia di Nino Celeste e musiche di Guido e Maurizio De Angelis. Ahò, buona visione.

In chiusura, alcune perle gentilmente offerte da Nico Er Pirata:

Giraldi: Arbitro a cornutaccio! ma che non ha visto? era 'n rigore grande come na casa!

Giraldi: Attenzione Attenzione, messaggio speciale per il ladro Lando Rossi, detto grottaferata, dal maresciallo Giraldi. Prega che il portafoglio nun se perda, perché sennò finisci nella merda.

Maria Rosaria Omaggio: Ma tu lo parli l'inglese?
Giraldi: Sì, lo parlo ma nun lo capisco

Gargiulo: E mo c'aggia fa?
Nico Giraldi: E mo te lo dico io eh. Devi prenne un quaderno e scrive cento vorte: so 'n testa de cazzo, so 'n testa de cazzo, so 'n testa de cazzo, e in bella calligrafia così 'o capiscono tutti.

Giraldi: Alzati e cammina stronzo.
Baronetto (Guido Mannari): Ao ma chi è?
Giraldi: So Sant'Antonio del Friùli, er protettore dei paraculi

Giraldi: Bada che se te becco 'n arta volta pe te so piselli da evacuare.
Ladro: E vor dì?
Giraldi: Che so cazzi da caga!

Tifoso: M'hanno fregato er portafoglio porca puttana!
Mignotta: Ahò! T'hanno fregato er portafoglio e te la piji con me?

Giraldi: Tu dovresti avè diciott'anni precisi.
Scippatore: Come fa a sapello?
Giraldi: Perché c'è er fijo de 'n amico mio che ce ne ha 9 ed è mezzo scemo.

Chiappetta: Se vuoi esse carino potremmo da uscì 'nsieme una sera io e te
Giraldi: A chiappè, su sta fava nun se scureggia.

Belushi

Black Samson

2012-01-13T06:00:00.000+01:00

1974, Charles Bail.

[Nel bar di Samson. Nappa e un suo uomo stanno provocando e combinando guai. Samson si incazza, controllato]
Samson/Rockne Tarkington :- “Basta, tu e i tuoi uomini, fuori di qui!”
Johnny Nappa/William Smith :- “Ma tu hai un bar. Disponi di una licenza. Devi servire chiunque venga qui, non è vero?”
Samson :- [sorride] “Sì, ma questo è un pessimo bar, con un servizio ancora più scadente!”

"Samson" -in italiano sarebbe “Sansone” (Rockne Tarkington da “Ice Pirates”, ma anche da qualcuno conosciuto finanche da queste parti grazie alla mia di rece per “The No Mercy Man”[America violenta]['73] di Daniel Vance) è un cazzutissimo barista nero con un locale in una delle strade da bassifondo del centro della città, il quale ripulisce le strade dalle droghe e dai farmaci. Un mafioso di nome Johnny Nappa (William Smith il grande, che con la sua interpretazione sopra le righe da solo costituisce la maggiore attrattiva del film) cerca di scalare la gerarchia di potere all'interno della “famiglia” facendosi le “ossa” proprio su Samson, pisciando quindi nemmeno lui sa quanto, letteralmente “fuori dal vaso”. Quando Johnny poi rapisce la fidanzata di Samson (Abby Carol Speed, racchia), l'intera comunità si unisce per eliminare i cattivi della famiglia mafiosa.

Definire “Black Samson” un film che “da i numeri” sarebbe troppo poco. Questo film è quello che si dice una pellicola che mantiene esattamente le promesse. Per esempio, Samson tiene un leone incatenato nel bar come fosse un animale domestico. Questo è già abbastanza freak, oppure no? E so cosa uno starà pensando: Ad un certo punto qualcuno andrà a scoparee si dimenticherà il leone, il quale spezzerà la catena e se li mangerà mentre stanno chiavando. Indovinate un po'? Bèh no stavo scherzando, almeno questo non accade. Ma perché allora introdurre un enorme leone dall'ancora più enorme culone in un contesto urbano, per poi trattarlo come nient'altro che un mobile?

Poi c'è la sottotrama in cui viene inviata la starfichetta ragazza bianca del cattivo Johnny Nappa a farsi assumere come spogliarellista dalle tettine di burro nude, e a spiare Samson. Qualsiasi intenditore di film blaxploitation sa che l'eroe nero deve andare a letto con la donna del bianco cattivo, e farle sentire quello che Tarantino ha chiamato “The Biggest and Power of the Loved Big Nigger Cock”, così da farle provare il “grande piacere che diventa quasi dolore” provocatagli dalla “Grande Fava Nera”. In modo da poterlo uccidere successivamente in preda anche alla più rabbiosa gelosia, ma soprattutto alla virile invidia di cotanta mostruosa dotazione negroide. In realtà, credo che sia un clichè indicato proprio nel Manuale della perfetta Blaxploitation. Ma qui, di sottrazione e sorpresa, non succede, solo Johnny pensa che Samson se la sia scopata. E per coronare il tutto, quello che lo psicopatico Johnny Nappa fa per lei è di gettarla fuori da una macchina in movimento andando almeno a 50 Km/h. Giusto ragazzi, non solo la bella supertopa bianca non ha potuto provare il Grande Piacere di “Super Black Fava”, ma rimane pure ridotta mezza uccisa! E' solo un altro esempio di come “Black Samson” giochi continuamente con il suo pubblico.

Il più grande piacere che ho di questo film è che ho sempre onestamente pensato che esso è una versione blaxploitation di Sansone e Dalila. Ero davvero impaziente di vedere la parte in cui la fidanzata di Samson, viene rasata dalla sua esageratissima, tra le più eccessive mai viste, cotonatura stile Afro, il che significa che ha perso tutte le sue forze e che dovrà dipendere esclusivamente dala sua intelligenza per sconfiggere i cattivi. Beh, quel momento non arriva.

E' stato un vero piacere vedere un Blaxploitation che abbia così potuto apprezzare, nuovamente, grazie al dvd Warner Usa R1 uscito nel 2010 che lo contiene, insieme a “Three the Hard Way”. Oltretutto, sono un grande fan di William Smith e la sua performance è certamente la cosa migliore del film. Smith ha costruito la sua carriera interpretando impareggiabilmenteviscidi teppisti ed è proprio particolarmente viscido e follemente “oltre i limiti”, in questo film. Smith offre un'interpretazione emozionante, e anche molto veloce e stilizzata, che soffia facilmente il il bravo ma più morbido Tarkington fuori dallo schermo, durante le loro scene assieme. Le scene d'azione anche se scarse, non sono banali, soprattutto come l'inseguimento finale, nel quale i cattivi si infrangono continuamente con le loro auto e devono costantemente ricorrere a rubare pistola in pugno le auto a delle persone, al fine di tenere il passo con Samson. Fino al folle, incredibile finale con tutti gli abitanti del ghetto nella strada del bar di Samson, che non rivelerò perchè è veramente la cosa più sorprendente ed eccessivamente bizzarra, del film.

Napoleone Wilson

La sindrome di Stendhal

2012-01-12T06:00:00.000+01:00

1996, Dario Argento.

Ed eccoci miei cari arrivati all'Orrore... l'Orrore quello puro. Per dirla alla Kurtz, e assolutamente non intenzionale da parte del regista. Da questo film in poi il maestro Argento avrebbe iniziato la sua inesorabile infinita discesa, inimmaginabile al tempo delle sue vette con "Opera" ('87).

Con l'avvento della videocassetta, e la costante pubblicazione su tale formato dei suoi film, un nuovo pubblico aveva potuto apprezzare il suo lavoro, e Hollywood intanto cominciava a prendere nota. Invitato in America per continuare la carriera, aveva appunto realizzato la precedente "antologia" a quattro mani con Romero sulla base di alcuni famosissimi racconti di Edgar Allan Poe, "Due occhi diabolici" ('90), e aveva diretto negli Stati Uniti il film prima di questo dal titolo "Trauma" ('93). Nessuno dei due film era però stato un successo, e Argento si era diciamo arrabbiato per l'ingerenza delle produzioni e l'interferenza e la censura della MPAA. Era stato già bruciato negli anni '70, quando società come la Paramount e la Fox avevano deciso di distribuire versioni americane tronche di film come "Suspiria" o "Inferno". Ora, avendo bisogno di un nuovo progetto per tornare nelle grazie del suo pubblico europeo, che aveva sempre apprezzato di più i suoi film, pareva averlo trovato in un libro della psichiatra Graziella Magherini.

Che fare con un soggetto descritto come un "incanto dell'arte" – un surreale stato di fuga nell'arte in cui alcuni individui si sentono emotivamente sopraffatti e personalmente collegati ai dipinti, alle sculture e ad altre opere di alta raffinatezza estetica - questa "Sindrome di Stendhal" così come è denominata, sembrava essere l'idea perfetta per un film. Naturalmente, sarebbe stato difficile realizzare e rendere tutto questo solo con alcuni effetti speciali, per realizzare quest'obiettivo Argento aveva anche bisogno di un'attrice a cui potere affidare l'estenuante tour de force che avrebbe comportato essere protagonista di questa storia, non trovando di meglio che fidarsi gratuitamente per un ruolo così complesso di un'attrice così limitata come la figlia Asia. Un personaggio che, così come era nell'immaginazione di Argento avrebbe dovuto essere una donna (e appunto non una ventenne immatura, come era Asia all'epoca), che era abbastanza giovane per sembrare ingenua, ma abbastanza robusta per poter passare per una poliziotta, e sufficientemente complessa per gestire e risultare credibile nei diversi cambiamenti di personalità diverse che si verificano per tutto il film. E ancora peggio, questa attrice avrebbe dovuto anche porre a nudo se stessa nel corso di ben tre scene di stupro di cattivo gusto. Con un'aria di stranezza che solo Freud potrebbe decifrare con successo, Argento ha appunto sconcertato tutti e ogni convenzione, annunciando di avere affidato la parte di protagonista alla figlia ventunenne Asia. Sarebbe stato il suo ruolo più esigente, e da questo film la collaborazione con la figlia sarebbe diventata un connubio fisso nel cinema di Argento, e fallimentare.
E così la telecamera rotolò sul grande ritorno dell'icona Creepshow, un thriller psicologico che ha avuto entrambe le parti, che etichetta tutti troppo sul serio. Una strana combinazione di poliziesco d'investigazione (Asia è Anna Manni, una poliziotta sulle tracce di uno stupratore seriale), lo studio dei caratteri (dopo essere stata da lui brutalizzata, Anna comincerà ad avvicinarglisi sempre più), e di esercizi di exploitation (le donne sono brutalizzate e massacrate da questo sadico maniaco biondo), ma il risultato non ha potuto che lasciare basiti anche i fan più accaniti. Alcuni lo videro addirittura come un tentativo di ritorno alle glorie passate. Altri hanno sostenuto che, pur decente, fosse già un avvertimento del peggio che stava per venire. Infatti, nel successivo decennio, Argento avrebbe fatto uscire quattro lungometraggi cinematografici più un pilot per la RAI, veramente sconcertanti uno più dell'altro.- l'esageratamente incredibile e caricato sessualmente, inguardabile e irricevibile, "Il Fantasma dell'Opera" ('98), quello che dai primi dieci minuti poteva essere un buon giallo per poi franare irrecuperabilmente, e imperdonabilmente per Argento, proprio sotto il profilo visivo, cioè "Nonhosonno" ('01), lo staticissimo e figurativamente, stilisticamente piattissimo quanto un' episodio di "Ris", cioè il già ampiamente famigerato "Il Cartaio" ('04), e uno strambissimo, cialtronissimo omaggio intenzionale al suo idolo, ovvero "Ti piace Hitchcock?" ('05) e a degna conclusione di questa sconcertante pentalogia, l'oscena e non richiesta manomissione alla compiutasi "Trilogia delle Tre Madri", ovvero "La Terza madre" ('07). Stranamente, in comparagonazione a ciò che lo ha seguito, "La sindrome di Stendhal" appare quasi come più presentabile e legittimo, ma è rimasto comunque un film che non ha potuto offrire alcuna sua riscoperta o storicizzazione, neanche con la successiva uscita nell' home video.

In qualche modo, il fatto che la Troma avesse la distribuzione di questo film per il mercato nordamericano vuol dire tutto, e lo distribuì nella sua prima edizione in dvd.

Il film non ha più niente dello stile endemicamente lussureggiante di Argento, quello stile luminoso, qui senza più alcun supporto immaginifico e creativo. Tanto più mancante in quanto "La Sindrome di Stendhal" avrebbe voluto essere un progetto decisamente diverso e ambizioso, un film composto da particolari elementi, ognuno che cerca di affrontare un aspetto diverso dell'origine di una follia distruttiva nella mente di una giovane donna. Visto per parti, esso riduce lo stupro di una donna ad una serie di onerose domande. Non c'è dubbio di sé, dubbi sulla sessualità, né insicurezze. Tutti e tre questi dubbi sono qui illustrati, quando Asia va fiduciosa dallo psicologo Paolo Bonacelli di mettere ordine nel suo disagio psichico, a cui seguiranno quasi due ore (il film è anche troppo lungo) esageratamente cariche di eventi. La trasformazione della protagonista è sia fisica che mentale. In un primo momento, Anna Manni è una mora dai capelli lunghi, un ufficiale capace di lavorare ad un caso di alto profilo. Dopo l'aggressione, si taglia i suoi traboccanti riccioli e assume una personalità più sbarazzina e immatura. Infine, dopo la principale, terribile lotta in una cascata con l'assassino, la nostra eroina diventa una femme fatale, dalla lunga parrucca bionda, infondente una posticcia atmosfera da noir post-moderno, ad ogni pretenzioso movimento del capo.

All'interno di ognuna di queste sezioni del film, Argento vorrebbe suggerire allo spettatore gli orrori che si succedono nella testa di Anna. Inizialmente, tutto ruota intorno alla questione del titolo. L'uso per allora nuovo in un film italiano della CGI per realizzare i sintomi della sindrome è, anche se datato, la cosa migliore del film, e offrendo inusitatamente per il cinema italiano, immagini di ottima e ultraterrena qualità. Purtroppo, il lavoro di Asia per esprimere il disagio emotivo che circonda il suo disordine mentale, è semplicemente imbarazzante. Quando lei sviene dentro ad una tela di un dipinto classico, la sua evidente inadeguatezza sfiora il delirio. Il suo coraggio nell'affrontare scene anche molto spogliate e di "vulnerabilità" fisica durante lo stupro è stato in lei mal riposto. Il bravo e attivissimo attore tedesco Thomas Kretschmann (che in seguito avrebbe avuto notorietà anche negli Stati Uniti in film di grosso budget come "Blade II" e il "King Kong" di Peter Jackson), è un incredibile cattivo - il tipo di disinvolto demone che possiamo facilmente vedere come uno psicopatico dalla parlantina spigliata. L'interazione con le sue vittime è nociva, ma è lui l'unico che con la sua interpretazione tenti di aiutare davvero il film, stabilendo una certa incisività al suo personaggio e agli effetti dei suoi orribili crimini.

La seconda fase del film ci porta attraverso una sorta di cercata e goffa negazione della femminilità, nel momento in cui Asia va dal suo ragazzo (un completamente spaesato Marco Leonardi) per cercare di nascondere il suo dolore. Questo sarebbe potuto essere un segmento molto interessante, quello in cui Argento non si tirava indietro dall'infondere al film una connotazione drammatica e di humour nero. Invece, tutto si risolve in un assurdo rivolgimento di Anna in un personaggio di donna sboccata e dominatrice. Allo stesso modo, c'è una ridicola sequenza di boxe in cui Anna tira di boxe con un vecchio amico come parte di un allenamento, che dovrebbe essere simbolica della sua violenza e della sua perversa, acquisita, attrazione per la sopraffazione e il sangue. Per tutti i primi due quarti del film, si avverte come un confronto una sfida a distanza con il suo stupratore, dilungandosi molto fino all'ovvio momento della giusta e obbligatoria punizione cinematografica. Come regista, Argento gioca spregiudicatamente con lo spettatore, convinto come evidentemente è, che siano tutti baggiani disposti a farsi abbindolare dalla sua giocattolosa paccottiglia, ma alla fine gli unici disposti a crederci devono essere lui e i suoi amici, come il buon Cozzi, Art Director di questo film. Come il confronto tra Asia e l'assassino andrà a concludersi, ogni spettatore un minimo smaliziato sa bene come andrà a finire fin dai primi 15' del film, e nel quale non c'è proprio niente da dover indovinare. In effetti, è stupefacente come anche dopo che questo film è finito, rimanga ancora ben impressa nello spettatore che lo ha visto, che non c'è mai stata alcuna storia degna di essere chiamata come tale. Nella maggior parte delle opere di Argento, solito un momento di "climax", ne innescava tangenzialmente subito un altro di puro orrore, qui di tutto ciò non vi è invece più alcuna traccia.

Intanto nel film siamo arrivati alla terza fase della storia di Anna. Sentendosi un po' più forte, e lavorando sul suo trauma con lo psicoterapeuta Bonacelli (peccato per un bravo attore come lui, ma quelli delle speciose sedute sono momenti di rara staticità e dai ridicolissimi dialoghi, se mai ve ne fossero), ella cerca di recuperare un po' della sua femminilità e della sua "avvenenza". Lo svolgimento di questa trasformazione è sconcertante, dato che pretenderebbe persino di nascondere l'identità di Anna (e Asia) e il suo vero aspetto. In seguito diventa tutto ancora più ridicolo, riscoprendo Anna una passionalità, una possessività tumultuosa e schizofrenica, che la Argento non si dimostra minimamente in grado di padroneggiare e restituire, apparendo invece in tutta la sua insipienza e irritante incapacità. Tutti questi aspetti che si sono via via aggiunti, arrivati a questo punto hanno già reso il film lontano da ogni interesse e fascino, per lo spettatore. Dal momento poi che Argento era stato sempre considerato un maestro, un paradigma della stimolazione visiva e sensoriale, diventa ancora più difficile nascondere l'enorme naufragio del film, e l'evidentissimo problema d'ispirazione e di visione che si era già qui pienamente manifestato. In questo film non c'è più niente, se non solamente nei primi 15', della capacità, dell'abilità argentiana di creare tensione con la costruzione dei suoi film, e con le aspettative e gli imprevisti. Anche dopo l'epilogo, quando lo spettatore è pienamente informato, tramite uno dei suoi "spiegoni" finali, che cosa sia successo nella testa di Anna, il nostro Argento non riesce ad innalzare un finale che è veramente a coda di pesce, se mai ve ne fosse uno. Possiamo solo rimanere ad osservare la protagonista che viene portata via in collo tra un nugolo di poliziotti tutti uomini, finale che voleva forse avere delle evidenti aspirazioni simboliche, del tipo "Pietà michelangiolesca", in una ricomposta società maschile dominatrice, patriarcale, dal quale la nostra Anna ha cercato di affrancarsi, sfuggire, per tutto il film, ma che invece risulta anch'esso solamente ridicolo e posticcio.

Di conseguenza, è difficile trovare qualcosa di interessante da definire tale, ne "La sindrome di Stendhal", "horror" sì ma solo involontariamente, nel senso che di terribile ha solo la sua realizzazione, e il suo risultato. Vorrebbe essere un thriller psicologico ma non può, riuscendo a essere solamente un film ondivago e di rara superficialità come la bislacca e malata psiche dei suoi grottescamente sinistri personaggi. Come il film si sposta da uno dei suoi espedienti all'altro (ci sono un sacco di elementi che vorrebbero essere un esibito riferimento ad Hitchcock, qui) e che nei film argentiani di un tempo avrebbero conferito omaggio alla sua grandezza intrinseca, qui risultano solo come una stanca e superflua citazione meritevole e degna di un ben altro contesto. Per oltre tre decenni, Argento è stato visto come un fantasioso e onirico narratore visivo di favole nere, ma nel 1996 di questo film, era fin troppo esibitamente evidente come il surreale all'interno dei suoi film "de paura" fosse oramai un elemento ridotto a una sorta di mera quinta teatrale da robivecchi, senza più alcuna invenzione o novità di sorta, e degna di nota. Argento ha da questo film iniziato a fare film gialli se non polizieschi standards, che imitano il plot dei racconti da cui il genere stesso ha preso il nome e l'ispirazione. Difatti il film risulta banale e incasellato in una confezione quantomai sciatta e senza stile, mentre in tutta la pellicola, lampeggia diverse volte tutto ciò che può essere definito come inconfondibilmente trash.Questa contraddizione insita nel film è anche la causa principale del suo innegabile, fragoroso, totale, inevitabile tonfo.

Anche adesso, in prospettiva e nell'insieme, quindici anni dopo, il film non vale nulla, tolti forse quei primi 15' menzionati fino alla retata notturna delle puttane a Firenze, con la sequenza realizzata in CGI del proiettile sparato nella canna della pistola, rielaborazione e ri-citazione di un analogo dettaglio girato a bassissima velocità, sempre della traiettoria di un proiettile prima dell'impatto, presente prima in "Quattro mosche di velluto grigio" e poi in "Opera". Rielaborazione di momenti e sequenze del proprio cinema, che da qui in avanti diventerà una costante nei film di Argento più recenti. Argento aveva anche molto dibattuto la sceneggiatura con l'autrice del libro e consulente, la psicologa Graziella Magherini, ma senza evidenti esiti positivi per la coerenza della storia e la credibilità dell'assunto, forse anche perchè già il libro di partenza non è proprio mai stato un granché, ma oltretutto assolutamente inadatto a offrire alcuno spunto per un film di questo genere. Anche l'idea di voler ritrarre il disagio e la confusione psichica derivante dalla sedicente Sindrome di Stendhal, attraverso le immagini computerizzate -nemmeno malaccio, per essere un film italiano e perdipiù di quindici anni fa- e gli effetti e i trucchi animatronici di Sergio Stivaletti, non è molto riuscita e rimane solo allo stadio di abbozzo, subito tralasciata e poi del tutto abbandonata, dopo la primissima parte del film. Massimo Antonello Geleng scenografo del film, è stato l'unico a compiere un lavoro all'altezza delle sue capacità, confermate soprattutto nella sequenza all'interno dei Musei Capitolini.
Ma la colonna sonora di Ennio Morricone ad esempio, è indegna del Maestro che ha creato oltre 450 musiche per film, celestiali e straordinarie, come per fare due esempi tra centinaia appunto, possibili, di "Once Upon a Time in the West", e proprio per Argento, quelle dei tre film della "Trilogia zoologica". Non fu certo un ritorno felice, quella della loro collaborazione per questo film. Una colonna sonora senza mordente e stancamente ripetitiva, assestante un altro letale colpo alla già ben scarsa riuscita e attrattiva del film.ci aiuta a comprendere anche le altre difficoltà oggettive affrontate da Argento a partire da quel periodo per riuscire ad offrire un progetto decente, compresa la svanita ispirazione di alcuni dei suoi collaboratori più storici e fidati, una volta straordinari. A quanto pare, pure forze che un tempo erano normalmente una garanzia di risultato e di grande qualità, si sono quindi come rivoltate contro di lui. Per quanto riguarda la fotografia, essa è chiara e luminosa, ben equilibrata anche nelle sue frequenti scene d'ombra o di oscurità, senza sperò fruttare con connotazioni eccezionali il formato anamorfico, ma anche senza offrire più alcunchè espressione di quello che una volta era l'inconfondibile stile visivo e compositivo di ogni inquadratura, del nostro regista romano.

In definitiva, è davvero arduo poter riuscire a comprendere dove porre un film come "La Sindrome di Stendhal" e i seguenti, all'interno di una reputazione come quella di Dario Argento, che purtroppo questi film hanno propriamente macchiato, e incancellabilmente. Ancora più incredibile sarà il proseguo della sua carriera e il progetto immediatamente seguente, l'inapprocciabile "Il Fantasma dell'Opera", il quale sarà anche stato uno dei suoi film preferiti dell'infanzia, ma già da come ci si era accostato come progetto, era evidente fin da subito che pasticcio sarebbe stato. Come d'altronde questo, un film che costringe le donne nel ruolo di sottomesse un po' malate di mente e un po' anche puttane, le quali non riescono a sopprimere abbastanza a lungo la loro interiore insita puttanaggine, onde non evitare la ineludibile e sopraggiunta punizione e sofferenza. Un bel risultato davvero, da un romanzo che pur non essendo granché non c'entrava minimamente con tutto ciò, risultando un film che vorrebbe essere di impostazione più realistica del solito per Argento, ed invece non riesce nemmeno minimamente a tenere desta l'attenzione, e che anche all'interno di questa impostazione molto più realistica, e proprio registicamente, non è niente di più che una fragorosa caduta, della quale resta solo la molta e piuttosto gratuita ferocia, la violenza sanguinosa e una certa baldanza con pretenziose velleità "arty", la quale non ha nemmeno potuto minimamente aspirare tutta insieme a conseguire un risultato seppur per il mercato italiano, di alti incassi,figuriamoci "mainstream" come forse pure si prefiggeva. Questi suoi film più recenti a partire da questo che abbiamo preso in oggetto, rimarranno purtroppo anche come l'ultima eredità da regista di Argento, rischiando anche, accumulandogli uno dopo l'altro, di essere la sua più indistruttibile.

I film recenti di Argento hanno ricevuto reazioni miste dagli appassionati, tuttavia si pensa ampiamente che "La sindrome di Stendhal" sia uno dei suoi film più "forti" di questo periodo. I fan erano anche lieti di vedere Argento di nuovo collaborare con Ennio Morricone - che non aveva composto le musiche per i film di Argento dai tempi di "Quattro mosche di velluto grigio" (1971) - come pure un ritorno alle ambientazioni italiane dopo le due trasferte americane di "Due occhi diabolici" co-diretto con George Romero e "Trauma". Molti sono stati colpiti dal tono del film, che è molto più oscuro di quanto siano il giallo precedente di Argento e i suoi film soprannaturali: "La sindrome di Stendhal" infatti si concentra di più sugli aspetti psicologici della violenza che sulla violenza stessa. La scelta di Argento di dirigere una scena di violenza carnale che ha per vittima sua figlia Asia ha anche creato qualche controversia.

Curiosità

Argento ebbe anche l'idea di girare un altro film che avesse come protagonista il personaggio di Anna Manni. Poiché sua figlia Asia non era disponibile, il nome del personaggio fu mutato in Anna Mari ed interpretato da Stefania rocca. Il film in questione è "Il Cartaio" (2004), giudicato da una parte della critica come il peggior film mai diretto dal regista.
L'uscita dvd USA da parte della Troma è la versione completa dell' edizione in lingua inglese, ma, come tutte le versioni in inglese, è ancora mancante di circa 2 minuti di materiale esclusivo della stampa italiana.
La release italiana è di circa due minuti in più rispetto alla versione da esportazione inglese, compresa una scena aggiuntiva in cui Anna chiama il marito di una delle vittime di Alfredo, e un altro dove incontra la madre di Marie, interpretata da Veronica Lazar (il cui nome è incluso nei titoli di tutte le versioni, anche quelle in cui non compare).
L'uscita U.K. Del 2005, dalla Arrow Pictures, ha avuto tutti i precedenti tagli rinunciati nelle altre edizioni e contiene la versione integrale in inglese, anche se come tutte le versioni inglese omette due scene in esclusiva per la versione italiana. La ristampa del 2010 della Arrow è la versione completa e non tagliata.
Questo film è stato presentato in video nel Regno Unito, ma in una versione con 11 tagli per un totale di 2m. e 47s, che sono stati compiuti da parte del distributore prima di essere presentata alla BBFC per ottenere un certificato video. Questi tagli sono stati applicati alle scene di stupro, al lento impatto di un proiettile in traiettoria, e al volto di una donna che viene tagliato con un rasoio. La ristampa Arrow è la stampa completa e non tagliata.
La versione DVD pubblicata in DVD nel Regno Unito nel maggio 1999, contiene tutto il materiale che era stato pre-tagliato dalla versione video in Gran Bretagna. Dal momento che la versione integrale non è mai stata presentata al British Board of Film Classification, questa versione è stata ritirata e ripubblicata in una versione tagliata. L'uscita del nuovo montaggio ha un disco stampato in picture disc, mentre la versione integrale era su un disco stampato in bianco e nero. La ristampa del 2010 della Arrow è caratterizzata da una versione completa e non tagliata.
La Sindrome di Stendhal è una sindrome reale, diagnosticata la prima volta a Firenze, nel 1982. Chiamata così dopo che lo scrittore francese Stendhal alias Marie-Henri Beyle si dice avesse avuto sintomi simili nel 1817.
Questo da quanto è stato riferito, è il primo film fatto in Italia ad utilizzare la CGI.
Argento era all'epoca un convinto fan di Bridget Fonda e la sua intenzione era quella di affidargli il ruolo principale.
Argento cercòin un primo momento di ottenere Bridget Fonda o Jennifer Jason Leigh per interpretare il ruolo di Anna. Per poi ripiegare decisamente sulla figlia Asia, nel ruolo.
Questo sarebbe stato l'ultimo film per l'acclamato Direttore della Fotografia Giuseppe Rotunno. L'anno seguente avrebbe girato un documentario su Marcello Mastroianni prima di ritirarsi.
Il dipinto in cui Anna entra letteralmente è un dipinto di Rembrandt raffigurante alcuni poliziotti del 17 ° secolo e intitolato "Night Watch". Il dipinto che provoca lo svenimento di Anna nel museo è di Brueghel, e si chiama Paesaggio con la caduta di Icaro.
Secondo gli esperti circa l'80% della popolazione soffre della sindrome di Stendhal per gradi minori o maggiori.
Argento ha detto di aver vissuto da bambino la sindrome di Stendhal. Durante un tour ad Atene con i suoi genitori, il giovane Dario stava salendo i gradini del Partenone, quando è stato colto da uno stato di trance che gli ha fatto perdere i suoi genitori per ore. L'esperienza è stata così forte che Argento non l'avrebbe mai dimenticata, e vi ha subito pensato quando incontrò il libro di Magherini, che sarebbe diventato la base di un film.
Thomas Kretschmanna è stato lanciato come Alfredo Grossi, perché Argento lo aveva visto lavorare con Asia sul set di "La Reine Margot". Argento era rimasto abbastanza colpito da Kretschmann che avrebbe poi pensato a lui per il ruolo.
La colonna sonora di Ennio Morricone composta per il film (orrenda) segue la stessa musica eseguita in avanti o indietro!
Il filmato di Anna sott'acqua dopo lo svenimento nella galleria è stato girato nel mare - non in una piscina. La cernia enorme che bacia Anna è stato un modello costruito apposta che veniva tirato attraverso l'acqua da cavi collegati a un piccolo galleggiante sulla superficie del mare. Momenti di pura dopo il confezionamento le riprese sott'acqua, il pesce ha smesso di
Ad un certo punto il film è stato impostato per essere girato in America con Daryl Hannah come la protagonista Anna Manni. Il progetto fallì e la produzione fu trasferita in Italia.
Artisti di graffiti sono stati ingaggiati per ricoprire la tana sotterranea di Alfredo con i graffiti. In una notte il gruppo ha creato oltre un centinaio di metri quadrati di muri coperti di graffiti su quel posto.

Napoleone Wilson

Oscenità (aka: Quando l'Amore è Oscenità)

2012-01-11T06:00:00.001+01:00

1973, 1980, Renato Polselli.

Eravamo rimasti a "Rivelazioni di uno Psichiatra sul Mondo Perverso del Sesso" (1973), ora riattacchiamo bottone con il G.R.P (Gruppo Renato Polselli) già incontrato da queste parti ("Delirio Caldo") e che non ha assolutamente bisogno di presentazioni. Questo "Quando l'Amore è Oscenità" come di consueto per Polselli, conobbe diversi problemi giudiziari e distributivi che portarono ad una tardiva uscita cinematografica solo nel 1980, ridoppiato e rimaneggiato con il titolo "Oscenità".

Come già detto tempo fa, i film di Polselli sfuggono a qualsivoglia definizione critica, nel senso che è impossibile avvicinarglisi con un metro di giudizio "normale"; film brutto, film bello, film di puro intrattenimento, non siamo proprio da queste parti, anzi, il cinema polselliano è esperienza da toccare con mano, da vedere in prima persona, un cinema che va "oltre", sporco, anarchico, esploitativo, sgradevole a volte, ma innegabilmente vivo e non plastificato.

Che dire di una pellicola che comincia come un cialtronissimo film d'amore sulla spiaggia con coppia innamorata che si trasforma improvvisamente in una sequenza di molestie (vedi il vecchio al cinema che importuna la ragazzina) e violenze sessuali senza vergogna alcuna. Mirellina Rossi (bellissima e conturbante) litiga con il mitico Dean Stratford/Dino Strano (gli amanti dello spaghetti-western bis-bis lo conosceranno senza meno), lui spara fuori frasi di questo tenore: "La finzione della scena è stata bruciante, mi sei rimasta sulla pelle; non esiste nessuna ragione per cui io rinunci a te...", lei fugge seminuda, si fa caricare in auto da un coatto, questi tenta di violentarla, poi intervengono due guardoni/maniaci sessuali che immobilizzano lui e violentano lei (uno dei due) interrotti dall'arrivo di Dino Strano che ingaggia un combattimento con i criminali per venire accoltellato al braccio. Puro trip psichedelico/psicototronico da Polselli Touch che subito dopo si sposta a casa di di Isarco Ravaioli, sodale del regista che girava spesso e volentieri a casa dell'attore, sedicente Dr. Roberts che sembra patrocinare una riunione massonica in cui tutti i convitati hanno usato violenza alla povera Mireille/Mirella Rossi.

Un film che si scrive da solo, questa volta nel vero senso della parola. Il viaggio di Polselli mischia sesso simulato, rappresentazioni ardite del peccato originale, affreschi pittorici, donne che si masturbano con le pietre, pissing, sodomie, corse motociclistiche e cimenti protoporno, con tanto di scene hard esplicite, vedi l'orgia con pannocchia insinuantesi nella vulva di una delle partecipanti (tutto ripreso), il rapido cimento hard da tergo dopo la corsa tra i motociclisti e, soprattutto, la scena in cui Anna Maria Ardizzone si concede all'asinello Cicillo nell'intimità di una stalla, dettagli del membro (posticcio?) dell'animale compresi, ma tant'è Polselli aveva una passione per la zooerastia, nell'84 diresse pure Marina Hedman Frajese in "Marina e La Sua Bestia" accreditato però a Arduino Sacco.

Nella versione originale e non rimaneggiata pare che il film prendesse le mosse in seguito alla decisione della commissione di censura di non fare uscire un film ritenuto "osceno", per poi, da qui, partire su un excursus sulla sessualità e l'oscenità insita nelle situazioni rappresentate; scena che non compare nella versione divulgata, a questo proposito illuminanti sono le dichiarazioni rese dallo stesso Polselli ai nocturniani: "Devo dire però che in quasi tutte le mie pellicole, anche quelle che ho diretto negli anni settanta, è presente un tentativo di denuncia. "Oscenità", che all'inizio doveva chiamarsi "Quando l'amore è Oscenità", venne respinto dalla censura perché, come tanti altri miei lavori, portava avanti un discorso contro il potere e contro i tabù che quest'ultimo è interessato a perpetuare e consolidare all'interno della società. In particolare in "Oscenità" (negli episodi su Girolamo Savonarola e Galileo Galilei, poi assenti nella riedizione ottantesca) mi lanciavo contro l'oscurantismo della chiesa cattolica, ma la censura, come ho già detto, mi bocciò il film, e io fui costretto a modificarlo e a farne un prodotto "femminista", a favore delle donne e del loro diritto a non essere vessate dal maschio. Non bisogna dimenticare che i poteri religiosi si sono impadroniti del pudore della massa popolare e li hanno travolti convincendoli che osceno era tutto quello che non stava bene al potere".

Molto avanti sui tempi, anche troppo, il vecchio Polselli, gran cinematografaro che da "Solitudine" (1961), "Ultimatum alla Vita" (1962), "Avventura al Motel" (1963) con Franchi e Ingrassia, passò poi a cose come "Mondo pazzo...Gente Matta" (1966) fino alla ardite sperimentazioni settantesche, assolutamente libere, iconoclaste, assurde, irripetibili che portarono a "Riti, Magie Nere e Segrete Orge nel Trecento", all'hard autoctono (le collaborazioni con Bruno Vani) passando, appunto, per questo "Oscenità", consigliato a chi ama rimestare nella produzione italica più oscura ma non per questo meno interessante. Anzi, qui ci sta molta carne al fuoco. Molta. Con tanto di orgia finale con frustate e ceri masturbanti. L'8 febbraio del 1980, la riedizione del film curata da Polselli e Scino Glam (il ridoppiaggio si può notare chiaramente) ottenne il nulla osta per la distribuzione nelle sale con il divieto ai minori di 18 anni, per essere poi sequestrato nel giugno dello stesso anno. Versioni in vhs divulgate prima dalla Camen Cinematografica/Hobby Video e poi dalla Shendene & Moizzi, che naturalmente non restituiscono la versione originariamente pensata da Polselli. Imperdibile. Con Mirella Rossi, Isarco Ravaioli, Dean Stratford, Brad Euston, Ivana Giordan, Franca Grey, Luciano Conti. Fotografia sporca di Giorgio Montagnani, montaggio di Roberto Colangeli, commento musicale di Umberto Cannone.
Buona visione.

"E chiedo a Voi per quale ragione io e tutte le altre si debba sottostare a continue violenze mentali e fisiche, perchè è certo che se le avete fatte a me non le avete risparmiate a nessuna di quelle che avete incontrato". Mè cojoni.

Belushi

The Driver - Driver l'Imprendibile

2012-01-10T06:00:00.000+01:00

1978, Walter Hill.

Appena possibile guarderò l'ottimo remake di Nicolas Winding Refn, "Drive" splendidamente descritto qua da Napoleone. Intanto mi sono ripassato il Capolavoro d'origine, perché sì, questo è un Capolavoro di genere con la maiuscola, senza se e senza ma. Quale genere? Forse qua ne è stato fondato uno. Thriller e Azione non bastano a catalogarlo.

Il Pilota (Ryan O'Neal, un'icona dopo questo film) è un manico da paura a guidare le macchine. Sfrutta il suo talento al servizio di rapinatori. Loro fanno la rapina, lui li trasporta per la fuga. Mai acciuffato. Lo chiamano Cowboy, soprannome non casuale. Parla pochissimo, glaciale anche alla guida, e non è vero che non usa la pistola: solo quando serve. Nessun errore è ammesso, ingaggiarlo costa molto caro, difficile averlo in squadra ma è il migliore e se ne dubiti te ne dà prova devastante. Un Samurai del volante.

La Giocatrice (Isabelle Adjani, bella come non mai, sembra disegnata da Milo Manara) pare "una cowboy". Anche lei rischia nella vita, ma solo soldi, come farà notare a Il Pilota. Attrazione fatale, lo proteggerà, ma niente amore, né sesso. Ogni minuto di vita è già da brividi. Non ci sono garanzie e questo per Il Pilota, se detto chiaro, è la migliore garanzia.

Il Detective (Bruce Dern, bravo almeno quanto Ryan O'Neal) è ossessionato dal doverlo catturare, incastrare. Escogiterà una trappola con dei rapinatori che tiene sotto ricatto: o fanno quello che gli dice lui o li sbatte in galera, nel frattempo li mena. Anche per lui la vita è come un gioco d'azzardo. La pagina del giornale preferita? Quella sportiva, si parla di gente che "o vince o perde", non c'è mezza misura. Non è un "bastard", è di più, ma in fondo fa il suo mestiere.

Perdi tempo durante il film a cercare i nomi dei personaggi. Non ne hanno. I titoli di coda spazzeranno i dubbi: si chiamano solo coi loro "compiti assegnati". Geniale Walter Hill, che "The Driver" se l'è anche scritto. L'attenzione è tutta sul ruolo.

Si ha un gran dire certe volte dei film c.d. Puri. Eccolo, questo lo è. Un'ora e mezza tesa, sempre. Spettacolo ineguagliabile delle scene d'inseguimento e qua non c'è CGI, c'è carne e lamiere. Forse il vero degno erede di "Bullitt" al quale deve certamente molto, come tutto il cinema con inseguimenti motoristici dal 1968 in poi, ma senza riverenza e Ryan O'Neal può guardare a testa alta Steve McQueen, almeno per una volta nella vita.

Questo film mise d'accordo tutti, critica (tranne qualche parruccone) e pubblico. Cose che riescono di rado. E' magico. Ha realizzato quella che alcuni chiamano Synchronicity, che nel Cinema significa commistione perfetta di immagini (è un film notturno, i fari e le luci si esaltano), musica (pochi e dosati tocchi curati da Michael Small), interpretazioni (già descritte). Puoi guardarlo più e più volte, proprio come fai con un fumetto che ti piace e il paragone calza alla perfezione.

Visione obbligatoria.

Robydick

Nestore, l'ultima corsa

2012-01-09T06:00:00.000+01:00

1994, Alberto Sordi.

"Nestore, l'ultima corsa", penultimo film girato da Alberto Sordi prima dell'infausto "Incontri proibiti" ('98, rimontato nel 2002) è il suo preferito tra tutti quelli da lui diretti, ma anche uno dei più incompresi dalla maggior parte delle recensioni ricevute.

Girato nel settembre-ottobre del 1993, è stato il progetto più inseguito e personale di Alberto degli ultimi anni, e nel quale vi si possono ritrovare tutte le tematiche che erano care a lui come a me quando ero sottosegretario allo spettacolo, e che ho sempre convintamente cercato di portare avanti nell'esercizio delle mie cariche. Purtroppo, con questo film Alberto e il suo sceneggiatore di sempre Rodolfo Sonego, non riuscirono a creare i presupposti affinché in molti fossero indotti ad andare a vedere il film, che anche a causa di una distribuzione molto carente, fu un insuccesso sul quale meditare.

Essendo stato chiamato a presentare questo film, convinto come sono della sua bontà, vorrei fare alcune osservazioni. Il film è molto malinconico ma qualcuno ha detto che esteticamente non è bello, ma come sapete e ho già ripetuto altre volte, a me dell'estetica non me ne è mai fregato un bel niente. L'interpretazione del mio amico Alberto è stata improntata da una grande misura e mestiere d'attore. Le eccezionali abilità di Sordi interprete, ma anche le tanto sminuite qualità di Sordi regista, riescono ad infondere a questo suo film delle sfumature inaspettate e persino sorprendenti. Il suo personaggio poi è talmente simpatico, che è impossibile non volergli bene. Eppure, questo film è stato spesso criticato per i supposti difetti “un uso anonimo, didascalico e piatto della messa in scena”, non si può invece non ostentare direi quasi con “orgoglio”, pur fra magari un po' di banale qualunquismo, che a me come al caro amico Alberto hanno sempre rinfacciato, la coraggiosità di proporre nel 1994 una storia così anticonformista nella sua poca appetibilità commerciale, e con ben evidenti e forti riferimenti autobiografici, per cui nel bene e nel male non è assolutamente un altro film del “monumento, l'emblema del qualunquismo italiano nazional-popolare”, come l'impetuoso giovane Nanni Moretti nell'infausto e durissimo 1978 di "Ecce Bombo" aveva inveito, e ferocemente gli rinfacciò, ma anzi una storia per cui non doveva essere così duramente criticato come fu. “Qualunquismo” per altro che il mio amico Alberto ha sempre scherzosamente rivendicato, pur tenendosi ben lontano dalla politica per tutta la vita, e di poter “considerare sé stesso come un conformista dagli inevitabili compromessi”, ma non era vero non è mai stato vero. Alberto è stato sì amico di politici di destra come di sinistra, ma non dichiarando mai le sue preferenze politiche ed elettorali, e solo come mi ha confessato personalmente poco prima della morte, di essere sempre stato un mio elettore.

Trama desunta:
Gaetano (Alberto Sordi) vetturino che ha passato la vita tra le strade di Roma col suo fido cavallo, Nestore, che però negli ultimi tempi comincia ad avere qualche difficoltà a trainare il calesse. Così che Otello (Eros Pagni), proprietario del calesse, decide di venderlo a Cinecittà, segnando la fine del suo lavoro. A questi si presenta lo spettro di dover portare Nestore al mattatoio per "l'ultima corsa". Ma Gaetano non ha il coraggio di lasciare a tale fine quello che considera praticamente un amico e grazie all'aiuto del nipote Ferruccio, cerca un posto per tenerlo. Proverà per prima cosa a piazzarlo nel garage della figlia Iris, che peraltro lo disgusta perché fa la spogliarellista in un teatro quando gli aveva detto che faceva danza classica, ma dovrà ben presto toglierlo da li, perché il compagno di lei tornerà con una lussuosa Lamborghini, di dubbia provenienza. Mentre cerca una sistemazione al cavallo gli zingari glielo sottraggono, si reca al commissariato e per una vecchia pendenza del 1939 quando aveva 24 anni per aver approfittato di un'amante di Mussolini da lui scaricata per l'entrata in guerra dell'Italia, lo portano in questura. Per fortuna le cose si chiariscono e la polizia ritrova il cavallo nell'accampamento degli zingari che ne volevano fare salsicce. Vagando per Roma Gaetano ritrova una vecchia amica che sembra disposta a piazzare il cavallo nell'agriturismo che gestisce fuori città, ma la cosa finisce ben presto a far litigare la donna col genero, vero proprietario dell'immobile, costringendo il povero Gaetano a riprendersi Nestore. Su suggerimento del nipote si reca presso l'ospizio che dovrà ospitarlo per tenere il cavallo nel loro giardino ma le suore di notte a loro insaputa portano il cavallo al mattatoio. Svegliato da Ferruccio i due si recano lì ma è troppo tardi. Entrato da solo Gaetano vede un incessante scenario di immagini raccapriccianti in cui i cavalli vengono tramortiti, scuoiati e sezionati. Alla fine sconsolato e avvilito Gaetano raggiunge il nipote. Ma lungo la strada deserta entrambi hanno l'impressione di ascoltare il tipico calpestio di Nestore seguito dal suo nitrito, si voltano ma è una loro impressione come quella di vedere a tratti il cavallo che sembra voglia raggiungerli come era riuscito sempre a fare prima della sua "ultima corsa".

Scioccanti come non avrebbero potuto essere altrimenti, le scene girate al mattatoio di Cinecittà, forse un po' eccessive e dissonanti con il resto del film, ma è quello l'effetto che volevano ottenere. Alberto d'altronde si sentiva permeato di una profonda tristezza e di essere oramai dagli anni settanta già fuori sintonia con i tempi, e per il lungo periodo del suo tramonto, ma questo film a cui era veramente molto affezionato, vera sorta di epilogo-testamento offre un'immedesimazione di Sordi attore nel personaggio a lui tanto congeniale di Gaetano il vetturino, vecchio ma anche stanco, condannato dopo infinite peripezie e amarezze a ritirarsi in un ospizio di suore.

Il film non è in definitiva affatto pessimo come molti hanno scritto, purtroppo a parte un al solito splendido Eros Pagni nel ruolo de “Il Marchigiano”, personaggio per altro troppo poco utilizzato, il cast non brilla eccessivamente per qualche degno contraltare del protagonista, anche se c'è pure Enzo Monteduro improbabile Commissario di P.S. Dalle dotte citazioni e conoscenze politiche, di Storia del ventennio. Anche se non dovrei dirlo, strepitosa la parentesi con la figlia al Teatro Volturno.

L'Andreottiano

Quién sabe? (aka: A bullet for the General) (aka: El Chuncho)

2012-01-08T06:00:00.002+01:00

1966, Damiano Damiani.

C'è ancora bisogno di presentazioni? "Chi lo sa?" risponderebbe, forse, El Chuncho/Gian Maria Volontè, magari ridendo mentre impugna una pistola. "Non comprare pane! Comprati la dinamite", non ci poteva stare epitaffio migliore a suggello del (grande) western di Damiano Damiani, ancora bello, magniloquente, cinematografico a 360°, con polvere, sudore, proiettili d'oro e rivoluzionari messicani.

A chi scrive basterebbero i volti, i primi e primissimi piani di Volontè, Martine Beswick, Lou Castel e del magnifico, stratosferico Klaus Kinski a dare quadratura al tutto, a rendere la pellicola cosa degna di essere ricordata e custodita da tutti gli amanti del genere e non, a ricordare, appunto, come qui in Italia si prendeva di petto il genere dei generi senza alcun complesso di inferiorità, anzi, dietro i grandi come Leone, Corbucci, Sollimac'era pure tutta una ciurma di cinematografari pronti a sfornare western come se la richiesta non dovesse finire mai. Quindi vai con i film di Miles Deem/Demofilo Fidani, Sergio Garrone, Gianni Crea, Edoardo Mulargia e Ferdinando Baldi e chi più ne ha più ne metta, alcuni belli, altri bellissimi, altri ancora cialtronissimi, ma, che fare, lo spaghetti-western è già stato rivissuto, resuscitato, rianimato, da grandi e piccoli (c'è stata pure la rassegna al Festival di Venezia curata dai nocturniani) e non vi è bisogno dello sproloquio del sottoscritto per portare acqua al mulino del genere preso in considerazione.

Che cosa rimane, quindi? Rimane un gran film, come si diceva in precedenza. Rimane una messa in scena straordinaria, la grande mano di Damiani a gestire sparatorie, assalti a treni, rivoluzionari avidi di denaro e il pueblo sporco e povero in cerca di riscatto. In mezzo l'amicizia virile tra El Chuncho e Bill Tate detto il "Nino", misterioso e sfuggente gringo alleatosi con i ribelli al fine di vendere una partita di fucili e munizioni al Generale Elìas (Jaime Fernandez). Splendida fotografia di Toni Secchi che sfrutta al massimo i paesaggi gentilmente offerti dall'Almeria, montaggio senza tempi morti di Renato Cinquini, commento musicale di Luis Bacalov, con supervisione del Maestro Morricone e interpretazioni precisi, perfette, anche troppo, del "solito", encomiabile Gian Maria Volontè, che regala un El Chuncho per molti versi, indimenticabile, un Lou Castel espressivo il giusto per rappresentare l'ambiguo americano, una Martine Beswick bellissima, eroina dei "cavernicoli"hammeriani e futura "Sister Hyde" di Roy Ward Baker(iana) memoria che è semplicemente visione ottundente e, ma che ve lo dico a fare, un simulacrale Kinski capace di rubare la scena a tutti quanti quando viene immortalato dalla cinepresa di Damiani, tanto bravo da farti veramente credere che il personaggio di El Santo sia uomo in carne, ossa e bandana e non solo una figurina a cavallo sullo sfondo. Grande Klaus, grandissimo. Come perfetti sono i caratteristi chiamati a completare il quadro messicano, Aldo Sambrell, Spartaco Conversi, Joaquin Parra e Andrea Checchi nel ruolo del "ricco" Don Felipe con la Carla Gravina de "L'Anticristo" di Alberto De Martino a chiudere il cerchio. Consigliatissimo. Sui titoli di coda Ramon Mereles canta la bella "Ya Me Voy" del Maestro Bacalov. Sull'integralità delle versioni si sono sempre versati fiumi di inchiostro, specialmente sui passaggi televisivi, rimaneggiati anzichenò.

Buona visione.

Belushi

A seguire una lista completa (o quasi) di tutte le edizione in Dvd del film di Damiani, con relativi titoli utilizzati per l'edizione.

U.S.A
"A Bullet For the General"Label: Blue Underground
Formato: 2.35:1
Traccia: Inglese

"A Bullet For the General"Label: Anchor Bay
Formato: 2.35:1
Traccia: Inglese

Once Upon a Time in Italy Box by Anchor Bay, comprende:
-"Companeros"
-"Keoma"
-"Texas Adios"
-"Four of the Apocalypse" ("I Quattro dell'Apocalisse", capolavoro di Lucio Fulci)
Formato: 2.35:1
Soundtracks: Inglese DD 2.0 Mono, Italiano DD 2.0 Mono
Sottotitoli: Inglese

U.K
"A Bullet For the General"Label: Argent Films
Formato: 2.35:1 PAL
Audio: Inglese

Cult Spaghetti Western Box Set , comprende:
-"Django"
-"Keoma"
Label: Argent Films
Region 2 PAL
Specifiche tecniche identiche alla versione singola

GERMANIA:
"Tote Amigo"
Old Koch Media (3 covers disponibili)
Formato: 2.35:1
Audio: Inglese, Tedesco
Sottotitoli: Tedesco

Release #1 Koch Italo-Western Collection
Rimasterizzato, Uncut, interviste con Damiani Damiani, Lou Castel, pictures, trailers.
Audio: Inglese, Tedesco
Sottotitoli in tedesco per le scene in inglese restaurate. Dolby Digital 2.0
Versione comprendente il vecchio e un nuovo doppiaggio in Inglese
Formato: 2.25:1 anamorphic widescreen, PAL
Dvd Review (Tedesco)

FRANCIA:
"El Chuncho"
Wild Side Video (version pocket)
Video: 1.85:1 Anamorfico
Audio: French 2.0 Mono, Italian 2.0 Mono, English 2.0 Mono
Sottotitoli: Francese
Extras: Intervista con Lou Castel, film biographies
E' disponibile una versione del film con il solo audio francese

"El Chuncho"
Wild Side Video
Double Feature with "Keoma"
Formato: 2.35:1
Audio: English, French, Italian
Sottotitoli: French

Le Trésors du Western
Label: Wild Side Video
4 DVD Set
Comprende:
-"Keoma"
-"Django"
-"Four of the Apocalypse"

ITALIA
"Quien Sabe?"
Label: Surf Video
Ratio: 2.35:1, PAL
Audio: Italiano
Sottotitoli: Italiano
Regione 2, Amaray
Extra: Interviste

GIAPPONE
"群盗荒野を裂くスペシャル・エディション /Quien Sabe?"
Label: Cinefil/Imagica
Special Edition, Region 2
Release date: 2009-06-03
Audio Dolby Digital English, Japanese
Sottotitoli: Japanese
Aspect Ratio: 16:9 / 4:3 (letterbox)
Run Time: 118 minutes
Features: Trailers, amaray keep case

SPAGNA
"Yo Soy la Revolucìon"
Label: Filmax Pictures (2007)
Region 2, PAL
Video: Widescreen
Audio: Spanish DD 2.0, Italian DD 2.0
Sottotitoli: Spanish

"Yo Soy la Revolucìon"
Divisa Home Video, 20 luglio 2011
Region 2, PAL
Formato: 2.35:1
Audio: Spanish DD 2.0 Mono, Italian DD 2.0 Mono
Sottotitoli: Spanish
Runtime: approx 107 min

BRASILE
"Uma Bala Para o General"
Label: Classic Line
Ratio: Letterbox
Audio: English
Subs: Portuguese

Il cappotto

2012-01-07T06:00:00.001+01:00

1952, Alberto Lattuada.

Secondo molti è il capolavoro di Alberto Lattuada, secondo me sicuramente è un capolavoro di Renato Rascel, che 7 anni prima di "Policarpo" già si ritrovava in un ruolo molto simile: anche qua è impiegato nel pubblico, ancora una volta è uno scrivano deriso e maltrattato al lavoro, persino in comune tra i 2 film la innocente e involontaria scoperta di una corruttela che gli procurerà temporanei favori dal capo.

Liberamente ispirato al racconto omonimo del genio russo Gogol (scrittore amatissimo da chi scrive), rispetto al citato "Policarpo" siamo ora calati in una realtà meno lontana: Pavia, in prima epoca fascista. L'impiegato De Carmine subisce umiliazioni d'ogni genere, ma la cosa che lo fa più soffrire in quell'inverno è la mancanza di un cappotto adeguato. Quello che ha è liso ed è comparso anche un grosso buco sulla schiena. Riuscirà a farsene uno nuovo, bellissimo, proprio prima del rinfresco di fine anno offerto dal capoufficio. Mentre tornerà a casa dopo la serata, sul bellissimo e famoso Ponte Coperto (o Ponte Vecchio) verrà aggredito e derubato del cappotto, senza trovare nessuno disposto ad aiutarlo per recuperarlo, nemmeno le suppliche al sindaco serviranno a nulla. Morirà di crepacuore. Il suo funerale sarà un momento che nessuno a Pavia potrà dimenticare e De Carmine, anche da morto, farà in modo che la memoria non decada... I 107 minuti dell'edizione restaurata ora disponibile contengono qualche momento estremamente esilarante ma anche quelli in un tale contesto di sudditanza al potere che non ce l'ho fatta a dichiarare il film come commedia.

L'abito fa il monaco, anche quando è indispensabile a coprirti. Fa già sorridere, in un'epoca come questa, pensare che un semplice cappotto possa essere oggetto di sofferenze, risparmi, pensieri, però il racconto di Gogol, che nel film conserva intatti i suoi aspetti surreali, è tragicamente calato in una realtà "reale". La spocchia e la boria di sindaco, capoufficio e compagnia superano il sopportabile, anche se forse non a tutti può fare lo stesso effetto visto che negli ultimi anni in italiA abbiamo eletto luridi esseri di simil schiatta, gente che certo non ammira il povero De Carmine ma i suoi despoti. Se tutti i morti che hanno sulle spalle, parlo dei luridi recenti, potessero fare quello che farà De Carmine alla fine, ne godremmo tutti. Forse certe cose si potrebbero fare prima di morire, a pensarci bene.

Sbaglia chi pensa ai "signori" ritratti nel film come rappresentanti del fascismo, sono simbolo di una classe dirigente italiana - fatte le debite eccezioni - che è tuttora piccola di cervello, poverissima di senso civile e "grande" solo nel ricercare privilegi (e mignotte). Sbaglia anche chi giudica De Carmine semplicemente come un pavido destinato all'obbedienza, visto che dimostrerà in più di un'occasione di saper far valere le sue ragioni e diritti, ché son tutti bravi a fare i forti quando si hanno potere e ricchezza, mentre è quando non li si hanno che si dimostra veramente la tempra. La salute lo tradirà, lo spirito gli sopravviverà. Un piccolo eroe.

E' un film meraviglioso, per me da Olimpo. Questo 2012 ho iniziato, e continuerò, scavando nelle nostre origini italiane, di Popolo e di Cinema. Sento questo bisogno anche se non so bene spiegarne il perché. Godetevi i molti dettagli che non vi ho raccontato, ma se lo guarderete, anche se vi sembrerà un film semplice, cercate di non distrarvi, a partire dai titoli di testa. Ve ne dico solo una che mi ha commosso: De Carmine infreddolito si avvia verso l'ufficio e per scaldarsi le mani a un certo punto si ferma vicino ad un calesse e le mette sotto il soffio delle nari del cavallo... A volte è la somma di dettagli che crea il totale di un film. "Il cappotto" ne è pieno, scegliete il vostro.

Robydick